Natural de Roma, licenciou-se em piano, composição, música coral e direção de orquestra na Academia de Santa Cecília. Aperfeiçoou-se com Zoltán Peskó, Vladimir Delman e Rudolf Barshai, tendo alcançado o 3.º prémio no Concurso Arturo Toscanini de Parma. De 1995 a 2001, foi diretor musical no Teatro de Ópera de Ancara, ocupando, de 2001 a 2005, o mesmo cargo na Ópera Estatal de Istambul. Dos compromissos passados e mais recentes, destacam-se: Lucia di Lammermoor em Buenos Aires e Bari; La Gioconda em Santander; Andrea Chénier em Berlim e na Catânia; Macbeth em Lisboa; Aida em Copenhaga e Caracalla; Il trovatore, Anna Bolena e Ernani na Catânia; Tosca em Florença e Bari; Turandot em Copenhaga, Verona e Catânia; Aroldo em Bilbau; Il barbiere di Siviglia em Tóquio, Valência e Verona; Carmen em Copenhaga e Avenches; Faust em Tóquio e Santander; Un ballo in maschera em Salerno e Lisboa; Madama Butterflyem Ancona; Medea no circuito As.Li.Co.; Norma em Trapani e Spalato; Attila em Lecce e Roma; Otello em Lisboa; Manon Lescaut em Torre del Lago; Nabucco em Caracalla e Lisboa; Rigoletto em Tóquio, Falstaff em Xangai; e La forza del destino em Lisboa. É, atualmente, maestro titular da Orquestra Sinfónica Portuguesa. 

© Bruno Simão

Diogo Costa é, atualmente, um dos jovens maestros mais ativos do país. Entre os seus projetos recentes e futuros incluem-se os convites para a Orquestra Gulbenkian, a Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música, a Orquestra Metropolitana de Lisboa, bem como para várias orquestras regionais do país. Em Inglaterra, dirigiu a Hallé Orchestra e a Filarmónica da BBC, em Manchester, a Orquestra Nacional de Gales da BBC, e a West European Studio Orchestra, com a qual tem vindo a gravar em diversos estúdios, entre eles o lendário Abbey Road, em Londres.  

Nutrindo um interesse especial pela ópera, trabalhou como maestro assistente de Lorenzo Viotti na produção da ópera Roméo et Juliette de Gounod, com a Orquestra e Coro Gulbenkian, e também enquanto maestro assistente de David Azagra na produção da ópera L’elisir d’amore de Donizetti, em Espanha. Em 2021, estreou-se enquanto maestro principal na produção da ópera The Medium de Menotti, no Operafest Lisboa, que recebeu as melhores críticas internacionais.   

Presença constante em diversos concursos internacionais, foi recentemente laureado no Prémio Jovens Músicos em direção de orquestra. Em 2020, foi finalista no Mackerras Fellowship da Ópera Nacional de Inglaterra e semi-finalista na Siemens Hallé International Conducting Competition.   

Jermaine Maurice Spivey é um coreógrafo norte-americano em clara ascensão, que, a par de uma brilhante carreira enquanto intérprete, convoca ativamente a ideia de uma prática colaborativa nos seus processos de criação. De 2002 a 2017, viveu e trabalhou predominantemente na Europa, tendo sido membro do Ballet Gulbenkian e do Cullberg Ballet. Trabalhou como artista convidado para a Hofesh Shechter Company, Robyn Live 2016, The LID, Arias Company e The Forsythe Company de 2013 a 2015, entre outras colaborações. É membro da companhia Kidd Pivot desde 2008. Como coreógrafo, já lhe foram comissionados trabalhos pela companhia Salt Contemporary Dance (EUA), Rambert 2 (RU), LA Dance Project (EUA), The Broad Museum (EUA), Christina Aguilera Live at The Hollywood Bowl com Gustavo Dudamel e a LA Phil, e, mais recentemente, Hubbard Street Dance Chicago (EUA), NDT 2 (Países Baixos) e Ballet Flanders (Bélgica). Em colaboração com o seu companheiro e parceiro artístico Spenser Theberge, Spivey criou as obras Rather This Then e Position 3. Spivey orienta ainda práticas de dança por toda a América do Norte e Europa. 

© Jermaine Spivey

Alexandre Andrade, Gonçalo Brandão, Manuel Dias e Pedro Simões, naturais dos distritos de Aveiro, Viseu e Porto, formam o Ketuk Quartet. O projeto surgiu a partir do trabalho realizado no grupo de percussão da Escola Profissional de Música de Espinho com o objetivo de concorrer ao Prémios Jovens Músicos, objetivo que foi realizado com a obtenção do primeiro prémio no PJM 2023 na categoria de música de câmara - nível médio. Destaca-se ainda a atuação no grande auditório da Fundação Calouste Gulbenkian no âmbito do Festival Jovens Músicos. Atualmente, o quarteto procura contribuir para a relevância da percussão na música de câmara.

Compositor e maestro, Pedro Amaral (Lisboa, 1972) é um dos músicos mais ativos da sua geração. Iniciou os seus estudos com Fernando Lopes-Graça, em 1986. Graduou-se na Escola Superior de Música de Lisboa (1994) e no Conservatório de Paris (CNSM), onde obteve o Primeiro Prémio em Composição por unanimidade do júri (1998). Estudou direção de orquestra com Emilio Pomàrico e com Peter Eötvös, de quem foi assistente.

Prosseguiu estudos universitários na École des Hautes Études en Sciences Sociales, obtendo um Mestrado em Musicologia Contemporânea (1998) e um Doutoramento (2003) com uma tese sobre Momente, de K. Stockhausen.

Trabalhou no IRCAM, em Paris, como compositeur en recherche, compondo e estreando diversas obras para meios instrumentais e eletrónica em tempo real, tornando-se presença assídua em muitos dos mais importantes festivais internacionais. Em 2006 gravou o seu primeiro disco monográfico, com a London Sinfonietta, sob a sua direção. As suas óperas O Sonho e Beaumarchais foram estreadas em Londres (2010) e Lisboa (Teatro Nacional Dona Maria II, 2017), respetivamente.

Foi compositor residente na Herrenhaus Edenkoben (Alemanha, 2001), na Villa Medici (antigo Prix de Rome, 2004/05) e no Palácio Lenzi (Florença, 2006). Professor da Universidade de Évora desde 2007, é membro da Academia de Belas Artes desde 2017.

Em cada temporada, Pedro Amaral dirige numerosos concertos em Portugal e no estrangeiro, com um repertório que se estende do Classicismo vienense à contemporaneidade, empenhando-se em projetos de amplo significado como o que dirigiu em Milão, no Teatro alla Scala, com a Orquestra Sinfónica Nacional da RAI de Turim e o violinista Vadim Repin, em maio de 2022, 11 semanas após a invasão da Ucrânia, com um apelo à Paz em tempos de guerra.

Com uma ampla experiência na programação de concertos, temporadas e festivais, desempenhou as funções de Maestro Titular da Orquestra do Conservatório Nacional (2007/08), do Sond’Arte Electric Ensemble (2007/10) e da Orquestra Metropolitana de Lisboa, funções que acumulou com as de Diretor Artístico (2013/20).

Iniciou os seus estudos de ballet em 1961 no Grupo Verde Gaio e, em 1968 ingressou no Ballet Gulbenkian. Em 1975 formou-se em Dança Moderna na Escola de Dança Contemporânea de Martha Graham, em Nova Iorque. Durante mais de duas décadas desempenhou funções de coreógrafo residente no Ballet Gulbenkian, onde criou dezenas de obras que marcaram o estilo da companhia. Além disso, foi regularmente convidado a coreografar em diversas companhias estrangeiras, nomeado professor de Dança Moderna na Escola de Dança do Conservatório Nacional e professor coordenador na Escola Superior de Dança. Também atuou como diretor artístico do Festival de Sintra na área da dança e do Teatro Camões, além de ser diretor artístico da CNB. 

Em 1997 fundou, juntamente com Graça Barroso, a Companhia Portuguesa de Bailado Contemporâneo (CPBC), que estreou em abril de 1998, no Brasil. Recebeu várias distinções ao longo da sua carreira, sendo condecorado como Comendador da Ordem do Infante D. Henrique pelo então Presidente da República, Dr. Mário Soares, em 10 de junho de 1994. 

Atualmente, ocupa o cargo de Presidente da Direção e coreógrafo principal na CPBC. Em 2021 confiou a direção artística a Cláudia Sampaio, uma das bailarinas fundadoras da companhia. 

Em janeiro de 2024 foi agraciado com a Medalha de Mérito Cultural da Câmara Municipal de Lisboa. 

© Kinema

«Uma notável artista, uma cantora inata (...) com uma voz bonita e redonda, uma presença excecional em palco, com uma messa di voiceque após a Caballé é muito difícil de encontrar» (diretor do Festival Oper im Berg). Estreou-se em Salzburgo (Festival Oper im Berg) com o papel titular em Lucia di Lammermoor, em prestação muito aclamada pela crítica e pelo público.

Interpretou os papéis Musetta no TNSC onde recebeu os melhores elogios da critica pública - «The highlight was Bárbara Barradas as Musetta. A scene-stealing actress, she really brought out the heartfelt generosity of her character and has this wonderfully poised, silvery soprano with an easy top» - by OperaTraveller. Na sua carreira, já interpretou Lucia, Gilda, Corinna, Valencienne, Le Feu e Le Rossignol, Susanna, Barbarina, La Fèe, Frasquita, Donna Anna, Zerlina, Königin der Nacht, Ines di Castro, entre outros. Estreou no Teatro da Trindade, o papel de Bruna da ópera Canção do Bandido de Nuno Côrte-Real, com encenação de Ricardo Neves-Neves. Na Culturgest, também em estreia absoluta, foi a solista de Tremor de Nuno Côrte-Real, obra que gravou em Berlim. Canta regularmente com as mais prestigiadas orquestras nacionais e internacionais. Foi bolseira da Fundação Gulbenkian, formou-se em Londres com distinção (BMus e MMus) na Guildhall School of Music and Drama. Fez também pós-graduações na International Opera Academy e na WIAV. Ganhou vários prémios e bolsas de estudo em inúmeras competições nacionais e internacionais.

É fundadora e mentora do «Empodera-te na Voz» e da marca «EmpoderARTE», é também co-fundadora da ArtAllurement.

Dedicado à performance do batuku, as Batucadeiras das Olaias surgem com o objetivo de partilhar, divulgar, reivindicar e exaltar a história, a memória e a cultura cabo-verdiana. A celebração é uma representação central da cultura de Cabo Verde e das comunidades cabo-verdianas na diáspora. Não se prendem apenas à música, ritmo e arte, mas sobretudo ao sentido de amizade, familiaridade, vizinhança e sociabilidade.  
A partir das próprias músicas autorais, o grupo partilha as suas memórias, conhecimentos e histórias de vida, gerando uma evasão da vida quotidiana e uma marcação identitária no contexto migratório. Além disso, promovem o fortalecimento dos laços comunitários e a preservação das tradições culturais. As performances das Batucadeiras das Olaias são momentos de união e celebração, onde a música e a dança se tornam uma linguagem comum que transcende fronteiras. Elas representam não apenas um resgate cultural, mas também uma forma de resistência e afirmação da identidade cabo-verdiana no mundo.  

Estudou na Guildhall School of Music and Drama, em Londres, onde obteve a licenciatura em canto e mestrado (curso de ópera) como bolseira da

Fundação Calouste Gulbenkian. O seu repertório de ópera inclui, entre outros: Preziosilla em La forza del destino; Dorabella em Così fan tutte; Jocasta

em Oedipus rex; Ježibaba em Rusalka; Suzuki em Madama Butterfly; Maddalena em Rigoletto; Eboli em Don Carlo; Madame de Croissy em Dialogues

des carmélites; papel titular em Carmen; Santuzza em Cavalleria rusticana; Condessa di Coigny e Madelon em Andrea Chénier; Siebel em Faust e Azucena em Il trovatore. Em concerto, interpretou como solista: Messa da Requiem de Verdi; Requiem

de Mozart; Stabat Mater de Pergolesi; Oratória de Natal e Oratória de Páscoa e Paixão segundo São João de J. S. Bach; Petite messe solennelle de Rossini; Elijah

de Mendelssohn; Messiah de Händel; L’enfance du Christ de Berlioz; e 9.ª Sinfonia de Beethoven.

João Sanchez, 26 anos, nascido em Lisboa, maturado em Arruda dos Vinhos. Licenciado em Cinema pela Escola Superior de Teatro e Cinema, Freelancer na área audiovisual. Aos 17 anos estreia o seu primeiro filme, Pecado, na Cinemateca Portuguesa. Aos 18 cria o Colectivo Pagárrenda e estreia Nós os Arroianos, a sua primeira longa-metragem, na mesma sala. Desde então, realiza A maneira certa de encontrar casa, filme mais visto e artigo mais lido do Público em 2018. Realiza, edita e desenvolve vários projetos em colaboração com grandes empresas, músicos e ativações de marca. Em 2021 integra o júri do Festival de Cinema de Avanca e  cria a marca de roupa Bon Vivant. Em 2021 cria e interpreta juntamente com Maria Abrantes a performance Uma Água Por Favor e em 2023 o vídeo-dança Finimondo juntamente com Sofia Kafol.  

Ohad Naharin é coreógrafo residente da Batsheva Dance Company, coreógrafo convidado de inúmeras companhias e criador da linguagem de movimento Gaga. 

Nascido em 1952 em Mizra, Israel, entrou para a Batsheva Dance Company em 1974, apesar de ter pouca formação. Durante o seu primeiro ano, a coreógrafa convidada Martha Graham desafiou-o a juntar-se à sua própria companhia em Nova Iorque, onde Naharin fez a sua estreia coreográfica no estúdio de Kazuko Hirabayshi em 1980. Durante a década seguinte, apresentou trabalhos em Nova Iorque e no estrangeiro, incluindo peças para a Batsheva Dance Company, a Kibbutz Contemporary Dance Company e o Nederlands Dans Theater. Naharin trabalhou em estreita colaboração com a sua primeira mulher, Mari Kajiwara, até esta falecer de cancro em 2001. 

Em 1990 Naharin foi nomeado Diretor Artístico da Batsheva Dance Company e, no mesmo ano, criou a divisão júnior da companhia, Batsheva - the Young Ensemble. Desde então, criou mais de trinta obras para ambas as companhias e peças de cenário para muitas outras. Colaborou também com músicos como The Trator’s Revenge, Avi Balleli e Dan Makov, Ivri Lider e Grischa Lichtenberger. 

Sob o pseudónimo Maxim Waratt, compôs, editou e misturou muitas das suas próprias bandas sonoras. O trabalho de Naharin foi apresentado em vários filmes, incluindo Out of Focus (2007) de Tomer Heymann e Mr. Gaga (2015) dos irmãos Heymann. 

Para além do seu trabalho em palco, Naharin também desenvolveu Gaga, a inovadora pesquisa de movimentos e o treino diário dos bailarinos de Batsheva, que se espalhou internacionalmente entre bailarinos e não bailarinos. 

Cidadão de Israel e dos Estados Unidos, Naharin vive atualmente em Israel com a sua mulher, a bailarina e figurinista Eri Nakamura, e a sua filha, Noga. 

©Ilya Melnikov

Em 1962 a Fundação Calouste Gulbenkian decidiu estabelecer um agrupamento orquestral permanente. No início constituído apenas por doze elementos, foi originalmente designado por Orquestra de Câmara Gulbenkian. Ao longo de sessenta anos de atividade, a Orquestra Gulbenkian (denominação adotada desde 1971) foi sendo progressivamente alargada, contando hoje com um efetivo de cerca de sessenta instrumentistas que pode ser pontualmente expandido de acordo com as exigências de cada programa de concerto.  

Esta constituição permite à Orquestra Gulbenkian interpretar um amplo repertório que se estende do Barroco até à música contemporânea. Obras pertencentes ao repertório corrente das grandes formações sinfónicas tradicionais, nomeadamente a produção orquestral de Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Mendelssohn ou Schumann, podem ser dadas pela Orquestra Gulbenkian em versões mais próximas dos efetivos orquestrais para que foram originalmente concebidas, no que respeita ao equilíbrio da respetiva arquitetura sonora. 

Em cada temporada, a Orquestra Gulbenkian realiza uma série regular de concertos no Grande Auditório Gulbenkian, em Lisboa, em cujo âmbito tem tido ocasião de colaborar com alguns dos maiores nomes do mundo da música, nomeadamente maestros e solistas. Atua também com regularidade noutros palcos em diversas localidades do país, cumprindo desta forma uma significativa função descentralizadora. No plano internacional, por sua vez, a Orquestra Gulbenkian foi ampliando gradualmente a sua atividade, tendo até agora efetuado digressões na Europa, na Ásia, em África e nas Américas. 

No plano discográfico, o nome da Orquestra Gulbenkian encontra-se associado às editoras Philips, Deutsche Grammophon, Hyperion, Teldec, Erato, Adès, Nimbus, Lyrinx, Naïve e Pentatone, entre outras, tendo esta sua atividade sido distinguida, desde muito cedo, com diversos prémios internacionais de grande prestígio. A partir de setembro de 2023, O finlandês Hannu Lintu é o Maestro Titular da Orquestra Gulbenkian, sucedendo a Lorenzo Viotti. 

© FCGulbenkian

Akram Khan é um artista essencial e mundialmente reconhecido no campo da dança na atualidade. Ao longo dos últimos 23 anos, as suas obras têm contribuído significativamente para as artes no Reino Unido e no estrangeiro. Tem colaborado com artistas de outras culturas e disciplinas, tais como o Ballet Nacional da China, Juliette Binoche, Sylvie Guillem, Kylie Minogue, Florence + The Machine, Anish Kapoor, Antony Gormley, Tim Yip, Hanif Kureishi, Steve Reich, Nitin Sawhney, Jocelyn Pook ou Ben Frost. A obra de Khan é considerada profundamente comovente, chegando mesmo a poder ser lida como ritual, dada a influência que a dança clássica Kathak tem nela. Ao transportar elementos desta dança para as suas criações, Khan contribui para uma redefinição da nossa ideia do que é dançar. Ao longo da sua carreira, tem sido galardoado com inúmeras distinções.  

© Camilla Greenwell

Nascido em Tarouquela, Carlos Cardoso estudou na escola da Beira Interior com o maestro Ferreira. Foi o vencedor do 1º Prémio no Concurso Luísa Todi, do 3º Prémio no Concurso Magda Olivero, e do 1º Prémio no Concurso do Rotary Club, em Lisboa. Foi membro do Estúdio de Ópera do Teatro S. Carlos em Lisboa e da “Accademia del Teatro alla Scala” em Milão, no âmbito da qual participou de concertos e produções de ópera. Entre outras estreias, contam-se apresentações na Ópera Nacional Holandesa de Amesterdão, Teatro Verdi di Busseto para o Festival Parma Verdi, Teatro São Carlos em Lisboa, Stadttheater Klagenfurt, Ópera Vilnius e a Fundação Calouste Gulbenkian. Entre 2017 e 2023 foi membro do ensemble do Aalto Theater Essen. Como convidado, atuou também nas Óperas de Magdeburgo, Wiesbaden, Koblenz, Dortmund, Gelsenkirchen, Gärtnerplatz München, Ópera Nacional de Praga e Tirana, em Parma e Trieste, e no Musikverein de Viena. O seu repertório inclui, entre outros, os papéis de Duca/Rigoletto, Alfredo/La Traviata, Rodolfo/Luisa Miller, Renato/Un ballo in Maschera, Gabriele Adorno/Simone Boccanegra, Ismaele/Nabucco, Edgardo/Lucia di Lammermoor, Pollione/Norma, Rodolfo/La Bohème, Pinkerton/Madama Butterfly, Narraboth/Salomé. Em concerto, apresentou-se na Glagolitische Messe de Janacek, na Messa di Gloria de Puccini, na Petite Messe Solennelle e no Stabat Mater de Rossini, e ainda no Requiem de Dvorak. 

A CNB é o organismo de produção artística que tem como missão assegurar a prestação de um serviço público no domínio da dança, no âmbito de um projeto cultural centrado na promoção do acesso dos cidadãos à fruição desta atividade artística e no reforço dos padrões de qualidade da criação e produção profissionais da dança em Portugal e no estrangeiro. Ao longo de mais de quatro décadas de existência tem apresentado obras de referência do reportório internacional, quer as incontornáveis do dito clássico, quer as de coreógrafos como George Balanchine, Kurt Jooss, José Limón, Anne Teresa De Keersmaeker, William Forsythe, Hans van Manen, Jiří Kylián, Akram Khan, Sasha Waltz, Sidi Larbi Cherkaoui, Alexander Ekman, entre outros. Paralelamente tem apostado em encomendas geradoras de uma identidade própria, com especial destaque nos convites a autores portugueses Armando Jorge, Olga Roriz, Rui Lopes Graça, Vasco Wellenkam, Rui Horta, Fernando Duarte, Tiago Rodrigues, Victor Hugo Pontes, Tânia Carvalho, Clara Andermatt, Sónia Baptista, Filipe Portugal e Marco da Silva Ferreira, entre outros. 

A interligação com distintas áreas da criação artística tem sido, também, uma preocupação de muitas dessas encomendas envolvendo importantes nomes da música, teatro, cinema ou artes plásticas e aproveitando a versatilidade de um elenco, atualmente dirigido artisticamente por Carlos Prado. 

Leonel Pinheiro é licenciado pela Universidade de Aveiro e pós-graduado pela Royal Scottish Academy of Music & Drama, Opera School (Mestrado), Guildhall School of Music & Drama. Trabalha regularmente com o Wexford Festival Opera, cantou Kozak Maria/Showman A Village Romeo and Juliet, Achille di Rosalba/Felice Il cappello di paglia di Firenze. Destacam-se dos papéis interpretados: Don Jose/ Carmen (Mid Wales Opera) encenação Sir Jonathan Miller, Macduff /Macbeth (Scottish Opera), Alfredo La traviata (Bermuda Festival, European Chamber Opera, Bangkok Grand Opera) com récitas na Tailândia, Bermudas, Índia, Paquistão, Coreia do Sul e Bahrain. Luigi/Il tabarro, Samson/Samson et Dalila (Grimeborn Opera Festival), Cavaradossi /Tosca (Musique Cordiale Festival, Wimbledon International Music Festival). Turiddu/Cavalleria rusticana (Coliseu Micaelense).  

Em concerto/oratória, destaca-se a estreia no Royal Festival Hall em Requiem de Mozart com a English Chamber Orchestra/Philharmonia Chorus e Das Lied von Der Erde de Mahler com a Orquestra Metropolitana de Lisboa, no Centro Cultural de Belém.   

© Viúva

O vasto repertório do barítono espanhol inclui mais de 50 papéis em alguns dos mais importantes palcos do mundo. 

Como cantor verdiano, destacam-se as suas interpretações de Conte di Luna, Giorgio Germont, Paolo, Jago, Nabucco, Macbeth, Attila, Rigoletto, Amonasro, Falstaff e Ford. O seu repertório verista inclui Sharpless, Scarpia, Marcello, Guglielmo em Le villi, Lescaut, Michele ou Alfio e Tonio, papéis que interpretou em alguns dos mais conceituados palcos e cidades internacionais, como Théâtre des Champs-Elysées, Metropolitan Opera, Berlin Staatsoper, Teatro Real de Madrid, Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Concertgebow Amsterdam, Hamburg, Lausanne, Maggio Musical Fiorentino, Teatro La Maestranza, Palau de les Arts, Ópera de Tenerife, Teatro Bellini (Palermo), Helsínquia, Ópera de Las Palmas de Gran Canaria, Arena di Verona, Deutsche Oper Berlin, Teatro Nacional de São Carlos, Tetaro di San Carlo de Nápoles, Opéra de Nice, Chorégie d’Orange, Toulouse e Palma de Maiorca. 

No âmbito do bel canto, já se apresentou em importantes papéis de barítono como Don Pasquale.  O seu repertório francês abrange o seu notável Escamillo, além de Albert, Mercutio, Athanael e Grand Prête. É também um ilustre interpréte de Zarzuela. 

A sua discografia inclui Pagliacci, Il viaggio a Reims, Katiuska e La vida breve de Falla, para a etiqueta Deutsche Grammophon. 

Primeira harpista a ganhar o prémio nacional Jovem Músico do Ano, a «virtuosa harpista» (Prémio Jovens Músicos) Beatriz Cortesão tem vindo a cativar público a nível global com a sua «energia contagiosa» complementada por uma «técnica impressionante» (Harp Column). Entre os prémios internacionais conquistados, destaca-se o Prémio Mário Falcão no 21.º Concurso Internacional de Harpa, em Israel.

Enquanto solista, apresentou-se com a Orquestra Sinfónica de Jerusalém, Orquestra Gulbenkian, Real Filarmonia da Galiza e com a Orquestra Clássica do Centro. Estreou a obra  Hybris para harpa solo e orquestra de Alejandro Civilotti no Noia Harp Fest (2023), e tem vindo a apresentar-se como solista em Israel, Itália, Portugal, Rússia, Eslovénia, Espanha e Suiça. É primeira harpa da Accademia Teatro Alla Scala, em Milão, e foi harpista da Orquestra de Jovens da União Europeia (2020). Colabora regularmente com o Ensemble D’Arcos, e é cofundadora do duo AnimArpa, com Carolina Coimbra. Beatriz Cortesão estudou harpa desde jovem com Eleonor Picas, Beatrix Schmidt, Rita Campos e Erica Versace. A academia HarpMasters desempenhou um papel vital no desenvolvimento das suas capacidades pessoais e artísticas, desde 2012. Detém a licenciatura e o mestrado em performance da música, com a mais alta distinção, da Civica Scuola di Musica Claudio Abbado, na classe de Irina Zingg. 

© Lorenzo Gorini

Os Estúdios Victor Córdon são uma plataforma criativa pertencente ao OPART, cuja missão é o apoio à comunidade artística independente. A sua programação pretende dar voz às necessidades de criadores(as) e intérpretes, nomeadamente no registo e transmissão dos seus discursos, pensamento em torno da criação artística e impacto na realidade social. Promovendo diferentes visões, os Estúdios olham as rotas da língua portuguesa como lugares de encontro, e refletem sobre o papel da criação artística no processo de aproximação de culturas, através do diálogo com as comunidades migrantes residentes em Portugal, em especial com as comunidades afrodescendentes, destacando a importância da sua presença nas instituições culturais e na sociedade em geral. Os EVC dão apoio à criação a artistas, festivais e instituições de ensino, com especial dedicação no suporte dado a jovens intérpretes e criadores(as) em início de carreira.  

©Guilherme Gouveia

João Freitas Sousa nasceu em 2007, em Fafe, distrito de Braga. Iniciou em 2013 os seus estudos na Academia de Música José Atalaya, em Fafe, na classe de clarinete de José Ricardo Freitas, tendo concluído até à data o 6.º grau. Participou e foi laureado em dezanove concursos de clarinete (nacionais e internacionais), tendo obtido o 1.º prémio em dezasseis deles, dos quais se destacam o Prémio Jovens Músicos 2023, categoria A – solista, clarinete (nível médio) e o Grande Prémio da Música Lions 2024.  

Integra, ainda, a Banda de Música de Cabeceiras, participando, também:  na Orquestra de Clarinetes Jaime Carriço, da Academia de Clarinete Marcos Romão dos Reis Jr.; na orquestra de clarinetes Invicta All Stars; na Orchestra Club, assim como na Orquestra Sinfónica Ensemble como 1.º clarinete. Participou em diversas masterclasses com clarinetistas e pedagogos de referência, tais como António Saiote, Piero Di Vicenti, Nuno Silva, Gabor Varga, Esther Georgie, Nuno Pinto, Cologero Palermo, Arek Adamski, Arno Piters, Josep Fuster, Joan Lluna, Keith Lipson, Florent Héau, Jérôme Voisin, Philippe Cuper, Philippe Berrod, Patrick Messina, Luís Carvalho, David Medina, Mariano Rey, Iva Barbosa, Manuel Jerónimo, Luís Gomes, Esteban Valverde, Jorge Camacho, Giovanni Punzi, Victor Pereira, entre outros.

Vesselina Kasarova nasceu em Stara Zagora (Bulgária) e começou a tocar piano ainda em tenra idade. Após obter o diploma de pianista de concerto, estudou canto com Ressa Koleva na Academia de Música de Sófia. Posteriormente, foi contratada pela Ópera de Zurique, onde rapidamente se impôs como uma das cantoras mais queridas  do público, tendo sido aclamada pela imprensa internacional como uma grande revelação. Nesse mesmo ano, ganhou igualmente o 1º Prémio no concurso de canto alemão “Neue Stimmen” em Gütersloh. Dois anos mais tarde, Vesselina Kasarova estreou-se no Festival de Salzburgo e na Ópera Estatal de Viena. Desde então, tem interpretado um vasto repertório nas principais casas de óperas e de concerto da Europa, dos EUA e do Japão, incluindo a Royal Opera House Covent Garden, o Gran Teatre del Liceu de Barcelona, a Ópera Estatal da Baviera, a Ópera Nacional de Paris, o Teatro alla Scala de Milão, a Lyric Opera de Chicago, a Metropolitan Opera, a Ópera de São Francisco, o Teatro Nacional de São Carlos, o Teatro Real de Madrid, o Maggio Musicale Fiorentino e o Rossini Opera Festival em Pesaro. Gravou numerosos recitais e óperas completas como artista exclusiva da RCA e para outras companhias e foi galardoada com o prémio “Bayerische Kammersängerin” e “Österreichische Kammersängerin”.

A soprano Ana Sofia Ventura concluiu a sua licenciatura na Escola Superior de Música de Lisboa e posteriormente integrou a International Opera Academy em Gante, na Bélgica. 

Estreou, no Teatro Nacional de São Carlos, a ópera O Rouxinol de Sérgio Azevedo, com os papéis de Rouxinol e Rouxinol Mecânico. Estreou recentemente a ópera portuguesa Madrugada: razões de um movimento, co-produção MPMP e Orquestra do Algarve. Dos seus papéis operáticos destacam-se os papéis mozarteanos Königin der Nacht, Susanna e Zerlina. Interpretou também Sra. T em Manifesto NaDa, de A. Sousa Dias, Cathleen em Riders to the Sea, de V. Williams, Belinda em Dido and Aeneas, de H. Purcell, Cephisa em Orpheus, de G. P. Telemann, Civene em Le Cinesi, de C. W. Gluck. 

Participou na estreia moderna de La Ninfa del Tago de A. Scarlatti, no papel de Tirsi, com a OML sob a direção de Enrico Onofri, e participou também na 4ª Sinfonia de Mahler, sob a direção de Miguel Romea. 

No contexto de oratória, interpretou The Messiah de G. F. Händel, Messe in h-Moll de J. S. Bach, Lauda per la Navità del Signore de O. Respighi como Anjo, Wie der Hirsch Schreit de F. Mendelssohn. 

Natural de Roma, licenciou-se em piano, composição, música coral e direção de orquestra na Academia de Santa Cecília. Aperfeiçoou-se com Zoltán Peskó, Vladimir Delman e Rudolf Barshai, tendo alcançado o 3.º prémio no Concurso Arturo Toscanini de Parma. De 1995 a 2001, foi diretor musical no Teatro de Ópera de Ancara, ocupando, de 2001 a 2005, o mesmo cargo na Ópera Estatal de Istambul. Dos compromissos passados e mais recentes, destacam-se: Lucia di Lammermoor em Buenos Aires e Bari; La Gioconda em Santander; Andrea Chénier em Berlim e na Catânia; Macbeth em Lisboa; Aida em Copenhaga e Caracalla; Il trovatore, Anna Bolena e Ernani na Catânia; Tosca em Florença e Bari; Turandot em Copenhaga, Verona e Catânia; Aroldo em Bilbau; Il barbiere di Siviglia em Tóquio, Valência e Verona; Carmen em Copenhaga e Avenches; Faust em Tóquio e Santander; Un ballo in maschera em Salerno e Lisboa; Madama Butterflyem Ancona; Medea no circuito As.Li.Co.; Norma em Trapani e Spalato; Attila em Lecce e Roma; Otello em Lisboa; Manon Lescaut em Torre del Lago; Nabucco em Caracalla e Lisboa; Rigoletto em Tóquio, Falstaff em Xangai; e La forza del destino em Lisboa. É, atualmente, maestro titular da Orquestra Sinfónica Portuguesa. 

© Bruno Simão

Henrique Pimentel tem colaborado em 2024 com o Teatro Nacional de São Carlos em vários projectos. Foi responsável pela reposição de Madama Butterfly, encenada por Jacopo Spirei, e depois assistente do mesmo encenador na sua recente produção de Falstaff. Assina agora a encenação de dois concertos no âmbito do Festival ao Largo 2024. Anteriormente, realizou estágios com os encenadores Vincent Huguet em Così Fan Tutte (Staatsoper de Berlim, 2021) e Christophe Gayral em La Bohème (69º Festival Puccini em Torre del Lago, 2023). 

É licenciado e mestre em Arquitectura pela Universidade de Coimbra, tendo iniciado a sua actividade profissional e multidisciplinar no atelier de Luísa Bebiano. A partir de 2022 dedicou-se exclusivamente a projetos nas áreas da cenografia, direção de arte para cinema e encenação, colaborando com outros nomes importantes como Luis F. Carvalho, Artur Pinheiro, Augusto Mayer e Nuno Carinhas. 

Criada em 1993, a Orquestra Sinfónica Portuguesa (OSP) é um dos corpos artísticos do Teatro Nacional de São Carlos e tem vindo a desenvolver uma atividade sinfónica própria, incluindo uma programação regular de concertos, participações em festivais de música nacionais e internacionais. Colabora regularmente com a Rádio e Televisão de Portugal através da transmissão dos seus concertos e óperas pela Antena 2, designadamente a realização da tetralogia O anel do Nibelungo, transmitida na RTP2, e da participação em iniciativas da própria RTP, como o Prémio Pedro de Freitas Branco para Jovens Chefes de Orquestra, o Prémio Jovens Músicos-RDP e a Tribuna Internacional de Jovens Intérpretes. No âmbito das temporadas líricas e sinfónicas, a OSP tem-se apresentado sob a direção de notáveis maestros, como Rafael Frühbeck de Burgos, Alain Lombard, Nello Santi, Alberto Zedda, Harry Christophers, George Pehlivanian, Michel Plasson, Krzysztof Penderecki, Djansug Kakhidze, Milán Horvat, Jeff rey Tate e Iuri Ahronovitch, entre outros. A discografia da OSP conta com dois CD para a etiqueta Marco Polo, com as Sinfonias n.os 1, 3, 5e 6 de Joly Braga Santos, que gravou sob a direção do seu primeiro maestro titular, Álvaro Cassuto, e Crossing borders (obras de Wagner, Gershwin e Mendelssohn), sob a direção de Julia Jones, numa gravação ao vivo pela Antena 2. Recentemente, em maio de 2022, foi lançado o CD editado pela Naxos com obras de Fernando Lopes-Graça, sob a direção de Bruno Borralhinho. No cargo de maestro titular, seguiram-se José Ramón Encinar (1999-2001), Zoltán Peskó (2001-2004) e Julia Jones (2008-2011); Donato Renzetti desempenhou funções de primeiro maestro convidado entre 2005 e 2007. Joana Carneiro foi maestrina titular de 2014 a 2021. Atualmente, a direção musical está a cargo de Antonio Pirolli, seu maestro titular. 

© David Rodrigues

Criada em 1993, a Orquestra Sinfónica Portuguesa (OSP) é um dos corpos artísticos do Teatro Nacional de São Carlos e tem vindo a desenvolver uma atividade sinfónica própria, incluindo uma programação regular de concertos, participações em festivais de música nacionais e internacionais. Colabora regularmente com a Rádio e Televisão de Portugal através da transmissão dos seus concertos e óperas pela Antena 2, designadamente a realização da tetralogia O anel do Nibelungo, transmitida na RTP2, e da participação em iniciativas da própria RTP, como o Prémio Pedro de Freitas Branco para Jovens Chefes de Orquestra, o Prémio Jovens Músicos-RDP e a Tribuna Internacional de Jovens Intérpretes. No âmbito das temporadas líricas e sinfónicas, a OSP tem-se apresentado sob a direção de notáveis maestros, como Rafael Frühbeck de Burgos, Alain Lombard, Nello Santi, Alberto Zedda, Harry Christophers, George Pehlivanian, Michel Plasson, Krzysztof Penderecki, Djansug Kakhidze, Milán Horvat, Jeff rey Tate e Iuri Ahronovitch, entre outros. A discografia da OSP conta com dois CD para a etiqueta Marco Polo, com as Sinfonias n.os 1, 3, 5e 6 de Joly Braga Santos, que gravou sob a direção do seu primeiro maestro titular, Álvaro Cassuto, e Crossing borders (obras de Wagner, Gershwin e Mendelssohn), sob a direção de Julia Jones, numa gravação ao vivo pela Antena 2. Recentemente, em maio de 2022, foi lançado o CD editado pela Naxos com obras de Fernando Lopes-Graça, sob a direção de Bruno Borralhinho. No cargo de maestro titular, seguiram-se José Ramón Encinar (1999-2001), Zoltán Peskó (2001-2004) e Julia Jones (2008-2011); Donato Renzetti desempenhou funções de primeiro maestro convidado entre 2005 e 2007. Joana Carneiro foi maestrina titular de 2014 a 2021. Atualmente, a direção musical está a cargo de Antonio Pirolli, seu maestro titular. 

© David Rodrigues

É, desde janeiro de 2021, maestro titular do Coro do Teatro Nacional de São Carlos. Estudou trombone, composição, música coral e direção coral no Conservatório de Música Giuseppe Verdi, em Milão. De 2016 a janeiro de 2021, foi maestro do Coro da Devlet Opera Ve Balesi de Ancara e, de 2018 a janeiro de 2021, desempenhou as funções de orientador vocal do Coro da Rádio e Televisão da Turquia. Simultaneamente à sua carreira como barítono solista, prosseguiu a atividade como maestro de coro, a partir de 1993, quando criou o Schola Cantorum «Cantate Domino» de Carbonate (Itália). Em 1996, fundou o Coro «Euphonia», em Carbonate, do qual foi diretor artístico e orientador vocal. O Coro «Euphonia» foi levado à descoberta do mundo da ópera, tendo interpretado, ao longo dos anos, os mais importantes títulos do repertório melodramático. De janeiro de 2002 a 2016, dirigiu o Coro Lirico dell’Associazione Musicale Calauce de Calolziocorte (Itália). De 2006 a 2016, dirigiu o coro lírico «Corale Arnatese» e, de setembro de 2012 a 2015, foi o maestro do Coro Operístico de Mendrisio (Suíça). Em 2015, fundou o Coro Sinfónico Ticino. Durante vários anos, lecionou técnica, pedagogia e didatismo de canto para maestros de coro, em cursos organizados pela Unione Società Corali Italiane, da qual foi membro do Comité Artístico. Como freelancer, é regularmente convidado, por ensembles e coros, a orientar masterclasses e cursos de canto, tanto em Itália como no resto do mundo. 

© Bruno Frango

É, desde janeiro de 2021, maestro titular do Coro do Teatro Nacional de São Carlos. Estudou trombone, composição, música coral e direção coral no Conservatório de Música Giuseppe Verdi, em Milão. De 2016 a janeiro de 2021, foi maestro do Coro da Devlet Opera Ve Balesi de Ancara e, de 2018 a janeiro de 2021, desempenhou as funções de orientador vocal do Coro da Rádio e Televisão da Turquia. Simultaneamente à sua carreira como barítono solista, prosseguiu a atividade como maestro de coro, a partir de 1993, quando criou o Schola Cantorum «Cantate Domino» de Carbonate (Itália). Em 1996, fundou o Coro «Euphonia», em Carbonate, do qual foi diretor artístico e orientador vocal. O Coro «Euphonia» foi levado à descoberta do mundo da ópera, tendo interpretado, ao longo dos anos, os mais importantes títulos do repertório melodramático. De janeiro de 2002 a 2016, dirigiu o Coro Lirico dell’Associazione Musicale Calauce de Calolziocorte (Itália). De 2006 a 2016, dirigiu o coro lírico «Corale Arnatese» e, de setembro de 2012 a 2015, foi o maestro do Coro Operístico de Mendrisio (Suíça). Em 2015, fundou o Coro Sinfónico Ticino. Durante vários anos, lecionou técnica, pedagogia e didatismo de canto para maestros de coro, em cursos organizados pela Unione Società Corali Italiane, da qual foi membro do Comité Artístico. Como freelancer, é regularmente convidado, por ensembles e coros, a orientar masterclasses e cursos de canto, tanto em Itália como no resto do mundo. 

© Bruno Frango

O Coro do Teatro Nacional de São Carlos, criado em 1943 sob a titularidade de Mario Pellegrini, tem atuado sob a direção de importantes maestros (Pedro de Freitas Branco, Votto, Serafin, Gui, Giulini, Klemperer, Zedda, Solti, Santi, Rescigno, Navarro, Rennert, Burgos, Conlon, Christophers, Plasson e Minkowski, entre outros) e colaborado com marcantes encenadores (Pountney, Carsen, Vick). Entre 1962 e 1975, o Coro colaborou nas temporadas da Companhia Portuguesa de Ópera (Teatro da Trindade), tendo-se deslocado com a mesma à Madeira, aos Açores, a Angola e a Oviedo. O conjunto tem regularmente abordado o repertório de compositores nacionais (Alfredo Keil, Augusto Machado) e tem participado em estreias mundiais de óperas de Fernando Lopes-Graça, António Victorino d’Almeida, António Chagas Rosa, Nuno Côrte-Real. Em 1980, formou-se um primeiro núcleo coral a tempo inteiro e, três anos depois, assumiu-se a profissionalização plena, sob a direção de Antonio Brainovitch. A partir de 1985, a afirmação artística do conjunto foi creditada a Gianni Beltrami e o titular seguinte foi João Paulo Santos. Sob a responsabilidade destes dois maestros, o Coro registou marcantes êxitos internacionais: Grande messe des morts de Berlioz (1989–Turim); Requiem de Verdi (1991–Bruxelas); Concerto Henze/Corghi (1997–Festival de Granada). Giovanni Andreoli assumiu o cargo em 2004. Sob a sua direção, o Coro averbou êxitos num vasto e variado repertório. Em 2005, o Coro foi convidado pela Ópera de Génova para participar em récitas da ópera Billy Budd de Britten, convite que se repetiu em 2015. Giampaolo Vessella é o maestro titular desde janeiro de 2021.   

O Coro do Teatro Nacional de São Carlos, criado em 1943 sob a titularidade de Mario Pellegrini, tem atuado sob a direção de importantes maestros (Pedro de Freitas Branco, Votto, Serafin, Gui, Giulini, Klemperer, Zedda, Solti, Santi, Rescigno, Navarro, Rennert, Burgos, Conlon, Christophers, Plasson e Minkowski, entre outros) e colaborado com marcantes encenadores (Pountney, Carsen, Vick). Entre 1962 e 1975, o Coro colaborou nas temporadas da Companhia Portuguesa de Ópera (Teatro da Trindade), tendo-se deslocado com a mesma à Madeira, aos Açores, a Angola e a Oviedo. O conjunto tem regularmente abordado o repertório de compositores nacionais (Alfredo Keil, Augusto Machado) e tem participado em estreias mundiais de óperas de Fernando Lopes-Graça, António Victorino d’Almeida, António Chagas Rosa, Nuno Côrte-Real. Em 1980, formou-se um primeiro núcleo coral a tempo inteiro e, três anos depois, assumiu-se a profissionalização plena, sob a direção de Antonio Brainovitch. A partir de 1985, a afirmação artística do conjunto foi creditada a Gianni Beltrami e o titular seguinte foi João Paulo Santos. Sob a responsabilidade destes dois maestros, o Coro registou marcantes êxitos internacionais: Grande messe des morts de Berlioz (1989–Turim); Requiem de Verdi (1991–Bruxelas); Concerto Henze/Corghi (1997–Festival de Granada). Giovanni Andreoli assumiu o cargo em 2004. Sob a sua direção, o Coro averbou êxitos num vasto e variado repertório. Em 2005, o Coro foi convidado pela Ópera de Génova para participar em récitas da ópera Billy Budd de Britten, convite que se repetiu em 2015. Giampaolo Vessella é o maestro titular desde janeiro de 2021.   

Bin Chao nasceu no seio de uma família de músicos e começou a tocar violino aos seis anos de idade. Estudou no Conservatório Central de Música de Pequim, onde se diplomou com distinção, e concluiu um Mestrado em Música no Mannes College of Music de Nova Iorque, onde estudou com o violinista David Nadien.

O violinista e crítico musical Henry Roth elogiou a musicalidade e a técnica sólida de Bin Chao no seu livro Grandes Violinistas, livro este que faz uma análise sobre os 100 maiores violinistas do século XX, de acordo com a perspetiva do seu autor.

Em 1984 foi 2.º classificado no Concurso Nacional de Violino da China. Como solista, recitalista e músico de câmara, atuou por toda a Europa e na América do Norte. Mudou-se para Lisboa em 1991, tendo participado nos principais festivais de música em Portugal e ainda no Festival de Aspen e no Festival Schumann de Nova Iorque.

Em 2001 foi solista convidado no prestigiado Annual English Handbell Festival, em Nova Iorque. Entre 1999 e 2001, ensinou violino em Nova Iorque, integrado na iniciativa da Fundação Midori de levar a música às escolas públicas. Foi professor na Universidade de Évora e desde 2007 ensina violino, viola e música de câmara no Instituto Piaget. Desde 2010, colabora com o Conservatório de Música da Universidade de Lawrence, em Appleton, Wisconsin, nos Estados Unidos da América. Bin Chao toca num violino Carlo Giuseppe Testore de 1715, tendo também instrumentos dos luthiers Antonio Capela e Judith Bauer, entre outros. Desde 2014, é professor de violino na Escola Superior de Música de Lisboa.

Natural de Roma, licenciou-se em piano, composição, música coral e direção de orquestra na Academia de Santa Cecília. Aperfeiçoou-se com Zoltán Peskó, Vladimir Delman e Rudolf Barshai, tendo alcançado o 3.º prémio no Concurso Arturo Toscanini de Parma. De 1995 a 2001, foi diretor musical no Teatro de Ópera de Ancara, ocupando, de 2001 a 2005, o mesmo cargo na Ópera Estatal de Istambul. Dos compromissos passados e mais recentes, destacam-se: Lucia di Lammermoor em Buenos Aires e Bari; La Gioconda em Santander; Andrea Chénier em Berlim e na Catânia; Macbeth em Lisboa; Aida em Copenhaga e Caracalla; Il trovatore, Anna Bolena e Ernani na Catânia; Tosca em Florença e Bari; Turandot em Copenhaga, Verona e Catânia; Aroldo em Bilbau; Il barbiere di Siviglia em Tóquio, Valência e Verona; Carmen em Copenhaga e Avenches; Faust em Tóquio e Santander; Un ballo in maschera em Salerno e Lisboa; Madama Butterflyem Ancona; Medea no circuito As.Li.Co.; Norma em Trapani e Spalato; Attila em Lecce e Roma; Otello em Lisboa; Manon Lescaut em Torre del Lago; Nabucco em Caracalla e Lisboa; Rigoletto em Tóquio, Falstaff em Xangai; e La forza del destino em Lisboa. É, atualmente, maestro titular da Orquestra Sinfónica Portuguesa. 

© Bruno Simão

Diogo Costa é, atualmente, um dos jovens maestros mais ativos do país. Entre os seus projetos recentes e futuros incluem-se os convites para a Orquestra Gulbenkian, a Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música, a Orquestra Metropolitana de Lisboa, bem como para várias orquestras regionais do país. Em Inglaterra, dirigiu a Hallé Orchestra e a Filarmónica da BBC, em Manchester, a Orquestra Nacional de Gales da BBC, e a West European Studio Orchestra, com a qual tem vindo a gravar em diversos estúdios, entre eles o lendário Abbey Road, em Londres.  

Nutrindo um interesse especial pela ópera, trabalhou como maestro assistente de Lorenzo Viotti na produção da ópera Roméo et Juliette de Gounod, com a Orquestra e Coro Gulbenkian, e também enquanto maestro assistente de David Azagra na produção da ópera L’elisir d’amore de Donizetti, em Espanha. Em 2021, estreou-se enquanto maestro principal na produção da ópera The Medium de Menotti, no Operafest Lisboa, que recebeu as melhores críticas internacionais.   

Presença constante em diversos concursos internacionais, foi recentemente laureado no Prémio Jovens Músicos em direção de orquestra. Em 2020, foi finalista no Mackerras Fellowship da Ópera Nacional de Inglaterra e semi-finalista na Siemens Hallé International Conducting Competition.   

Jermaine Maurice Spivey é um coreógrafo norte-americano em clara ascensão, que, a par de uma brilhante carreira enquanto intérprete, convoca ativamente a ideia de uma prática colaborativa nos seus processos de criação. De 2002 a 2017, viveu e trabalhou predominantemente na Europa, tendo sido membro do Ballet Gulbenkian e do Cullberg Ballet. Trabalhou como artista convidado para a Hofesh Shechter Company, Robyn Live 2016, The LID, Arias Company e The Forsythe Company de 2013 a 2015, entre outras colaborações. É membro da companhia Kidd Pivot desde 2008. Como coreógrafo, já lhe foram comissionados trabalhos pela companhia Salt Contemporary Dance (EUA), Rambert 2 (RU), LA Dance Project (EUA), The Broad Museum (EUA), Christina Aguilera Live at The Hollywood Bowl com Gustavo Dudamel e a LA Phil, e, mais recentemente, Hubbard Street Dance Chicago (EUA), NDT 2 (Países Baixos) e Ballet Flanders (Bélgica). Em colaboração com o seu companheiro e parceiro artístico Spenser Theberge, Spivey criou as obras Rather This Then e Position 3. Spivey orienta ainda práticas de dança por toda a América do Norte e Europa. 

© Jermaine Spivey

Alexandre Andrade, Gonçalo Brandão, Manuel Dias e Pedro Simões, naturais dos distritos de Aveiro, Viseu e Porto, formam o Ketuk Quartet. O projeto surgiu a partir do trabalho realizado no grupo de percussão da Escola Profissional de Música de Espinho com o objetivo de concorrer ao Prémios Jovens Músicos, objetivo que foi realizado com a obtenção do primeiro prémio no PJM 2023 na categoria de música de câmara - nível médio. Destaca-se ainda a atuação no grande auditório da Fundação Calouste Gulbenkian no âmbito do Festival Jovens Músicos. Atualmente, o quarteto procura contribuir para a relevância da percussão na música de câmara.

Compositor e maestro, Pedro Amaral (Lisboa, 1972) é um dos músicos mais ativos da sua geração. Iniciou os seus estudos com Fernando Lopes-Graça, em 1986. Graduou-se na Escola Superior de Música de Lisboa (1994) e no Conservatório de Paris (CNSM), onde obteve o Primeiro Prémio em Composição por unanimidade do júri (1998). Estudou direção de orquestra com Emilio Pomàrico e com Peter Eötvös, de quem foi assistente.

Prosseguiu estudos universitários na École des Hautes Études en Sciences Sociales, obtendo um Mestrado em Musicologia Contemporânea (1998) e um Doutoramento (2003) com uma tese sobre Momente, de K. Stockhausen.

Trabalhou no IRCAM, em Paris, como compositeur en recherche, compondo e estreando diversas obras para meios instrumentais e eletrónica em tempo real, tornando-se presença assídua em muitos dos mais importantes festivais internacionais. Em 2006 gravou o seu primeiro disco monográfico, com a London Sinfonietta, sob a sua direção. As suas óperas O Sonho e Beaumarchais foram estreadas em Londres (2010) e Lisboa (Teatro Nacional Dona Maria II, 2017), respetivamente.

Foi compositor residente na Herrenhaus Edenkoben (Alemanha, 2001), na Villa Medici (antigo Prix de Rome, 2004/05) e no Palácio Lenzi (Florença, 2006). Professor da Universidade de Évora desde 2007, é membro da Academia de Belas Artes desde 2017.

Em cada temporada, Pedro Amaral dirige numerosos concertos em Portugal e no estrangeiro, com um repertório que se estende do Classicismo vienense à contemporaneidade, empenhando-se em projetos de amplo significado como o que dirigiu em Milão, no Teatro alla Scala, com a Orquestra Sinfónica Nacional da RAI de Turim e o violinista Vadim Repin, em maio de 2022, 11 semanas após a invasão da Ucrânia, com um apelo à Paz em tempos de guerra.

Com uma ampla experiência na programação de concertos, temporadas e festivais, desempenhou as funções de Maestro Titular da Orquestra do Conservatório Nacional (2007/08), do Sond’Arte Electric Ensemble (2007/10) e da Orquestra Metropolitana de Lisboa, funções que acumulou com as de Diretor Artístico (2013/20).

Iniciou os seus estudos de ballet em 1961 no Grupo Verde Gaio e, em 1968 ingressou no Ballet Gulbenkian. Em 1975 formou-se em Dança Moderna na Escola de Dança Contemporânea de Martha Graham, em Nova Iorque. Durante mais de duas décadas desempenhou funções de coreógrafo residente no Ballet Gulbenkian, onde criou dezenas de obras que marcaram o estilo da companhia. Além disso, foi regularmente convidado a coreografar em diversas companhias estrangeiras, nomeado professor de Dança Moderna na Escola de Dança do Conservatório Nacional e professor coordenador na Escola Superior de Dança. Também atuou como diretor artístico do Festival de Sintra na área da dança e do Teatro Camões, além de ser diretor artístico da CNB. 

Em 1997 fundou, juntamente com Graça Barroso, a Companhia Portuguesa de Bailado Contemporâneo (CPBC), que estreou em abril de 1998, no Brasil. Recebeu várias distinções ao longo da sua carreira, sendo condecorado como Comendador da Ordem do Infante D. Henrique pelo então Presidente da República, Dr. Mário Soares, em 10 de junho de 1994. 

Atualmente, ocupa o cargo de Presidente da Direção e coreógrafo principal na CPBC. Em 2021 confiou a direção artística a Cláudia Sampaio, uma das bailarinas fundadoras da companhia. 

Em janeiro de 2024 foi agraciado com a Medalha de Mérito Cultural da Câmara Municipal de Lisboa. 

© Kinema

«Uma notável artista, uma cantora inata (...) com uma voz bonita e redonda, uma presença excecional em palco, com uma messa di voiceque após a Caballé é muito difícil de encontrar» (diretor do Festival Oper im Berg). Estreou-se em Salzburgo (Festival Oper im Berg) com o papel titular em Lucia di Lammermoor, em prestação muito aclamada pela crítica e pelo público.

Interpretou os papéis Musetta no TNSC onde recebeu os melhores elogios da critica pública - «The highlight was Bárbara Barradas as Musetta. A scene-stealing actress, she really brought out the heartfelt generosity of her character and has this wonderfully poised, silvery soprano with an easy top» - by OperaTraveller. Na sua carreira, já interpretou Lucia, Gilda, Corinna, Valencienne, Le Feu e Le Rossignol, Susanna, Barbarina, La Fèe, Frasquita, Donna Anna, Zerlina, Königin der Nacht, Ines di Castro, entre outros. Estreou no Teatro da Trindade, o papel de Bruna da ópera Canção do Bandido de Nuno Côrte-Real, com encenação de Ricardo Neves-Neves. Na Culturgest, também em estreia absoluta, foi a solista de Tremor de Nuno Côrte-Real, obra que gravou em Berlim. Canta regularmente com as mais prestigiadas orquestras nacionais e internacionais. Foi bolseira da Fundação Gulbenkian, formou-se em Londres com distinção (BMus e MMus) na Guildhall School of Music and Drama. Fez também pós-graduações na International Opera Academy e na WIAV. Ganhou vários prémios e bolsas de estudo em inúmeras competições nacionais e internacionais.

É fundadora e mentora do «Empodera-te na Voz» e da marca «EmpoderARTE», é também co-fundadora da ArtAllurement.

Dedicado à performance do batuku, as Batucadeiras das Olaias surgem com o objetivo de partilhar, divulgar, reivindicar e exaltar a história, a memória e a cultura cabo-verdiana. A celebração é uma representação central da cultura de Cabo Verde e das comunidades cabo-verdianas na diáspora. Não se prendem apenas à música, ritmo e arte, mas sobretudo ao sentido de amizade, familiaridade, vizinhança e sociabilidade.  
A partir das próprias músicas autorais, o grupo partilha as suas memórias, conhecimentos e histórias de vida, gerando uma evasão da vida quotidiana e uma marcação identitária no contexto migratório. Além disso, promovem o fortalecimento dos laços comunitários e a preservação das tradições culturais. As performances das Batucadeiras das Olaias são momentos de união e celebração, onde a música e a dança se tornam uma linguagem comum que transcende fronteiras. Elas representam não apenas um resgate cultural, mas também uma forma de resistência e afirmação da identidade cabo-verdiana no mundo.  

Estudou na Guildhall School of Music and Drama, em Londres, onde obteve a licenciatura em canto e mestrado (curso de ópera) como bolseira da

Fundação Calouste Gulbenkian. O seu repertório de ópera inclui, entre outros: Preziosilla em La forza del destino; Dorabella em Così fan tutte; Jocasta

em Oedipus rex; Ježibaba em Rusalka; Suzuki em Madama Butterfly; Maddalena em Rigoletto; Eboli em Don Carlo; Madame de Croissy em Dialogues

des carmélites; papel titular em Carmen; Santuzza em Cavalleria rusticana; Condessa di Coigny e Madelon em Andrea Chénier; Siebel em Faust e Azucena em Il trovatore. Em concerto, interpretou como solista: Messa da Requiem de Verdi; Requiem

de Mozart; Stabat Mater de Pergolesi; Oratória de Natal e Oratória de Páscoa e Paixão segundo São João de J. S. Bach; Petite messe solennelle de Rossini; Elijah

de Mendelssohn; Messiah de Händel; L’enfance du Christ de Berlioz; e 9.ª Sinfonia de Beethoven.

João Sanchez, 26 anos, nascido em Lisboa, maturado em Arruda dos Vinhos. Licenciado em Cinema pela Escola Superior de Teatro e Cinema, Freelancer na área audiovisual. Aos 17 anos estreia o seu primeiro filme, Pecado, na Cinemateca Portuguesa. Aos 18 cria o Colectivo Pagárrenda e estreia Nós os Arroianos, a sua primeira longa-metragem, na mesma sala. Desde então, realiza A maneira certa de encontrar casa, filme mais visto e artigo mais lido do Público em 2018. Realiza, edita e desenvolve vários projetos em colaboração com grandes empresas, músicos e ativações de marca. Em 2021 integra o júri do Festival de Cinema de Avanca e  cria a marca de roupa Bon Vivant. Em 2021 cria e interpreta juntamente com Maria Abrantes a performance Uma Água Por Favor e em 2023 o vídeo-dança Finimondo juntamente com Sofia Kafol.  

Ohad Naharin é coreógrafo residente da Batsheva Dance Company, coreógrafo convidado de inúmeras companhias e criador da linguagem de movimento Gaga. 

Nascido em 1952 em Mizra, Israel, entrou para a Batsheva Dance Company em 1974, apesar de ter pouca formação. Durante o seu primeiro ano, a coreógrafa convidada Martha Graham desafiou-o a juntar-se à sua própria companhia em Nova Iorque, onde Naharin fez a sua estreia coreográfica no estúdio de Kazuko Hirabayshi em 1980. Durante a década seguinte, apresentou trabalhos em Nova Iorque e no estrangeiro, incluindo peças para a Batsheva Dance Company, a Kibbutz Contemporary Dance Company e o Nederlands Dans Theater. Naharin trabalhou em estreita colaboração com a sua primeira mulher, Mari Kajiwara, até esta falecer de cancro em 2001. 

Em 1990 Naharin foi nomeado Diretor Artístico da Batsheva Dance Company e, no mesmo ano, criou a divisão júnior da companhia, Batsheva - the Young Ensemble. Desde então, criou mais de trinta obras para ambas as companhias e peças de cenário para muitas outras. Colaborou também com músicos como The Trator’s Revenge, Avi Balleli e Dan Makov, Ivri Lider e Grischa Lichtenberger. 

Sob o pseudónimo Maxim Waratt, compôs, editou e misturou muitas das suas próprias bandas sonoras. O trabalho de Naharin foi apresentado em vários filmes, incluindo Out of Focus (2007) de Tomer Heymann e Mr. Gaga (2015) dos irmãos Heymann. 

Para além do seu trabalho em palco, Naharin também desenvolveu Gaga, a inovadora pesquisa de movimentos e o treino diário dos bailarinos de Batsheva, que se espalhou internacionalmente entre bailarinos e não bailarinos. 

Cidadão de Israel e dos Estados Unidos, Naharin vive atualmente em Israel com a sua mulher, a bailarina e figurinista Eri Nakamura, e a sua filha, Noga. 

©Ilya Melnikov

Em 1962 a Fundação Calouste Gulbenkian decidiu estabelecer um agrupamento orquestral permanente. No início constituído apenas por doze elementos, foi originalmente designado por Orquestra de Câmara Gulbenkian. Ao longo de sessenta anos de atividade, a Orquestra Gulbenkian (denominação adotada desde 1971) foi sendo progressivamente alargada, contando hoje com um efetivo de cerca de sessenta instrumentistas que pode ser pontualmente expandido de acordo com as exigências de cada programa de concerto.  

Esta constituição permite à Orquestra Gulbenkian interpretar um amplo repertório que se estende do Barroco até à música contemporânea. Obras pertencentes ao repertório corrente das grandes formações sinfónicas tradicionais, nomeadamente a produção orquestral de Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Mendelssohn ou Schumann, podem ser dadas pela Orquestra Gulbenkian em versões mais próximas dos efetivos orquestrais para que foram originalmente concebidas, no que respeita ao equilíbrio da respetiva arquitetura sonora. 

Em cada temporada, a Orquestra Gulbenkian realiza uma série regular de concertos no Grande Auditório Gulbenkian, em Lisboa, em cujo âmbito tem tido ocasião de colaborar com alguns dos maiores nomes do mundo da música, nomeadamente maestros e solistas. Atua também com regularidade noutros palcos em diversas localidades do país, cumprindo desta forma uma significativa função descentralizadora. No plano internacional, por sua vez, a Orquestra Gulbenkian foi ampliando gradualmente a sua atividade, tendo até agora efetuado digressões na Europa, na Ásia, em África e nas Américas. 

No plano discográfico, o nome da Orquestra Gulbenkian encontra-se associado às editoras Philips, Deutsche Grammophon, Hyperion, Teldec, Erato, Adès, Nimbus, Lyrinx, Naïve e Pentatone, entre outras, tendo esta sua atividade sido distinguida, desde muito cedo, com diversos prémios internacionais de grande prestígio. A partir de setembro de 2023, O finlandês Hannu Lintu é o Maestro Titular da Orquestra Gulbenkian, sucedendo a Lorenzo Viotti. 

© FCGulbenkian

Akram Khan é um artista essencial e mundialmente reconhecido no campo da dança na atualidade. Ao longo dos últimos 23 anos, as suas obras têm contribuído significativamente para as artes no Reino Unido e no estrangeiro. Tem colaborado com artistas de outras culturas e disciplinas, tais como o Ballet Nacional da China, Juliette Binoche, Sylvie Guillem, Kylie Minogue, Florence + The Machine, Anish Kapoor, Antony Gormley, Tim Yip, Hanif Kureishi, Steve Reich, Nitin Sawhney, Jocelyn Pook ou Ben Frost. A obra de Khan é considerada profundamente comovente, chegando mesmo a poder ser lida como ritual, dada a influência que a dança clássica Kathak tem nela. Ao transportar elementos desta dança para as suas criações, Khan contribui para uma redefinição da nossa ideia do que é dançar. Ao longo da sua carreira, tem sido galardoado com inúmeras distinções.  

© Camilla Greenwell

Nascido em Tarouquela, Carlos Cardoso estudou na escola da Beira Interior com o maestro Ferreira. Foi o vencedor do 1º Prémio no Concurso Luísa Todi, do 3º Prémio no Concurso Magda Olivero, e do 1º Prémio no Concurso do Rotary Club, em Lisboa. Foi membro do Estúdio de Ópera do Teatro S. Carlos em Lisboa e da “Accademia del Teatro alla Scala” em Milão, no âmbito da qual participou de concertos e produções de ópera. Entre outras estreias, contam-se apresentações na Ópera Nacional Holandesa de Amesterdão, Teatro Verdi di Busseto para o Festival Parma Verdi, Teatro São Carlos em Lisboa, Stadttheater Klagenfurt, Ópera Vilnius e a Fundação Calouste Gulbenkian. Entre 2017 e 2023 foi membro do ensemble do Aalto Theater Essen. Como convidado, atuou também nas Óperas de Magdeburgo, Wiesbaden, Koblenz, Dortmund, Gelsenkirchen, Gärtnerplatz München, Ópera Nacional de Praga e Tirana, em Parma e Trieste, e no Musikverein de Viena. O seu repertório inclui, entre outros, os papéis de Duca/Rigoletto, Alfredo/La Traviata, Rodolfo/Luisa Miller, Renato/Un ballo in Maschera, Gabriele Adorno/Simone Boccanegra, Ismaele/Nabucco, Edgardo/Lucia di Lammermoor, Pollione/Norma, Rodolfo/La Bohème, Pinkerton/Madama Butterfly, Narraboth/Salomé. Em concerto, apresentou-se na Glagolitische Messe de Janacek, na Messa di Gloria de Puccini, na Petite Messe Solennelle e no Stabat Mater de Rossini, e ainda no Requiem de Dvorak. 

A CNB é o organismo de produção artística que tem como missão assegurar a prestação de um serviço público no domínio da dança, no âmbito de um projeto cultural centrado na promoção do acesso dos cidadãos à fruição desta atividade artística e no reforço dos padrões de qualidade da criação e produção profissionais da dança em Portugal e no estrangeiro. Ao longo de mais de quatro décadas de existência tem apresentado obras de referência do reportório internacional, quer as incontornáveis do dito clássico, quer as de coreógrafos como George Balanchine, Kurt Jooss, José Limón, Anne Teresa De Keersmaeker, William Forsythe, Hans van Manen, Jiří Kylián, Akram Khan, Sasha Waltz, Sidi Larbi Cherkaoui, Alexander Ekman, entre outros. Paralelamente tem apostado em encomendas geradoras de uma identidade própria, com especial destaque nos convites a autores portugueses Armando Jorge, Olga Roriz, Rui Lopes Graça, Vasco Wellenkam, Rui Horta, Fernando Duarte, Tiago Rodrigues, Victor Hugo Pontes, Tânia Carvalho, Clara Andermatt, Sónia Baptista, Filipe Portugal e Marco da Silva Ferreira, entre outros. 

A interligação com distintas áreas da criação artística tem sido, também, uma preocupação de muitas dessas encomendas envolvendo importantes nomes da música, teatro, cinema ou artes plásticas e aproveitando a versatilidade de um elenco, atualmente dirigido artisticamente por Carlos Prado. 

Leonel Pinheiro é licenciado pela Universidade de Aveiro e pós-graduado pela Royal Scottish Academy of Music & Drama, Opera School (Mestrado), Guildhall School of Music & Drama. Trabalha regularmente com o Wexford Festival Opera, cantou Kozak Maria/Showman A Village Romeo and Juliet, Achille di Rosalba/Felice Il cappello di paglia di Firenze. Destacam-se dos papéis interpretados: Don Jose/ Carmen (Mid Wales Opera) encenação Sir Jonathan Miller, Macduff /Macbeth (Scottish Opera), Alfredo La traviata (Bermuda Festival, European Chamber Opera, Bangkok Grand Opera) com récitas na Tailândia, Bermudas, Índia, Paquistão, Coreia do Sul e Bahrain. Luigi/Il tabarro, Samson/Samson et Dalila (Grimeborn Opera Festival), Cavaradossi /Tosca (Musique Cordiale Festival, Wimbledon International Music Festival). Turiddu/Cavalleria rusticana (Coliseu Micaelense).  

Em concerto/oratória, destaca-se a estreia no Royal Festival Hall em Requiem de Mozart com a English Chamber Orchestra/Philharmonia Chorus e Das Lied von Der Erde de Mahler com a Orquestra Metropolitana de Lisboa, no Centro Cultural de Belém.   

© Viúva

O vasto repertório do barítono espanhol inclui mais de 50 papéis em alguns dos mais importantes palcos do mundo. 

Como cantor verdiano, destacam-se as suas interpretações de Conte di Luna, Giorgio Germont, Paolo, Jago, Nabucco, Macbeth, Attila, Rigoletto, Amonasro, Falstaff e Ford. O seu repertório verista inclui Sharpless, Scarpia, Marcello, Guglielmo em Le villi, Lescaut, Michele ou Alfio e Tonio, papéis que interpretou em alguns dos mais conceituados palcos e cidades internacionais, como Théâtre des Champs-Elysées, Metropolitan Opera, Berlin Staatsoper, Teatro Real de Madrid, Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Concertgebow Amsterdam, Hamburg, Lausanne, Maggio Musical Fiorentino, Teatro La Maestranza, Palau de les Arts, Ópera de Tenerife, Teatro Bellini (Palermo), Helsínquia, Ópera de Las Palmas de Gran Canaria, Arena di Verona, Deutsche Oper Berlin, Teatro Nacional de São Carlos, Tetaro di San Carlo de Nápoles, Opéra de Nice, Chorégie d’Orange, Toulouse e Palma de Maiorca. 

No âmbito do bel canto, já se apresentou em importantes papéis de barítono como Don Pasquale.  O seu repertório francês abrange o seu notável Escamillo, além de Albert, Mercutio, Athanael e Grand Prête. É também um ilustre interpréte de Zarzuela. 

A sua discografia inclui Pagliacci, Il viaggio a Reims, Katiuska e La vida breve de Falla, para a etiqueta Deutsche Grammophon. 

Primeira harpista a ganhar o prémio nacional Jovem Músico do Ano, a «virtuosa harpista» (Prémio Jovens Músicos) Beatriz Cortesão tem vindo a cativar público a nível global com a sua «energia contagiosa» complementada por uma «técnica impressionante» (Harp Column). Entre os prémios internacionais conquistados, destaca-se o Prémio Mário Falcão no 21.º Concurso Internacional de Harpa, em Israel.

Enquanto solista, apresentou-se com a Orquestra Sinfónica de Jerusalém, Orquestra Gulbenkian, Real Filarmonia da Galiza e com a Orquestra Clássica do Centro. Estreou a obra  Hybris para harpa solo e orquestra de Alejandro Civilotti no Noia Harp Fest (2023), e tem vindo a apresentar-se como solista em Israel, Itália, Portugal, Rússia, Eslovénia, Espanha e Suiça. É primeira harpa da Accademia Teatro Alla Scala, em Milão, e foi harpista da Orquestra de Jovens da União Europeia (2020). Colabora regularmente com o Ensemble D’Arcos, e é cofundadora do duo AnimArpa, com Carolina Coimbra. Beatriz Cortesão estudou harpa desde jovem com Eleonor Picas, Beatrix Schmidt, Rita Campos e Erica Versace. A academia HarpMasters desempenhou um papel vital no desenvolvimento das suas capacidades pessoais e artísticas, desde 2012. Detém a licenciatura e o mestrado em performance da música, com a mais alta distinção, da Civica Scuola di Musica Claudio Abbado, na classe de Irina Zingg. 

© Lorenzo Gorini

Os Estúdios Victor Córdon são uma plataforma criativa pertencente ao OPART, cuja missão é o apoio à comunidade artística independente. A sua programação pretende dar voz às necessidades de criadores(as) e intérpretes, nomeadamente no registo e transmissão dos seus discursos, pensamento em torno da criação artística e impacto na realidade social. Promovendo diferentes visões, os Estúdios olham as rotas da língua portuguesa como lugares de encontro, e refletem sobre o papel da criação artística no processo de aproximação de culturas, através do diálogo com as comunidades migrantes residentes em Portugal, em especial com as comunidades afrodescendentes, destacando a importância da sua presença nas instituições culturais e na sociedade em geral. Os EVC dão apoio à criação a artistas, festivais e instituições de ensino, com especial dedicação no suporte dado a jovens intérpretes e criadores(as) em início de carreira.  

©Guilherme Gouveia

João Freitas Sousa nasceu em 2007, em Fafe, distrito de Braga. Iniciou em 2013 os seus estudos na Academia de Música José Atalaya, em Fafe, na classe de clarinete de José Ricardo Freitas, tendo concluído até à data o 6.º grau. Participou e foi laureado em dezanove concursos de clarinete (nacionais e internacionais), tendo obtido o 1.º prémio em dezasseis deles, dos quais se destacam o Prémio Jovens Músicos 2023, categoria A – solista, clarinete (nível médio) e o Grande Prémio da Música Lions 2024.  

Integra, ainda, a Banda de Música de Cabeceiras, participando, também:  na Orquestra de Clarinetes Jaime Carriço, da Academia de Clarinete Marcos Romão dos Reis Jr.; na orquestra de clarinetes Invicta All Stars; na Orchestra Club, assim como na Orquestra Sinfónica Ensemble como 1.º clarinete. Participou em diversas masterclasses com clarinetistas e pedagogos de referência, tais como António Saiote, Piero Di Vicenti, Nuno Silva, Gabor Varga, Esther Georgie, Nuno Pinto, Cologero Palermo, Arek Adamski, Arno Piters, Josep Fuster, Joan Lluna, Keith Lipson, Florent Héau, Jérôme Voisin, Philippe Cuper, Philippe Berrod, Patrick Messina, Luís Carvalho, David Medina, Mariano Rey, Iva Barbosa, Manuel Jerónimo, Luís Gomes, Esteban Valverde, Jorge Camacho, Giovanni Punzi, Victor Pereira, entre outros.

Vesselina Kasarova nasceu em Stara Zagora (Bulgária) e começou a tocar piano ainda em tenra idade. Após obter o diploma de pianista de concerto, estudou canto com Ressa Koleva na Academia de Música de Sófia. Posteriormente, foi contratada pela Ópera de Zurique, onde rapidamente se impôs como uma das cantoras mais queridas  do público, tendo sido aclamada pela imprensa internacional como uma grande revelação. Nesse mesmo ano, ganhou igualmente o 1º Prémio no concurso de canto alemão “Neue Stimmen” em Gütersloh. Dois anos mais tarde, Vesselina Kasarova estreou-se no Festival de Salzburgo e na Ópera Estatal de Viena. Desde então, tem interpretado um vasto repertório nas principais casas de óperas e de concerto da Europa, dos EUA e do Japão, incluindo a Royal Opera House Covent Garden, o Gran Teatre del Liceu de Barcelona, a Ópera Estatal da Baviera, a Ópera Nacional de Paris, o Teatro alla Scala de Milão, a Lyric Opera de Chicago, a Metropolitan Opera, a Ópera de São Francisco, o Teatro Nacional de São Carlos, o Teatro Real de Madrid, o Maggio Musicale Fiorentino e o Rossini Opera Festival em Pesaro. Gravou numerosos recitais e óperas completas como artista exclusiva da RCA e para outras companhias e foi galardoada com o prémio “Bayerische Kammersängerin” e “Österreichische Kammersängerin”.

A soprano Ana Sofia Ventura concluiu a sua licenciatura na Escola Superior de Música de Lisboa e posteriormente integrou a International Opera Academy em Gante, na Bélgica. 

Estreou, no Teatro Nacional de São Carlos, a ópera O Rouxinol de Sérgio Azevedo, com os papéis de Rouxinol e Rouxinol Mecânico. Estreou recentemente a ópera portuguesa Madrugada: razões de um movimento, co-produção MPMP e Orquestra do Algarve. Dos seus papéis operáticos destacam-se os papéis mozarteanos Königin der Nacht, Susanna e Zerlina. Interpretou também Sra. T em Manifesto NaDa, de A. Sousa Dias, Cathleen em Riders to the Sea, de V. Williams, Belinda em Dido and Aeneas, de H. Purcell, Cephisa em Orpheus, de G. P. Telemann, Civene em Le Cinesi, de C. W. Gluck. 

Participou na estreia moderna de La Ninfa del Tago de A. Scarlatti, no papel de Tirsi, com a OML sob a direção de Enrico Onofri, e participou também na 4ª Sinfonia de Mahler, sob a direção de Miguel Romea. 

No contexto de oratória, interpretou The Messiah de G. F. Händel, Messe in h-Moll de J. S. Bach, Lauda per la Navità del Signore de O. Respighi como Anjo, Wie der Hirsch Schreit de F. Mendelssohn. 

Natural de Roma, licenciou-se em piano, composição, música coral e direção de orquestra na Academia de Santa Cecília. Aperfeiçoou-se com Zoltán Peskó, Vladimir Delman e Rudolf Barshai, tendo alcançado o 3.º prémio no Concurso Arturo Toscanini de Parma. De 1995 a 2001, foi diretor musical no Teatro de Ópera de Ancara, ocupando, de 2001 a 2005, o mesmo cargo na Ópera Estatal de Istambul. Dos compromissos passados e mais recentes, destacam-se: Lucia di Lammermoor em Buenos Aires e Bari; La Gioconda em Santander; Andrea Chénier em Berlim e na Catânia; Macbeth em Lisboa; Aida em Copenhaga e Caracalla; Il trovatore, Anna Bolena e Ernani na Catânia; Tosca em Florença e Bari; Turandot em Copenhaga, Verona e Catânia; Aroldo em Bilbau; Il barbiere di Siviglia em Tóquio, Valência e Verona; Carmen em Copenhaga e Avenches; Faust em Tóquio e Santander; Un ballo in maschera em Salerno e Lisboa; Madama Butterflyem Ancona; Medea no circuito As.Li.Co.; Norma em Trapani e Spalato; Attila em Lecce e Roma; Otello em Lisboa; Manon Lescaut em Torre del Lago; Nabucco em Caracalla e Lisboa; Rigoletto em Tóquio, Falstaff em Xangai; e La forza del destino em Lisboa. É, atualmente, maestro titular da Orquestra Sinfónica Portuguesa. 

© Bruno Simão

Henrique Pimentel tem colaborado em 2024 com o Teatro Nacional de São Carlos em vários projectos. Foi responsável pela reposição de Madama Butterfly, encenada por Jacopo Spirei, e depois assistente do mesmo encenador na sua recente produção de Falstaff. Assina agora a encenação de dois concertos no âmbito do Festival ao Largo 2024. Anteriormente, realizou estágios com os encenadores Vincent Huguet em Così Fan Tutte (Staatsoper de Berlim, 2021) e Christophe Gayral em La Bohème (69º Festival Puccini em Torre del Lago, 2023). 

É licenciado e mestre em Arquitectura pela Universidade de Coimbra, tendo iniciado a sua actividade profissional e multidisciplinar no atelier de Luísa Bebiano. A partir de 2022 dedicou-se exclusivamente a projetos nas áreas da cenografia, direção de arte para cinema e encenação, colaborando com outros nomes importantes como Luis F. Carvalho, Artur Pinheiro, Augusto Mayer e Nuno Carinhas. 

Criada em 1993, a Orquestra Sinfónica Portuguesa (OSP) é um dos corpos artísticos do Teatro Nacional de São Carlos e tem vindo a desenvolver uma atividade sinfónica própria, incluindo uma programação regular de concertos, participações em festivais de música nacionais e internacionais. Colabora regularmente com a Rádio e Televisão de Portugal através da transmissão dos seus concertos e óperas pela Antena 2, designadamente a realização da tetralogia O anel do Nibelungo, transmitida na RTP2, e da participação em iniciativas da própria RTP, como o Prémio Pedro de Freitas Branco para Jovens Chefes de Orquestra, o Prémio Jovens Músicos-RDP e a Tribuna Internacional de Jovens Intérpretes. No âmbito das temporadas líricas e sinfónicas, a OSP tem-se apresentado sob a direção de notáveis maestros, como Rafael Frühbeck de Burgos, Alain Lombard, Nello Santi, Alberto Zedda, Harry Christophers, George Pehlivanian, Michel Plasson, Krzysztof Penderecki, Djansug Kakhidze, Milán Horvat, Jeff rey Tate e Iuri Ahronovitch, entre outros. A discografia da OSP conta com dois CD para a etiqueta Marco Polo, com as Sinfonias n.os 1, 3, 5e 6 de Joly Braga Santos, que gravou sob a direção do seu primeiro maestro titular, Álvaro Cassuto, e Crossing borders (obras de Wagner, Gershwin e Mendelssohn), sob a direção de Julia Jones, numa gravação ao vivo pela Antena 2. Recentemente, em maio de 2022, foi lançado o CD editado pela Naxos com obras de Fernando Lopes-Graça, sob a direção de Bruno Borralhinho. No cargo de maestro titular, seguiram-se José Ramón Encinar (1999-2001), Zoltán Peskó (2001-2004) e Julia Jones (2008-2011); Donato Renzetti desempenhou funções de primeiro maestro convidado entre 2005 e 2007. Joana Carneiro foi maestrina titular de 2014 a 2021. Atualmente, a direção musical está a cargo de Antonio Pirolli, seu maestro titular. 

© David Rodrigues

Criada em 1993, a Orquestra Sinfónica Portuguesa (OSP) é um dos corpos artísticos do Teatro Nacional de São Carlos e tem vindo a desenvolver uma atividade sinfónica própria, incluindo uma programação regular de concertos, participações em festivais de música nacionais e internacionais. Colabora regularmente com a Rádio e Televisão de Portugal através da transmissão dos seus concertos e óperas pela Antena 2, designadamente a realização da tetralogia O anel do Nibelungo, transmitida na RTP2, e da participação em iniciativas da própria RTP, como o Prémio Pedro de Freitas Branco para Jovens Chefes de Orquestra, o Prémio Jovens Músicos-RDP e a Tribuna Internacional de Jovens Intérpretes. No âmbito das temporadas líricas e sinfónicas, a OSP tem-se apresentado sob a direção de notáveis maestros, como Rafael Frühbeck de Burgos, Alain Lombard, Nello Santi, Alberto Zedda, Harry Christophers, George Pehlivanian, Michel Plasson, Krzysztof Penderecki, Djansug Kakhidze, Milán Horvat, Jeff rey Tate e Iuri Ahronovitch, entre outros. A discografia da OSP conta com dois CD para a etiqueta Marco Polo, com as Sinfonias n.os 1, 3, 5e 6 de Joly Braga Santos, que gravou sob a direção do seu primeiro maestro titular, Álvaro Cassuto, e Crossing borders (obras de Wagner, Gershwin e Mendelssohn), sob a direção de Julia Jones, numa gravação ao vivo pela Antena 2. Recentemente, em maio de 2022, foi lançado o CD editado pela Naxos com obras de Fernando Lopes-Graça, sob a direção de Bruno Borralhinho. No cargo de maestro titular, seguiram-se José Ramón Encinar (1999-2001), Zoltán Peskó (2001-2004) e Julia Jones (2008-2011); Donato Renzetti desempenhou funções de primeiro maestro convidado entre 2005 e 2007. Joana Carneiro foi maestrina titular de 2014 a 2021. Atualmente, a direção musical está a cargo de Antonio Pirolli, seu maestro titular. 

© David Rodrigues

É, desde janeiro de 2021, maestro titular do Coro do Teatro Nacional de São Carlos. Estudou trombone, composição, música coral e direção coral no Conservatório de Música Giuseppe Verdi, em Milão. De 2016 a janeiro de 2021, foi maestro do Coro da Devlet Opera Ve Balesi de Ancara e, de 2018 a janeiro de 2021, desempenhou as funções de orientador vocal do Coro da Rádio e Televisão da Turquia. Simultaneamente à sua carreira como barítono solista, prosseguiu a atividade como maestro de coro, a partir de 1993, quando criou o Schola Cantorum «Cantate Domino» de Carbonate (Itália). Em 1996, fundou o Coro «Euphonia», em Carbonate, do qual foi diretor artístico e orientador vocal. O Coro «Euphonia» foi levado à descoberta do mundo da ópera, tendo interpretado, ao longo dos anos, os mais importantes títulos do repertório melodramático. De janeiro de 2002 a 2016, dirigiu o Coro Lirico dell’Associazione Musicale Calauce de Calolziocorte (Itália). De 2006 a 2016, dirigiu o coro lírico «Corale Arnatese» e, de setembro de 2012 a 2015, foi o maestro do Coro Operístico de Mendrisio (Suíça). Em 2015, fundou o Coro Sinfónico Ticino. Durante vários anos, lecionou técnica, pedagogia e didatismo de canto para maestros de coro, em cursos organizados pela Unione Società Corali Italiane, da qual foi membro do Comité Artístico. Como freelancer, é regularmente convidado, por ensembles e coros, a orientar masterclasses e cursos de canto, tanto em Itália como no resto do mundo. 

© Bruno Frango

É, desde janeiro de 2021, maestro titular do Coro do Teatro Nacional de São Carlos. Estudou trombone, composição, música coral e direção coral no Conservatório de Música Giuseppe Verdi, em Milão. De 2016 a janeiro de 2021, foi maestro do Coro da Devlet Opera Ve Balesi de Ancara e, de 2018 a janeiro de 2021, desempenhou as funções de orientador vocal do Coro da Rádio e Televisão da Turquia. Simultaneamente à sua carreira como barítono solista, prosseguiu a atividade como maestro de coro, a partir de 1993, quando criou o Schola Cantorum «Cantate Domino» de Carbonate (Itália). Em 1996, fundou o Coro «Euphonia», em Carbonate, do qual foi diretor artístico e orientador vocal. O Coro «Euphonia» foi levado à descoberta do mundo da ópera, tendo interpretado, ao longo dos anos, os mais importantes títulos do repertório melodramático. De janeiro de 2002 a 2016, dirigiu o Coro Lirico dell’Associazione Musicale Calauce de Calolziocorte (Itália). De 2006 a 2016, dirigiu o coro lírico «Corale Arnatese» e, de setembro de 2012 a 2015, foi o maestro do Coro Operístico de Mendrisio (Suíça). Em 2015, fundou o Coro Sinfónico Ticino. Durante vários anos, lecionou técnica, pedagogia e didatismo de canto para maestros de coro, em cursos organizados pela Unione Società Corali Italiane, da qual foi membro do Comité Artístico. Como freelancer, é regularmente convidado, por ensembles e coros, a orientar masterclasses e cursos de canto, tanto em Itália como no resto do mundo. 

© Bruno Frango

O Coro do Teatro Nacional de São Carlos, criado em 1943 sob a titularidade de Mario Pellegrini, tem atuado sob a direção de importantes maestros (Pedro de Freitas Branco, Votto, Serafin, Gui, Giulini, Klemperer, Zedda, Solti, Santi, Rescigno, Navarro, Rennert, Burgos, Conlon, Christophers, Plasson e Minkowski, entre outros) e colaborado com marcantes encenadores (Pountney, Carsen, Vick). Entre 1962 e 1975, o Coro colaborou nas temporadas da Companhia Portuguesa de Ópera (Teatro da Trindade), tendo-se deslocado com a mesma à Madeira, aos Açores, a Angola e a Oviedo. O conjunto tem regularmente abordado o repertório de compositores nacionais (Alfredo Keil, Augusto Machado) e tem participado em estreias mundiais de óperas de Fernando Lopes-Graça, António Victorino d’Almeida, António Chagas Rosa, Nuno Côrte-Real. Em 1980, formou-se um primeiro núcleo coral a tempo inteiro e, três anos depois, assumiu-se a profissionalização plena, sob a direção de Antonio Brainovitch. A partir de 1985, a afirmação artística do conjunto foi creditada a Gianni Beltrami e o titular seguinte foi João Paulo Santos. Sob a responsabilidade destes dois maestros, o Coro registou marcantes êxitos internacionais: Grande messe des morts de Berlioz (1989–Turim); Requiem de Verdi (1991–Bruxelas); Concerto Henze/Corghi (1997–Festival de Granada). Giovanni Andreoli assumiu o cargo em 2004. Sob a sua direção, o Coro averbou êxitos num vasto e variado repertório. Em 2005, o Coro foi convidado pela Ópera de Génova para participar em récitas da ópera Billy Budd de Britten, convite que se repetiu em 2015. Giampaolo Vessella é o maestro titular desde janeiro de 2021.   

O Coro do Teatro Nacional de São Carlos, criado em 1943 sob a titularidade de Mario Pellegrini, tem atuado sob a direção de importantes maestros (Pedro de Freitas Branco, Votto, Serafin, Gui, Giulini, Klemperer, Zedda, Solti, Santi, Rescigno, Navarro, Rennert, Burgos, Conlon, Christophers, Plasson e Minkowski, entre outros) e colaborado com marcantes encenadores (Pountney, Carsen, Vick). Entre 1962 e 1975, o Coro colaborou nas temporadas da Companhia Portuguesa de Ópera (Teatro da Trindade), tendo-se deslocado com a mesma à Madeira, aos Açores, a Angola e a Oviedo. O conjunto tem regularmente abordado o repertório de compositores nacionais (Alfredo Keil, Augusto Machado) e tem participado em estreias mundiais de óperas de Fernando Lopes-Graça, António Victorino d’Almeida, António Chagas Rosa, Nuno Côrte-Real. Em 1980, formou-se um primeiro núcleo coral a tempo inteiro e, três anos depois, assumiu-se a profissionalização plena, sob a direção de Antonio Brainovitch. A partir de 1985, a afirmação artística do conjunto foi creditada a Gianni Beltrami e o titular seguinte foi João Paulo Santos. Sob a responsabilidade destes dois maestros, o Coro registou marcantes êxitos internacionais: Grande messe des morts de Berlioz (1989–Turim); Requiem de Verdi (1991–Bruxelas); Concerto Henze/Corghi (1997–Festival de Granada). Giovanni Andreoli assumiu o cargo em 2004. Sob a sua direção, o Coro averbou êxitos num vasto e variado repertório. Em 2005, o Coro foi convidado pela Ópera de Génova para participar em récitas da ópera Billy Budd de Britten, convite que se repetiu em 2015. Giampaolo Vessella é o maestro titular desde janeiro de 2021.   

Bin Chao nasceu no seio de uma família de músicos e começou a tocar violino aos seis anos de idade. Estudou no Conservatório Central de Música de Pequim, onde se diplomou com distinção, e concluiu um Mestrado em Música no Mannes College of Music de Nova Iorque, onde estudou com o violinista David Nadien.

O violinista e crítico musical Henry Roth elogiou a musicalidade e a técnica sólida de Bin Chao no seu livro Grandes Violinistas, livro este que faz uma análise sobre os 100 maiores violinistas do século XX, de acordo com a perspetiva do seu autor.

Em 1984 foi 2.º classificado no Concurso Nacional de Violino da China. Como solista, recitalista e músico de câmara, atuou por toda a Europa e na América do Norte. Mudou-se para Lisboa em 1991, tendo participado nos principais festivais de música em Portugal e ainda no Festival de Aspen e no Festival Schumann de Nova Iorque.

Em 2001 foi solista convidado no prestigiado Annual English Handbell Festival, em Nova Iorque. Entre 1999 e 2001, ensinou violino em Nova Iorque, integrado na iniciativa da Fundação Midori de levar a música às escolas públicas. Foi professor na Universidade de Évora e desde 2007 ensina violino, viola e música de câmara no Instituto Piaget. Desde 2010, colabora com o Conservatório de Música da Universidade de Lawrence, em Appleton, Wisconsin, nos Estados Unidos da América. Bin Chao toca num violino Carlo Giuseppe Testore de 1715, tendo também instrumentos dos luthiers Antonio Capela e Judith Bauer, entre outros. Desde 2014, é professor de violino na Escola Superior de Música de Lisboa.

Natural de Roma, licenciou-se em piano, composição, música coral e direção de orquestra na Academia de Santa Cecília. Aperfeiçoou-se com Zoltán Peskó, Vladimir Delman e Rudolf Barshai, tendo alcançado o 3.º prémio no Concurso Arturo Toscanini de Parma. De 1995 a 2001, foi diretor musical no Teatro de Ópera de Ancara, ocupando, de 2001 a 2005, o mesmo cargo na Ópera Estatal de Istambul. Dos compromissos passados e mais recentes, destacam-se: Lucia di Lammermoor em Buenos Aires e Bari; La Gioconda em Santander; Andrea Chénier em Berlim e na Catânia; Macbeth em Lisboa; Aida em Copenhaga e Caracalla; Il trovatore, Anna Bolena e Ernani na Catânia; Tosca em Florença e Bari; Turandot em Copenhaga, Verona e Catânia; Aroldo em Bilbau; Il barbiere di Siviglia em Tóquio, Valência e Verona; Carmen em Copenhaga e Avenches; Faust em Tóquio e Santander; Un ballo in maschera em Salerno e Lisboa; Madama Butterflyem Ancona; Medea no circuito As.Li.Co.; Norma em Trapani e Spalato; Attila em Lecce e Roma; Otello em Lisboa; Manon Lescaut em Torre del Lago; Nabucco em Caracalla e Lisboa; Rigoletto em Tóquio, Falstaff em Xangai; e La forza del destino em Lisboa. É, atualmente, maestro titular da Orquestra Sinfónica Portuguesa. 

© Bruno Simão

Diogo Costa é, atualmente, um dos jovens maestros mais ativos do país. Entre os seus projetos recentes e futuros incluem-se os convites para a Orquestra Gulbenkian, a Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música, a Orquestra Metropolitana de Lisboa, bem como para várias orquestras regionais do país. Em Inglaterra, dirigiu a Hallé Orchestra e a Filarmónica da BBC, em Manchester, a Orquestra Nacional de Gales da BBC, e a West European Studio Orchestra, com a qual tem vindo a gravar em diversos estúdios, entre eles o lendário Abbey Road, em Londres.  

Nutrindo um interesse especial pela ópera, trabalhou como maestro assistente de Lorenzo Viotti na produção da ópera Roméo et Juliette de Gounod, com a Orquestra e Coro Gulbenkian, e também enquanto maestro assistente de David Azagra na produção da ópera L’elisir d’amore de Donizetti, em Espanha. Em 2021, estreou-se enquanto maestro principal na produção da ópera The Medium de Menotti, no Operafest Lisboa, que recebeu as melhores críticas internacionais.   

Presença constante em diversos concursos internacionais, foi recentemente laureado no Prémio Jovens Músicos em direção de orquestra. Em 2020, foi finalista no Mackerras Fellowship da Ópera Nacional de Inglaterra e semi-finalista na Siemens Hallé International Conducting Competition.   

Jermaine Maurice Spivey é um coreógrafo norte-americano em clara ascensão, que, a par de uma brilhante carreira enquanto intérprete, convoca ativamente a ideia de uma prática colaborativa nos seus processos de criação. De 2002 a 2017, viveu e trabalhou predominantemente na Europa, tendo sido membro do Ballet Gulbenkian e do Cullberg Ballet. Trabalhou como artista convidado para a Hofesh Shechter Company, Robyn Live 2016, The LID, Arias Company e The Forsythe Company de 2013 a 2015, entre outras colaborações. É membro da companhia Kidd Pivot desde 2008. Como coreógrafo, já lhe foram comissionados trabalhos pela companhia Salt Contemporary Dance (EUA), Rambert 2 (RU), LA Dance Project (EUA), The Broad Museum (EUA), Christina Aguilera Live at The Hollywood Bowl com Gustavo Dudamel e a LA Phil, e, mais recentemente, Hubbard Street Dance Chicago (EUA), NDT 2 (Países Baixos) e Ballet Flanders (Bélgica). Em colaboração com o seu companheiro e parceiro artístico Spenser Theberge, Spivey criou as obras Rather This Then e Position 3. Spivey orienta ainda práticas de dança por toda a América do Norte e Europa. 

© Jermaine Spivey

Alexandre Andrade, Gonçalo Brandão, Manuel Dias e Pedro Simões, naturais dos distritos de Aveiro, Viseu e Porto, formam o Ketuk Quartet. O projeto surgiu a partir do trabalho realizado no grupo de percussão da Escola Profissional de Música de Espinho com o objetivo de concorrer ao Prémios Jovens Músicos, objetivo que foi realizado com a obtenção do primeiro prémio no PJM 2023 na categoria de música de câmara - nível médio. Destaca-se ainda a atuação no grande auditório da Fundação Calouste Gulbenkian no âmbito do Festival Jovens Músicos. Atualmente, o quarteto procura contribuir para a relevância da percussão na música de câmara.

Compositor e maestro, Pedro Amaral (Lisboa, 1972) é um dos músicos mais ativos da sua geração. Iniciou os seus estudos com Fernando Lopes-Graça, em 1986. Graduou-se na Escola Superior de Música de Lisboa (1994) e no Conservatório de Paris (CNSM), onde obteve o Primeiro Prémio em Composição por unanimidade do júri (1998). Estudou direção de orquestra com Emilio Pomàrico e com Peter Eötvös, de quem foi assistente.

Prosseguiu estudos universitários na École des Hautes Études en Sciences Sociales, obtendo um Mestrado em Musicologia Contemporânea (1998) e um Doutoramento (2003) com uma tese sobre Momente, de K. Stockhausen.

Trabalhou no IRCAM, em Paris, como compositeur en recherche, compondo e estreando diversas obras para meios instrumentais e eletrónica em tempo real, tornando-se presença assídua em muitos dos mais importantes festivais internacionais. Em 2006 gravou o seu primeiro disco monográfico, com a London Sinfonietta, sob a sua direção. As suas óperas O Sonho e Beaumarchais foram estreadas em Londres (2010) e Lisboa (Teatro Nacional Dona Maria II, 2017), respetivamente.

Foi compositor residente na Herrenhaus Edenkoben (Alemanha, 2001), na Villa Medici (antigo Prix de Rome, 2004/05) e no Palácio Lenzi (Florença, 2006). Professor da Universidade de Évora desde 2007, é membro da Academia de Belas Artes desde 2017.

Em cada temporada, Pedro Amaral dirige numerosos concertos em Portugal e no estrangeiro, com um repertório que se estende do Classicismo vienense à contemporaneidade, empenhando-se em projetos de amplo significado como o que dirigiu em Milão, no Teatro alla Scala, com a Orquestra Sinfónica Nacional da RAI de Turim e o violinista Vadim Repin, em maio de 2022, 11 semanas após a invasão da Ucrânia, com um apelo à Paz em tempos de guerra.

Com uma ampla experiência na programação de concertos, temporadas e festivais, desempenhou as funções de Maestro Titular da Orquestra do Conservatório Nacional (2007/08), do Sond’Arte Electric Ensemble (2007/10) e da Orquestra Metropolitana de Lisboa, funções que acumulou com as de Diretor Artístico (2013/20).

Iniciou os seus estudos de ballet em 1961 no Grupo Verde Gaio e, em 1968 ingressou no Ballet Gulbenkian. Em 1975 formou-se em Dança Moderna na Escola de Dança Contemporânea de Martha Graham, em Nova Iorque. Durante mais de duas décadas desempenhou funções de coreógrafo residente no Ballet Gulbenkian, onde criou dezenas de obras que marcaram o estilo da companhia. Além disso, foi regularmente convidado a coreografar em diversas companhias estrangeiras, nomeado professor de Dança Moderna na Escola de Dança do Conservatório Nacional e professor coordenador na Escola Superior de Dança. Também atuou como diretor artístico do Festival de Sintra na área da dança e do Teatro Camões, além de ser diretor artístico da CNB. 

Em 1997 fundou, juntamente com Graça Barroso, a Companhia Portuguesa de Bailado Contemporâneo (CPBC), que estreou em abril de 1998, no Brasil. Recebeu várias distinções ao longo da sua carreira, sendo condecorado como Comendador da Ordem do Infante D. Henrique pelo então Presidente da República, Dr. Mário Soares, em 10 de junho de 1994. 

Atualmente, ocupa o cargo de Presidente da Direção e coreógrafo principal na CPBC. Em 2021 confiou a direção artística a Cláudia Sampaio, uma das bailarinas fundadoras da companhia. 

Em janeiro de 2024 foi agraciado com a Medalha de Mérito Cultural da Câmara Municipal de Lisboa. 

© Kinema

«Uma notável artista, uma cantora inata (...) com uma voz bonita e redonda, uma presença excecional em palco, com uma messa di voiceque após a Caballé é muito difícil de encontrar» (diretor do Festival Oper im Berg). Estreou-se em Salzburgo (Festival Oper im Berg) com o papel titular em Lucia di Lammermoor, em prestação muito aclamada pela crítica e pelo público.

Interpretou os papéis Musetta no TNSC onde recebeu os melhores elogios da critica pública - «The highlight was Bárbara Barradas as Musetta. A scene-stealing actress, she really brought out the heartfelt generosity of her character and has this wonderfully poised, silvery soprano with an easy top» - by OperaTraveller. Na sua carreira, já interpretou Lucia, Gilda, Corinna, Valencienne, Le Feu e Le Rossignol, Susanna, Barbarina, La Fèe, Frasquita, Donna Anna, Zerlina, Königin der Nacht, Ines di Castro, entre outros. Estreou no Teatro da Trindade, o papel de Bruna da ópera Canção do Bandido de Nuno Côrte-Real, com encenação de Ricardo Neves-Neves. Na Culturgest, também em estreia absoluta, foi a solista de Tremor de Nuno Côrte-Real, obra que gravou em Berlim. Canta regularmente com as mais prestigiadas orquestras nacionais e internacionais. Foi bolseira da Fundação Gulbenkian, formou-se em Londres com distinção (BMus e MMus) na Guildhall School of Music and Drama. Fez também pós-graduações na International Opera Academy e na WIAV. Ganhou vários prémios e bolsas de estudo em inúmeras competições nacionais e internacionais.

É fundadora e mentora do «Empodera-te na Voz» e da marca «EmpoderARTE», é também co-fundadora da ArtAllurement.

Dedicado à performance do batuku, as Batucadeiras das Olaias surgem com o objetivo de partilhar, divulgar, reivindicar e exaltar a história, a memória e a cultura cabo-verdiana. A celebração é uma representação central da cultura de Cabo Verde e das comunidades cabo-verdianas na diáspora. Não se prendem apenas à música, ritmo e arte, mas sobretudo ao sentido de amizade, familiaridade, vizinhança e sociabilidade.  
A partir das próprias músicas autorais, o grupo partilha as suas memórias, conhecimentos e histórias de vida, gerando uma evasão da vida quotidiana e uma marcação identitária no contexto migratório. Além disso, promovem o fortalecimento dos laços comunitários e a preservação das tradições culturais. As performances das Batucadeiras das Olaias são momentos de união e celebração, onde a música e a dança se tornam uma linguagem comum que transcende fronteiras. Elas representam não apenas um resgate cultural, mas também uma forma de resistência e afirmação da identidade cabo-verdiana no mundo.  

Estudou na Guildhall School of Music and Drama, em Londres, onde obteve a licenciatura em canto e mestrado (curso de ópera) como bolseira da

Fundação Calouste Gulbenkian. O seu repertório de ópera inclui, entre outros: Preziosilla em La forza del destino; Dorabella em Così fan tutte; Jocasta

em Oedipus rex; Ježibaba em Rusalka; Suzuki em Madama Butterfly; Maddalena em Rigoletto; Eboli em Don Carlo; Madame de Croissy em Dialogues

des carmélites; papel titular em Carmen; Santuzza em Cavalleria rusticana; Condessa di Coigny e Madelon em Andrea Chénier; Siebel em Faust e Azucena em Il trovatore. Em concerto, interpretou como solista: Messa da Requiem de Verdi; Requiem

de Mozart; Stabat Mater de Pergolesi; Oratória de Natal e Oratória de Páscoa e Paixão segundo São João de J. S. Bach; Petite messe solennelle de Rossini; Elijah

de Mendelssohn; Messiah de Händel; L’enfance du Christ de Berlioz; e 9.ª Sinfonia de Beethoven.

João Sanchez, 26 anos, nascido em Lisboa, maturado em Arruda dos Vinhos. Licenciado em Cinema pela Escola Superior de Teatro e Cinema, Freelancer na área audiovisual. Aos 17 anos estreia o seu primeiro filme, Pecado, na Cinemateca Portuguesa. Aos 18 cria o Colectivo Pagárrenda e estreia Nós os Arroianos, a sua primeira longa-metragem, na mesma sala. Desde então, realiza A maneira certa de encontrar casa, filme mais visto e artigo mais lido do Público em 2018. Realiza, edita e desenvolve vários projetos em colaboração com grandes empresas, músicos e ativações de marca. Em 2021 integra o júri do Festival de Cinema de Avanca e  cria a marca de roupa Bon Vivant. Em 2021 cria e interpreta juntamente com Maria Abrantes a performance Uma Água Por Favor e em 2023 o vídeo-dança Finimondo juntamente com Sofia Kafol.  

Ohad Naharin é coreógrafo residente da Batsheva Dance Company, coreógrafo convidado de inúmeras companhias e criador da linguagem de movimento Gaga. 

Nascido em 1952 em Mizra, Israel, entrou para a Batsheva Dance Company em 1974, apesar de ter pouca formação. Durante o seu primeiro ano, a coreógrafa convidada Martha Graham desafiou-o a juntar-se à sua própria companhia em Nova Iorque, onde Naharin fez a sua estreia coreográfica no estúdio de Kazuko Hirabayshi em 1980. Durante a década seguinte, apresentou trabalhos em Nova Iorque e no estrangeiro, incluindo peças para a Batsheva Dance Company, a Kibbutz Contemporary Dance Company e o Nederlands Dans Theater. Naharin trabalhou em estreita colaboração com a sua primeira mulher, Mari Kajiwara, até esta falecer de cancro em 2001. 

Em 1990 Naharin foi nomeado Diretor Artístico da Batsheva Dance Company e, no mesmo ano, criou a divisão júnior da companhia, Batsheva - the Young Ensemble. Desde então, criou mais de trinta obras para ambas as companhias e peças de cenário para muitas outras. Colaborou também com músicos como The Trator’s Revenge, Avi Balleli e Dan Makov, Ivri Lider e Grischa Lichtenberger. 

Sob o pseudónimo Maxim Waratt, compôs, editou e misturou muitas das suas próprias bandas sonoras. O trabalho de Naharin foi apresentado em vários filmes, incluindo Out of Focus (2007) de Tomer Heymann e Mr. Gaga (2015) dos irmãos Heymann. 

Para além do seu trabalho em palco, Naharin também desenvolveu Gaga, a inovadora pesquisa de movimentos e o treino diário dos bailarinos de Batsheva, que se espalhou internacionalmente entre bailarinos e não bailarinos. 

Cidadão de Israel e dos Estados Unidos, Naharin vive atualmente em Israel com a sua mulher, a bailarina e figurinista Eri Nakamura, e a sua filha, Noga. 

©Ilya Melnikov

Em 1962 a Fundação Calouste Gulbenkian decidiu estabelecer um agrupamento orquestral permanente. No início constituído apenas por doze elementos, foi originalmente designado por Orquestra de Câmara Gulbenkian. Ao longo de sessenta anos de atividade, a Orquestra Gulbenkian (denominação adotada desde 1971) foi sendo progressivamente alargada, contando hoje com um efetivo de cerca de sessenta instrumentistas que pode ser pontualmente expandido de acordo com as exigências de cada programa de concerto.  

Esta constituição permite à Orquestra Gulbenkian interpretar um amplo repertório que se estende do Barroco até à música contemporânea. Obras pertencentes ao repertório corrente das grandes formações sinfónicas tradicionais, nomeadamente a produção orquestral de Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Mendelssohn ou Schumann, podem ser dadas pela Orquestra Gulbenkian em versões mais próximas dos efetivos orquestrais para que foram originalmente concebidas, no que respeita ao equilíbrio da respetiva arquitetura sonora. 

Em cada temporada, a Orquestra Gulbenkian realiza uma série regular de concertos no Grande Auditório Gulbenkian, em Lisboa, em cujo âmbito tem tido ocasião de colaborar com alguns dos maiores nomes do mundo da música, nomeadamente maestros e solistas. Atua também com regularidade noutros palcos em diversas localidades do país, cumprindo desta forma uma significativa função descentralizadora. No plano internacional, por sua vez, a Orquestra Gulbenkian foi ampliando gradualmente a sua atividade, tendo até agora efetuado digressões na Europa, na Ásia, em África e nas Américas. 

No plano discográfico, o nome da Orquestra Gulbenkian encontra-se associado às editoras Philips, Deutsche Grammophon, Hyperion, Teldec, Erato, Adès, Nimbus, Lyrinx, Naïve e Pentatone, entre outras, tendo esta sua atividade sido distinguida, desde muito cedo, com diversos prémios internacionais de grande prestígio. A partir de setembro de 2023, O finlandês Hannu Lintu é o Maestro Titular da Orquestra Gulbenkian, sucedendo a Lorenzo Viotti. 

© FCGulbenkian

Akram Khan é um artista essencial e mundialmente reconhecido no campo da dança na atualidade. Ao longo dos últimos 23 anos, as suas obras têm contribuído significativamente para as artes no Reino Unido e no estrangeiro. Tem colaborado com artistas de outras culturas e disciplinas, tais como o Ballet Nacional da China, Juliette Binoche, Sylvie Guillem, Kylie Minogue, Florence + The Machine, Anish Kapoor, Antony Gormley, Tim Yip, Hanif Kureishi, Steve Reich, Nitin Sawhney, Jocelyn Pook ou Ben Frost. A obra de Khan é considerada profundamente comovente, chegando mesmo a poder ser lida como ritual, dada a influência que a dança clássica Kathak tem nela. Ao transportar elementos desta dança para as suas criações, Khan contribui para uma redefinição da nossa ideia do que é dançar. Ao longo da sua carreira, tem sido galardoado com inúmeras distinções.  

© Camilla Greenwell

Nascido em Tarouquela, Carlos Cardoso estudou na escola da Beira Interior com o maestro Ferreira. Foi o vencedor do 1º Prémio no Concurso Luísa Todi, do 3º Prémio no Concurso Magda Olivero, e do 1º Prémio no Concurso do Rotary Club, em Lisboa. Foi membro do Estúdio de Ópera do Teatro S. Carlos em Lisboa e da “Accademia del Teatro alla Scala” em Milão, no âmbito da qual participou de concertos e produções de ópera. Entre outras estreias, contam-se apresentações na Ópera Nacional Holandesa de Amesterdão, Teatro Verdi di Busseto para o Festival Parma Verdi, Teatro São Carlos em Lisboa, Stadttheater Klagenfurt, Ópera Vilnius e a Fundação Calouste Gulbenkian. Entre 2017 e 2023 foi membro do ensemble do Aalto Theater Essen. Como convidado, atuou também nas Óperas de Magdeburgo, Wiesbaden, Koblenz, Dortmund, Gelsenkirchen, Gärtnerplatz München, Ópera Nacional de Praga e Tirana, em Parma e Trieste, e no Musikverein de Viena. O seu repertório inclui, entre outros, os papéis de Duca/Rigoletto, Alfredo/La Traviata, Rodolfo/Luisa Miller, Renato/Un ballo in Maschera, Gabriele Adorno/Simone Boccanegra, Ismaele/Nabucco, Edgardo/Lucia di Lammermoor, Pollione/Norma, Rodolfo/La Bohème, Pinkerton/Madama Butterfly, Narraboth/Salomé. Em concerto, apresentou-se na Glagolitische Messe de Janacek, na Messa di Gloria de Puccini, na Petite Messe Solennelle e no Stabat Mater de Rossini, e ainda no Requiem de Dvorak. 

A CNB é o organismo de produção artística que tem como missão assegurar a prestação de um serviço público no domínio da dança, no âmbito de um projeto cultural centrado na promoção do acesso dos cidadãos à fruição desta atividade artística e no reforço dos padrões de qualidade da criação e produção profissionais da dança em Portugal e no estrangeiro. Ao longo de mais de quatro décadas de existência tem apresentado obras de referência do reportório internacional, quer as incontornáveis do dito clássico, quer as de coreógrafos como George Balanchine, Kurt Jooss, José Limón, Anne Teresa De Keersmaeker, William Forsythe, Hans van Manen, Jiří Kylián, Akram Khan, Sasha Waltz, Sidi Larbi Cherkaoui, Alexander Ekman, entre outros. Paralelamente tem apostado em encomendas geradoras de uma identidade própria, com especial destaque nos convites a autores portugueses Armando Jorge, Olga Roriz, Rui Lopes Graça, Vasco Wellenkam, Rui Horta, Fernando Duarte, Tiago Rodrigues, Victor Hugo Pontes, Tânia Carvalho, Clara Andermatt, Sónia Baptista, Filipe Portugal e Marco da Silva Ferreira, entre outros. 

A interligação com distintas áreas da criação artística tem sido, também, uma preocupação de muitas dessas encomendas envolvendo importantes nomes da música, teatro, cinema ou artes plásticas e aproveitando a versatilidade de um elenco, atualmente dirigido artisticamente por Carlos Prado. 

Leonel Pinheiro é licenciado pela Universidade de Aveiro e pós-graduado pela Royal Scottish Academy of Music & Drama, Opera School (Mestrado), Guildhall School of Music & Drama. Trabalha regularmente com o Wexford Festival Opera, cantou Kozak Maria/Showman A Village Romeo and Juliet, Achille di Rosalba/Felice Il cappello di paglia di Firenze. Destacam-se dos papéis interpretados: Don Jose/ Carmen (Mid Wales Opera) encenação Sir Jonathan Miller, Macduff /Macbeth (Scottish Opera), Alfredo La traviata (Bermuda Festival, European Chamber Opera, Bangkok Grand Opera) com récitas na Tailândia, Bermudas, Índia, Paquistão, Coreia do Sul e Bahrain. Luigi/Il tabarro, Samson/Samson et Dalila (Grimeborn Opera Festival), Cavaradossi /Tosca (Musique Cordiale Festival, Wimbledon International Music Festival). Turiddu/Cavalleria rusticana (Coliseu Micaelense).  

Em concerto/oratória, destaca-se a estreia no Royal Festival Hall em Requiem de Mozart com a English Chamber Orchestra/Philharmonia Chorus e Das Lied von Der Erde de Mahler com a Orquestra Metropolitana de Lisboa, no Centro Cultural de Belém.   

© Viúva

O vasto repertório do barítono espanhol inclui mais de 50 papéis em alguns dos mais importantes palcos do mundo. 

Como cantor verdiano, destacam-se as suas interpretações de Conte di Luna, Giorgio Germont, Paolo, Jago, Nabucco, Macbeth, Attila, Rigoletto, Amonasro, Falstaff e Ford. O seu repertório verista inclui Sharpless, Scarpia, Marcello, Guglielmo em Le villi, Lescaut, Michele ou Alfio e Tonio, papéis que interpretou em alguns dos mais conceituados palcos e cidades internacionais, como Théâtre des Champs-Elysées, Metropolitan Opera, Berlin Staatsoper, Teatro Real de Madrid, Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Concertgebow Amsterdam, Hamburg, Lausanne, Maggio Musical Fiorentino, Teatro La Maestranza, Palau de les Arts, Ópera de Tenerife, Teatro Bellini (Palermo), Helsínquia, Ópera de Las Palmas de Gran Canaria, Arena di Verona, Deutsche Oper Berlin, Teatro Nacional de São Carlos, Tetaro di San Carlo de Nápoles, Opéra de Nice, Chorégie d’Orange, Toulouse e Palma de Maiorca. 

No âmbito do bel canto, já se apresentou em importantes papéis de barítono como Don Pasquale.  O seu repertório francês abrange o seu notável Escamillo, além de Albert, Mercutio, Athanael e Grand Prête. É também um ilustre interpréte de Zarzuela. 

A sua discografia inclui Pagliacci, Il viaggio a Reims, Katiuska e La vida breve de Falla, para a etiqueta Deutsche Grammophon. 

Primeira harpista a ganhar o prémio nacional Jovem Músico do Ano, a «virtuosa harpista» (Prémio Jovens Músicos) Beatriz Cortesão tem vindo a cativar público a nível global com a sua «energia contagiosa» complementada por uma «técnica impressionante» (Harp Column). Entre os prémios internacionais conquistados, destaca-se o Prémio Mário Falcão no 21.º Concurso Internacional de Harpa, em Israel.

Enquanto solista, apresentou-se com a Orquestra Sinfónica de Jerusalém, Orquestra Gulbenkian, Real Filarmonia da Galiza e com a Orquestra Clássica do Centro. Estreou a obra  Hybris para harpa solo e orquestra de Alejandro Civilotti no Noia Harp Fest (2023), e tem vindo a apresentar-se como solista em Israel, Itália, Portugal, Rússia, Eslovénia, Espanha e Suiça. É primeira harpa da Accademia Teatro Alla Scala, em Milão, e foi harpista da Orquestra de Jovens da União Europeia (2020). Colabora regularmente com o Ensemble D’Arcos, e é cofundadora do duo AnimArpa, com Carolina Coimbra. Beatriz Cortesão estudou harpa desde jovem com Eleonor Picas, Beatrix Schmidt, Rita Campos e Erica Versace. A academia HarpMasters desempenhou um papel vital no desenvolvimento das suas capacidades pessoais e artísticas, desde 2012. Detém a licenciatura e o mestrado em performance da música, com a mais alta distinção, da Civica Scuola di Musica Claudio Abbado, na classe de Irina Zingg. 

© Lorenzo Gorini

Os Estúdios Victor Córdon são uma plataforma criativa pertencente ao OPART, cuja missão é o apoio à comunidade artística independente. A sua programação pretende dar voz às necessidades de criadores(as) e intérpretes, nomeadamente no registo e transmissão dos seus discursos, pensamento em torno da criação artística e impacto na realidade social. Promovendo diferentes visões, os Estúdios olham as rotas da língua portuguesa como lugares de encontro, e refletem sobre o papel da criação artística no processo de aproximação de culturas, através do diálogo com as comunidades migrantes residentes em Portugal, em especial com as comunidades afrodescendentes, destacando a importância da sua presença nas instituições culturais e na sociedade em geral. Os EVC dão apoio à criação a artistas, festivais e instituições de ensino, com especial dedicação no suporte dado a jovens intérpretes e criadores(as) em início de carreira.  

©Guilherme Gouveia

João Freitas Sousa nasceu em 2007, em Fafe, distrito de Braga. Iniciou em 2013 os seus estudos na Academia de Música José Atalaya, em Fafe, na classe de clarinete de José Ricardo Freitas, tendo concluído até à data o 6.º grau. Participou e foi laureado em dezanove concursos de clarinete (nacionais e internacionais), tendo obtido o 1.º prémio em dezasseis deles, dos quais se destacam o Prémio Jovens Músicos 2023, categoria A – solista, clarinete (nível médio) e o Grande Prémio da Música Lions 2024.  

Integra, ainda, a Banda de Música de Cabeceiras, participando, também:  na Orquestra de Clarinetes Jaime Carriço, da Academia de Clarinete Marcos Romão dos Reis Jr.; na orquestra de clarinetes Invicta All Stars; na Orchestra Club, assim como na Orquestra Sinfónica Ensemble como 1.º clarinete. Participou em diversas masterclasses com clarinetistas e pedagogos de referência, tais como António Saiote, Piero Di Vicenti, Nuno Silva, Gabor Varga, Esther Georgie, Nuno Pinto, Cologero Palermo, Arek Adamski, Arno Piters, Josep Fuster, Joan Lluna, Keith Lipson, Florent Héau, Jérôme Voisin, Philippe Cuper, Philippe Berrod, Patrick Messina, Luís Carvalho, David Medina, Mariano Rey, Iva Barbosa, Manuel Jerónimo, Luís Gomes, Esteban Valverde, Jorge Camacho, Giovanni Punzi, Victor Pereira, entre outros.

Vesselina Kasarova nasceu em Stara Zagora (Bulgária) e começou a tocar piano ainda em tenra idade. Após obter o diploma de pianista de concerto, estudou canto com Ressa Koleva na Academia de Música de Sófia. Posteriormente, foi contratada pela Ópera de Zurique, onde rapidamente se impôs como uma das cantoras mais queridas  do público, tendo sido aclamada pela imprensa internacional como uma grande revelação. Nesse mesmo ano, ganhou igualmente o 1º Prémio no concurso de canto alemão “Neue Stimmen” em Gütersloh. Dois anos mais tarde, Vesselina Kasarova estreou-se no Festival de Salzburgo e na Ópera Estatal de Viena. Desde então, tem interpretado um vasto repertório nas principais casas de óperas e de concerto da Europa, dos EUA e do Japão, incluindo a Royal Opera House Covent Garden, o Gran Teatre del Liceu de Barcelona, a Ópera Estatal da Baviera, a Ópera Nacional de Paris, o Teatro alla Scala de Milão, a Lyric Opera de Chicago, a Metropolitan Opera, a Ópera de São Francisco, o Teatro Nacional de São Carlos, o Teatro Real de Madrid, o Maggio Musicale Fiorentino e o Rossini Opera Festival em Pesaro. Gravou numerosos recitais e óperas completas como artista exclusiva da RCA e para outras companhias e foi galardoada com o prémio “Bayerische Kammersängerin” e “Österreichische Kammersängerin”.

A soprano Ana Sofia Ventura concluiu a sua licenciatura na Escola Superior de Música de Lisboa e posteriormente integrou a International Opera Academy em Gante, na Bélgica. 

Estreou, no Teatro Nacional de São Carlos, a ópera O Rouxinol de Sérgio Azevedo, com os papéis de Rouxinol e Rouxinol Mecânico. Estreou recentemente a ópera portuguesa Madrugada: razões de um movimento, co-produção MPMP e Orquestra do Algarve. Dos seus papéis operáticos destacam-se os papéis mozarteanos Königin der Nacht, Susanna e Zerlina. Interpretou também Sra. T em Manifesto NaDa, de A. Sousa Dias, Cathleen em Riders to the Sea, de V. Williams, Belinda em Dido and Aeneas, de H. Purcell, Cephisa em Orpheus, de G. P. Telemann, Civene em Le Cinesi, de C. W. Gluck. 

Participou na estreia moderna de La Ninfa del Tago de A. Scarlatti, no papel de Tirsi, com a OML sob a direção de Enrico Onofri, e participou também na 4ª Sinfonia de Mahler, sob a direção de Miguel Romea. 

No contexto de oratória, interpretou The Messiah de G. F. Händel, Messe in h-Moll de J. S. Bach, Lauda per la Navità del Signore de O. Respighi como Anjo, Wie der Hirsch Schreit de F. Mendelssohn. 

Natural de Roma, licenciou-se em piano, composição, música coral e direção de orquestra na Academia de Santa Cecília. Aperfeiçoou-se com Zoltán Peskó, Vladimir Delman e Rudolf Barshai, tendo alcançado o 3.º prémio no Concurso Arturo Toscanini de Parma. De 1995 a 2001, foi diretor musical no Teatro de Ópera de Ancara, ocupando, de 2001 a 2005, o mesmo cargo na Ópera Estatal de Istambul. Dos compromissos passados e mais recentes, destacam-se: Lucia di Lammermoor em Buenos Aires e Bari; La Gioconda em Santander; Andrea Chénier em Berlim e na Catânia; Macbeth em Lisboa; Aida em Copenhaga e Caracalla; Il trovatore, Anna Bolena e Ernani na Catânia; Tosca em Florença e Bari; Turandot em Copenhaga, Verona e Catânia; Aroldo em Bilbau; Il barbiere di Siviglia em Tóquio, Valência e Verona; Carmen em Copenhaga e Avenches; Faust em Tóquio e Santander; Un ballo in maschera em Salerno e Lisboa; Madama Butterflyem Ancona; Medea no circuito As.Li.Co.; Norma em Trapani e Spalato; Attila em Lecce e Roma; Otello em Lisboa; Manon Lescaut em Torre del Lago; Nabucco em Caracalla e Lisboa; Rigoletto em Tóquio, Falstaff em Xangai; e La forza del destino em Lisboa. É, atualmente, maestro titular da Orquestra Sinfónica Portuguesa. 

© Bruno Simão

Henrique Pimentel tem colaborado em 2024 com o Teatro Nacional de São Carlos em vários projectos. Foi responsável pela reposição de Madama Butterfly, encenada por Jacopo Spirei, e depois assistente do mesmo encenador na sua recente produção de Falstaff. Assina agora a encenação de dois concertos no âmbito do Festival ao Largo 2024. Anteriormente, realizou estágios com os encenadores Vincent Huguet em Così Fan Tutte (Staatsoper de Berlim, 2021) e Christophe Gayral em La Bohème (69º Festival Puccini em Torre del Lago, 2023). 

É licenciado e mestre em Arquitectura pela Universidade de Coimbra, tendo iniciado a sua actividade profissional e multidisciplinar no atelier de Luísa Bebiano. A partir de 2022 dedicou-se exclusivamente a projetos nas áreas da cenografia, direção de arte para cinema e encenação, colaborando com outros nomes importantes como Luis F. Carvalho, Artur Pinheiro, Augusto Mayer e Nuno Carinhas. 

Criada em 1993, a Orquestra Sinfónica Portuguesa (OSP) é um dos corpos artísticos do Teatro Nacional de São Carlos e tem vindo a desenvolver uma atividade sinfónica própria, incluindo uma programação regular de concertos, participações em festivais de música nacionais e internacionais. Colabora regularmente com a Rádio e Televisão de Portugal através da transmissão dos seus concertos e óperas pela Antena 2, designadamente a realização da tetralogia O anel do Nibelungo, transmitida na RTP2, e da participação em iniciativas da própria RTP, como o Prémio Pedro de Freitas Branco para Jovens Chefes de Orquestra, o Prémio Jovens Músicos-RDP e a Tribuna Internacional de Jovens Intérpretes. No âmbito das temporadas líricas e sinfónicas, a OSP tem-se apresentado sob a direção de notáveis maestros, como Rafael Frühbeck de Burgos, Alain Lombard, Nello Santi, Alberto Zedda, Harry Christophers, George Pehlivanian, Michel Plasson, Krzysztof Penderecki, Djansug Kakhidze, Milán Horvat, Jeff rey Tate e Iuri Ahronovitch, entre outros. A discografia da OSP conta com dois CD para a etiqueta Marco Polo, com as Sinfonias n.os 1, 3, 5e 6 de Joly Braga Santos, que gravou sob a direção do seu primeiro maestro titular, Álvaro Cassuto, e Crossing borders (obras de Wagner, Gershwin e Mendelssohn), sob a direção de Julia Jones, numa gravação ao vivo pela Antena 2. Recentemente, em maio de 2022, foi lançado o CD editado pela Naxos com obras de Fernando Lopes-Graça, sob a direção de Bruno Borralhinho. No cargo de maestro titular, seguiram-se José Ramón Encinar (1999-2001), Zoltán Peskó (2001-2004) e Julia Jones (2008-2011); Donato Renzetti desempenhou funções de primeiro maestro convidado entre 2005 e 2007. Joana Carneiro foi maestrina titular de 2014 a 2021. Atualmente, a direção musical está a cargo de Antonio Pirolli, seu maestro titular. 

© David Rodrigues

Criada em 1993, a Orquestra Sinfónica Portuguesa (OSP) é um dos corpos artísticos do Teatro Nacional de São Carlos e tem vindo a desenvolver uma atividade sinfónica própria, incluindo uma programação regular de concertos, participações em festivais de música nacionais e internacionais. Colabora regularmente com a Rádio e Televisão de Portugal através da transmissão dos seus concertos e óperas pela Antena 2, designadamente a realização da tetralogia O anel do Nibelungo, transmitida na RTP2, e da participação em iniciativas da própria RTP, como o Prémio Pedro de Freitas Branco para Jovens Chefes de Orquestra, o Prémio Jovens Músicos-RDP e a Tribuna Internacional de Jovens Intérpretes. No âmbito das temporadas líricas e sinfónicas, a OSP tem-se apresentado sob a direção de notáveis maestros, como Rafael Frühbeck de Burgos, Alain Lombard, Nello Santi, Alberto Zedda, Harry Christophers, George Pehlivanian, Michel Plasson, Krzysztof Penderecki, Djansug Kakhidze, Milán Horvat, Jeff rey Tate e Iuri Ahronovitch, entre outros. A discografia da OSP conta com dois CD para a etiqueta Marco Polo, com as Sinfonias n.os 1, 3, 5e 6 de Joly Braga Santos, que gravou sob a direção do seu primeiro maestro titular, Álvaro Cassuto, e Crossing borders (obras de Wagner, Gershwin e Mendelssohn), sob a direção de Julia Jones, numa gravação ao vivo pela Antena 2. Recentemente, em maio de 2022, foi lançado o CD editado pela Naxos com obras de Fernando Lopes-Graça, sob a direção de Bruno Borralhinho. No cargo de maestro titular, seguiram-se José Ramón Encinar (1999-2001), Zoltán Peskó (2001-2004) e Julia Jones (2008-2011); Donato Renzetti desempenhou funções de primeiro maestro convidado entre 2005 e 2007. Joana Carneiro foi maestrina titular de 2014 a 2021. Atualmente, a direção musical está a cargo de Antonio Pirolli, seu maestro titular. 

© David Rodrigues

É, desde janeiro de 2021, maestro titular do Coro do Teatro Nacional de São Carlos. Estudou trombone, composição, música coral e direção coral no Conservatório de Música Giuseppe Verdi, em Milão. De 2016 a janeiro de 2021, foi maestro do Coro da Devlet Opera Ve Balesi de Ancara e, de 2018 a janeiro de 2021, desempenhou as funções de orientador vocal do Coro da Rádio e Televisão da Turquia. Simultaneamente à sua carreira como barítono solista, prosseguiu a atividade como maestro de coro, a partir de 1993, quando criou o Schola Cantorum «Cantate Domino» de Carbonate (Itália). Em 1996, fundou o Coro «Euphonia», em Carbonate, do qual foi diretor artístico e orientador vocal. O Coro «Euphonia» foi levado à descoberta do mundo da ópera, tendo interpretado, ao longo dos anos, os mais importantes títulos do repertório melodramático. De janeiro de 2002 a 2016, dirigiu o Coro Lirico dell’Associazione Musicale Calauce de Calolziocorte (Itália). De 2006 a 2016, dirigiu o coro lírico «Corale Arnatese» e, de setembro de 2012 a 2015, foi o maestro do Coro Operístico de Mendrisio (Suíça). Em 2015, fundou o Coro Sinfónico Ticino. Durante vários anos, lecionou técnica, pedagogia e didatismo de canto para maestros de coro, em cursos organizados pela Unione Società Corali Italiane, da qual foi membro do Comité Artístico. Como freelancer, é regularmente convidado, por ensembles e coros, a orientar masterclasses e cursos de canto, tanto em Itália como no resto do mundo. 

© Bruno Frango

É, desde janeiro de 2021, maestro titular do Coro do Teatro Nacional de São Carlos. Estudou trombone, composição, música coral e direção coral no Conservatório de Música Giuseppe Verdi, em Milão. De 2016 a janeiro de 2021, foi maestro do Coro da Devlet Opera Ve Balesi de Ancara e, de 2018 a janeiro de 2021, desempenhou as funções de orientador vocal do Coro da Rádio e Televisão da Turquia. Simultaneamente à sua carreira como barítono solista, prosseguiu a atividade como maestro de coro, a partir de 1993, quando criou o Schola Cantorum «Cantate Domino» de Carbonate (Itália). Em 1996, fundou o Coro «Euphonia», em Carbonate, do qual foi diretor artístico e orientador vocal. O Coro «Euphonia» foi levado à descoberta do mundo da ópera, tendo interpretado, ao longo dos anos, os mais importantes títulos do repertório melodramático. De janeiro de 2002 a 2016, dirigiu o Coro Lirico dell’Associazione Musicale Calauce de Calolziocorte (Itália). De 2006 a 2016, dirigiu o coro lírico «Corale Arnatese» e, de setembro de 2012 a 2015, foi o maestro do Coro Operístico de Mendrisio (Suíça). Em 2015, fundou o Coro Sinfónico Ticino. Durante vários anos, lecionou técnica, pedagogia e didatismo de canto para maestros de coro, em cursos organizados pela Unione Società Corali Italiane, da qual foi membro do Comité Artístico. Como freelancer, é regularmente convidado, por ensembles e coros, a orientar masterclasses e cursos de canto, tanto em Itália como no resto do mundo. 

© Bruno Frango

O Coro do Teatro Nacional de São Carlos, criado em 1943 sob a titularidade de Mario Pellegrini, tem atuado sob a direção de importantes maestros (Pedro de Freitas Branco, Votto, Serafin, Gui, Giulini, Klemperer, Zedda, Solti, Santi, Rescigno, Navarro, Rennert, Burgos, Conlon, Christophers, Plasson e Minkowski, entre outros) e colaborado com marcantes encenadores (Pountney, Carsen, Vick). Entre 1962 e 1975, o Coro colaborou nas temporadas da Companhia Portuguesa de Ópera (Teatro da Trindade), tendo-se deslocado com a mesma à Madeira, aos Açores, a Angola e a Oviedo. O conjunto tem regularmente abordado o repertório de compositores nacionais (Alfredo Keil, Augusto Machado) e tem participado em estreias mundiais de óperas de Fernando Lopes-Graça, António Victorino d’Almeida, António Chagas Rosa, Nuno Côrte-Real. Em 1980, formou-se um primeiro núcleo coral a tempo inteiro e, três anos depois, assumiu-se a profissionalização plena, sob a direção de Antonio Brainovitch. A partir de 1985, a afirmação artística do conjunto foi creditada a Gianni Beltrami e o titular seguinte foi João Paulo Santos. Sob a responsabilidade destes dois maestros, o Coro registou marcantes êxitos internacionais: Grande messe des morts de Berlioz (1989–Turim); Requiem de Verdi (1991–Bruxelas); Concerto Henze/Corghi (1997–Festival de Granada). Giovanni Andreoli assumiu o cargo em 2004. Sob a sua direção, o Coro averbou êxitos num vasto e variado repertório. Em 2005, o Coro foi convidado pela Ópera de Génova para participar em récitas da ópera Billy Budd de Britten, convite que se repetiu em 2015. Giampaolo Vessella é o maestro titular desde janeiro de 2021.   

O Coro do Teatro Nacional de São Carlos, criado em 1943 sob a titularidade de Mario Pellegrini, tem atuado sob a direção de importantes maestros (Pedro de Freitas Branco, Votto, Serafin, Gui, Giulini, Klemperer, Zedda, Solti, Santi, Rescigno, Navarro, Rennert, Burgos, Conlon, Christophers, Plasson e Minkowski, entre outros) e colaborado com marcantes encenadores (Pountney, Carsen, Vick). Entre 1962 e 1975, o Coro colaborou nas temporadas da Companhia Portuguesa de Ópera (Teatro da Trindade), tendo-se deslocado com a mesma à Madeira, aos Açores, a Angola e a Oviedo. O conjunto tem regularmente abordado o repertório de compositores nacionais (Alfredo Keil, Augusto Machado) e tem participado em estreias mundiais de óperas de Fernando Lopes-Graça, António Victorino d’Almeida, António Chagas Rosa, Nuno Côrte-Real. Em 1980, formou-se um primeiro núcleo coral a tempo inteiro e, três anos depois, assumiu-se a profissionalização plena, sob a direção de Antonio Brainovitch. A partir de 1985, a afirmação artística do conjunto foi creditada a Gianni Beltrami e o titular seguinte foi João Paulo Santos. Sob a responsabilidade destes dois maestros, o Coro registou marcantes êxitos internacionais: Grande messe des morts de Berlioz (1989–Turim); Requiem de Verdi (1991–Bruxelas); Concerto Henze/Corghi (1997–Festival de Granada). Giovanni Andreoli assumiu o cargo em 2004. Sob a sua direção, o Coro averbou êxitos num vasto e variado repertório. Em 2005, o Coro foi convidado pela Ópera de Génova para participar em récitas da ópera Billy Budd de Britten, convite que se repetiu em 2015. Giampaolo Vessella é o maestro titular desde janeiro de 2021.   

Bin Chao nasceu no seio de uma família de músicos e começou a tocar violino aos seis anos de idade. Estudou no Conservatório Central de Música de Pequim, onde se diplomou com distinção, e concluiu um Mestrado em Música no Mannes College of Music de Nova Iorque, onde estudou com o violinista David Nadien.

O violinista e crítico musical Henry Roth elogiou a musicalidade e a técnica sólida de Bin Chao no seu livro Grandes Violinistas, livro este que faz uma análise sobre os 100 maiores violinistas do século XX, de acordo com a perspetiva do seu autor.

Em 1984 foi 2.º classificado no Concurso Nacional de Violino da China. Como solista, recitalista e músico de câmara, atuou por toda a Europa e na América do Norte. Mudou-se para Lisboa em 1991, tendo participado nos principais festivais de música em Portugal e ainda no Festival de Aspen e no Festival Schumann de Nova Iorque.

Em 2001 foi solista convidado no prestigiado Annual English Handbell Festival, em Nova Iorque. Entre 1999 e 2001, ensinou violino em Nova Iorque, integrado na iniciativa da Fundação Midori de levar a música às escolas públicas. Foi professor na Universidade de Évora e desde 2007 ensina violino, viola e música de câmara no Instituto Piaget. Desde 2010, colabora com o Conservatório de Música da Universidade de Lawrence, em Appleton, Wisconsin, nos Estados Unidos da América. Bin Chao toca num violino Carlo Giuseppe Testore de 1715, tendo também instrumentos dos luthiers Antonio Capela e Judith Bauer, entre outros. Desde 2014, é professor de violino na Escola Superior de Música de Lisboa.

Natural de Roma, licenciou-se em piano, composição, música coral e direção de orquestra na Academia de Santa Cecília. Aperfeiçoou-se com Zoltán Peskó, Vladimir Delman e Rudolf Barshai, tendo alcançado o 3.º prémio no Concurso Arturo Toscanini de Parma. De 1995 a 2001, foi diretor musical no Teatro de Ópera de Ancara, ocupando, de 2001 a 2005, o mesmo cargo na Ópera Estatal de Istambul. Dos compromissos passados e mais recentes, destacam-se: Lucia di Lammermoor em Buenos Aires e Bari; La Gioconda em Santander; Andrea Chénier em Berlim e na Catânia; Macbeth em Lisboa; Aida em Copenhaga e Caracalla; Il trovatore, Anna Bolena e Ernani na Catânia; Tosca em Florença e Bari; Turandot em Copenhaga, Verona e Catânia; Aroldo em Bilbau; Il barbiere di Siviglia em Tóquio, Valência e Verona; Carmen em Copenhaga e Avenches; Faust em Tóquio e Santander; Un ballo in maschera em Salerno e Lisboa; Madama Butterflyem Ancona; Medea no circuito As.Li.Co.; Norma em Trapani e Spalato; Attila em Lecce e Roma; Otello em Lisboa; Manon Lescaut em Torre del Lago; Nabucco em Caracalla e Lisboa; Rigoletto em Tóquio, Falstaff em Xangai; e La forza del destino em Lisboa. É, atualmente, maestro titular da Orquestra Sinfónica Portuguesa. 

© Bruno Simão

Diogo Costa é, atualmente, um dos jovens maestros mais ativos do país. Entre os seus projetos recentes e futuros incluem-se os convites para a Orquestra Gulbenkian, a Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música, a Orquestra Metropolitana de Lisboa, bem como para várias orquestras regionais do país. Em Inglaterra, dirigiu a Hallé Orchestra e a Filarmónica da BBC, em Manchester, a Orquestra Nacional de Gales da BBC, e a West European Studio Orchestra, com a qual tem vindo a gravar em diversos estúdios, entre eles o lendário Abbey Road, em Londres.  

Nutrindo um interesse especial pela ópera, trabalhou como maestro assistente de Lorenzo Viotti na produção da ópera Roméo et Juliette de Gounod, com a Orquestra e Coro Gulbenkian, e também enquanto maestro assistente de David Azagra na produção da ópera L’elisir d’amore de Donizetti, em Espanha. Em 2021, estreou-se enquanto maestro principal na produção da ópera The Medium de Menotti, no Operafest Lisboa, que recebeu as melhores críticas internacionais.   

Presença constante em diversos concursos internacionais, foi recentemente laureado no Prémio Jovens Músicos em direção de orquestra. Em 2020, foi finalista no Mackerras Fellowship da Ópera Nacional de Inglaterra e semi-finalista na Siemens Hallé International Conducting Competition.   

Jermaine Maurice Spivey é um coreógrafo norte-americano em clara ascensão, que, a par de uma brilhante carreira enquanto intérprete, convoca ativamente a ideia de uma prática colaborativa nos seus processos de criação. De 2002 a 2017, viveu e trabalhou predominantemente na Europa, tendo sido membro do Ballet Gulbenkian e do Cullberg Ballet. Trabalhou como artista convidado para a Hofesh Shechter Company, Robyn Live 2016, The LID, Arias Company e The Forsythe Company de 2013 a 2015, entre outras colaborações. É membro da companhia Kidd Pivot desde 2008. Como coreógrafo, já lhe foram comissionados trabalhos pela companhia Salt Contemporary Dance (EUA), Rambert 2 (RU), LA Dance Project (EUA), The Broad Museum (EUA), Christina Aguilera Live at The Hollywood Bowl com Gustavo Dudamel e a LA Phil, e, mais recentemente, Hubbard Street Dance Chicago (EUA), NDT 2 (Países Baixos) e Ballet Flanders (Bélgica). Em colaboração com o seu companheiro e parceiro artístico Spenser Theberge, Spivey criou as obras Rather This Then e Position 3. Spivey orienta ainda práticas de dança por toda a América do Norte e Europa. 

© Jermaine Spivey

Alexandre Andrade, Gonçalo Brandão, Manuel Dias e Pedro Simões, naturais dos distritos de Aveiro, Viseu e Porto, formam o Ketuk Quartet. O projeto surgiu a partir do trabalho realizado no grupo de percussão da Escola Profissional de Música de Espinho com o objetivo de concorrer ao Prémios Jovens Músicos, objetivo que foi realizado com a obtenção do primeiro prémio no PJM 2023 na categoria de música de câmara - nível médio. Destaca-se ainda a atuação no grande auditório da Fundação Calouste Gulbenkian no âmbito do Festival Jovens Músicos. Atualmente, o quarteto procura contribuir para a relevância da percussão na música de câmara.

Compositor e maestro, Pedro Amaral (Lisboa, 1972) é um dos músicos mais ativos da sua geração. Iniciou os seus estudos com Fernando Lopes-Graça, em 1986. Graduou-se na Escola Superior de Música de Lisboa (1994) e no Conservatório de Paris (CNSM), onde obteve o Primeiro Prémio em Composição por unanimidade do júri (1998). Estudou direção de orquestra com Emilio Pomàrico e com Peter Eötvös, de quem foi assistente.

Prosseguiu estudos universitários na École des Hautes Études en Sciences Sociales, obtendo um Mestrado em Musicologia Contemporânea (1998) e um Doutoramento (2003) com uma tese sobre Momente, de K. Stockhausen.

Trabalhou no IRCAM, em Paris, como compositeur en recherche, compondo e estreando diversas obras para meios instrumentais e eletrónica em tempo real, tornando-se presença assídua em muitos dos mais importantes festivais internacionais. Em 2006 gravou o seu primeiro disco monográfico, com a London Sinfonietta, sob a sua direção. As suas óperas O Sonho e Beaumarchais foram estreadas em Londres (2010) e Lisboa (Teatro Nacional Dona Maria II, 2017), respetivamente.

Foi compositor residente na Herrenhaus Edenkoben (Alemanha, 2001), na Villa Medici (antigo Prix de Rome, 2004/05) e no Palácio Lenzi (Florença, 2006). Professor da Universidade de Évora desde 2007, é membro da Academia de Belas Artes desde 2017.

Em cada temporada, Pedro Amaral dirige numerosos concertos em Portugal e no estrangeiro, com um repertório que se estende do Classicismo vienense à contemporaneidade, empenhando-se em projetos de amplo significado como o que dirigiu em Milão, no Teatro alla Scala, com a Orquestra Sinfónica Nacional da RAI de Turim e o violinista Vadim Repin, em maio de 2022, 11 semanas após a invasão da Ucrânia, com um apelo à Paz em tempos de guerra.

Com uma ampla experiência na programação de concertos, temporadas e festivais, desempenhou as funções de Maestro Titular da Orquestra do Conservatório Nacional (2007/08), do Sond’Arte Electric Ensemble (2007/10) e da Orquestra Metropolitana de Lisboa, funções que acumulou com as de Diretor Artístico (2013/20).

Iniciou os seus estudos de ballet em 1961 no Grupo Verde Gaio e, em 1968 ingressou no Ballet Gulbenkian. Em 1975 formou-se em Dança Moderna na Escola de Dança Contemporânea de Martha Graham, em Nova Iorque. Durante mais de duas décadas desempenhou funções de coreógrafo residente no Ballet Gulbenkian, onde criou dezenas de obras que marcaram o estilo da companhia. Além disso, foi regularmente convidado a coreografar em diversas companhias estrangeiras, nomeado professor de Dança Moderna na Escola de Dança do Conservatório Nacional e professor coordenador na Escola Superior de Dança. Também atuou como diretor artístico do Festival de Sintra na área da dança e do Teatro Camões, além de ser diretor artístico da CNB. 

Em 1997 fundou, juntamente com Graça Barroso, a Companhia Portuguesa de Bailado Contemporâneo (CPBC), que estreou em abril de 1998, no Brasil. Recebeu várias distinções ao longo da sua carreira, sendo condecorado como Comendador da Ordem do Infante D. Henrique pelo então Presidente da República, Dr. Mário Soares, em 10 de junho de 1994. 

Atualmente, ocupa o cargo de Presidente da Direção e coreógrafo principal na CPBC. Em 2021 confiou a direção artística a Cláudia Sampaio, uma das bailarinas fundadoras da companhia. 

Em janeiro de 2024 foi agraciado com a Medalha de Mérito Cultural da Câmara Municipal de Lisboa. 

© Kinema

«Uma notável artista, uma cantora inata (...) com uma voz bonita e redonda, uma presença excecional em palco, com uma messa di voiceque após a Caballé é muito difícil de encontrar» (diretor do Festival Oper im Berg). Estreou-se em Salzburgo (Festival Oper im Berg) com o papel titular em Lucia di Lammermoor, em prestação muito aclamada pela crítica e pelo público.

Interpretou os papéis Musetta no TNSC onde recebeu os melhores elogios da critica pública - «The highlight was Bárbara Barradas as Musetta. A scene-stealing actress, she really brought out the heartfelt generosity of her character and has this wonderfully poised, silvery soprano with an easy top» - by OperaTraveller. Na sua carreira, já interpretou Lucia, Gilda, Corinna, Valencienne, Le Feu e Le Rossignol, Susanna, Barbarina, La Fèe, Frasquita, Donna Anna, Zerlina, Königin der Nacht, Ines di Castro, entre outros. Estreou no Teatro da Trindade, o papel de Bruna da ópera Canção do Bandido de Nuno Côrte-Real, com encenação de Ricardo Neves-Neves. Na Culturgest, também em estreia absoluta, foi a solista de Tremor de Nuno Côrte-Real, obra que gravou em Berlim. Canta regularmente com as mais prestigiadas orquestras nacionais e internacionais. Foi bolseira da Fundação Gulbenkian, formou-se em Londres com distinção (BMus e MMus) na Guildhall School of Music and Drama. Fez também pós-graduações na International Opera Academy e na WIAV. Ganhou vários prémios e bolsas de estudo em inúmeras competições nacionais e internacionais.

É fundadora e mentora do «Empodera-te na Voz» e da marca «EmpoderARTE», é também co-fundadora da ArtAllurement.

Dedicado à performance do batuku, as Batucadeiras das Olaias surgem com o objetivo de partilhar, divulgar, reivindicar e exaltar a história, a memória e a cultura cabo-verdiana. A celebração é uma representação central da cultura de Cabo Verde e das comunidades cabo-verdianas na diáspora. Não se prendem apenas à música, ritmo e arte, mas sobretudo ao sentido de amizade, familiaridade, vizinhança e sociabilidade.  
A partir das próprias músicas autorais, o grupo partilha as suas memórias, conhecimentos e histórias de vida, gerando uma evasão da vida quotidiana e uma marcação identitária no contexto migratório. Além disso, promovem o fortalecimento dos laços comunitários e a preservação das tradições culturais. As performances das Batucadeiras das Olaias são momentos de união e celebração, onde a música e a dança se tornam uma linguagem comum que transcende fronteiras. Elas representam não apenas um resgate cultural, mas também uma forma de resistência e afirmação da identidade cabo-verdiana no mundo.  

Estudou na Guildhall School of Music and Drama, em Londres, onde obteve a licenciatura em canto e mestrado (curso de ópera) como bolseira da

Fundação Calouste Gulbenkian. O seu repertório de ópera inclui, entre outros: Preziosilla em La forza del destino; Dorabella em Così fan tutte; Jocasta

em Oedipus rex; Ježibaba em Rusalka; Suzuki em Madama Butterfly; Maddalena em Rigoletto; Eboli em Don Carlo; Madame de Croissy em Dialogues

des carmélites; papel titular em Carmen; Santuzza em Cavalleria rusticana; Condessa di Coigny e Madelon em Andrea Chénier; Siebel em Faust e Azucena em Il trovatore. Em concerto, interpretou como solista: Messa da Requiem de Verdi; Requiem

de Mozart; Stabat Mater de Pergolesi; Oratória de Natal e Oratória de Páscoa e Paixão segundo São João de J. S. Bach; Petite messe solennelle de Rossini; Elijah

de Mendelssohn; Messiah de Händel; L’enfance du Christ de Berlioz; e 9.ª Sinfonia de Beethoven.

João Sanchez, 26 anos, nascido em Lisboa, maturado em Arruda dos Vinhos. Licenciado em Cinema pela Escola Superior de Teatro e Cinema, Freelancer na área audiovisual. Aos 17 anos estreia o seu primeiro filme, Pecado, na Cinemateca Portuguesa. Aos 18 cria o Colectivo Pagárrenda e estreia Nós os Arroianos, a sua primeira longa-metragem, na mesma sala. Desde então, realiza A maneira certa de encontrar casa, filme mais visto e artigo mais lido do Público em 2018. Realiza, edita e desenvolve vários projetos em colaboração com grandes empresas, músicos e ativações de marca. Em 2021 integra o júri do Festival de Cinema de Avanca e  cria a marca de roupa Bon Vivant. Em 2021 cria e interpreta juntamente com Maria Abrantes a performance Uma Água Por Favor e em 2023 o vídeo-dança Finimondo juntamente com Sofia Kafol.  

Ohad Naharin é coreógrafo residente da Batsheva Dance Company, coreógrafo convidado de inúmeras companhias e criador da linguagem de movimento Gaga. 

Nascido em 1952 em Mizra, Israel, entrou para a Batsheva Dance Company em 1974, apesar de ter pouca formação. Durante o seu primeiro ano, a coreógrafa convidada Martha Graham desafiou-o a juntar-se à sua própria companhia em Nova Iorque, onde Naharin fez a sua estreia coreográfica no estúdio de Kazuko Hirabayshi em 1980. Durante a década seguinte, apresentou trabalhos em Nova Iorque e no estrangeiro, incluindo peças para a Batsheva Dance Company, a Kibbutz Contemporary Dance Company e o Nederlands Dans Theater. Naharin trabalhou em estreita colaboração com a sua primeira mulher, Mari Kajiwara, até esta falecer de cancro em 2001. 

Em 1990 Naharin foi nomeado Diretor Artístico da Batsheva Dance Company e, no mesmo ano, criou a divisão júnior da companhia, Batsheva - the Young Ensemble. Desde então, criou mais de trinta obras para ambas as companhias e peças de cenário para muitas outras. Colaborou também com músicos como The Trator’s Revenge, Avi Balleli e Dan Makov, Ivri Lider e Grischa Lichtenberger. 

Sob o pseudónimo Maxim Waratt, compôs, editou e misturou muitas das suas próprias bandas sonoras. O trabalho de Naharin foi apresentado em vários filmes, incluindo Out of Focus (2007) de Tomer Heymann e Mr. Gaga (2015) dos irmãos Heymann. 

Para além do seu trabalho em palco, Naharin também desenvolveu Gaga, a inovadora pesquisa de movimentos e o treino diário dos bailarinos de Batsheva, que se espalhou internacionalmente entre bailarinos e não bailarinos. 

Cidadão de Israel e dos Estados Unidos, Naharin vive atualmente em Israel com a sua mulher, a bailarina e figurinista Eri Nakamura, e a sua filha, Noga. 

©Ilya Melnikov

Em 1962 a Fundação Calouste Gulbenkian decidiu estabelecer um agrupamento orquestral permanente. No início constituído apenas por doze elementos, foi originalmente designado por Orquestra de Câmara Gulbenkian. Ao longo de sessenta anos de atividade, a Orquestra Gulbenkian (denominação adotada desde 1971) foi sendo progressivamente alargada, contando hoje com um efetivo de cerca de sessenta instrumentistas que pode ser pontualmente expandido de acordo com as exigências de cada programa de concerto.  

Esta constituição permite à Orquestra Gulbenkian interpretar um amplo repertório que se estende do Barroco até à música contemporânea. Obras pertencentes ao repertório corrente das grandes formações sinfónicas tradicionais, nomeadamente a produção orquestral de Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Mendelssohn ou Schumann, podem ser dadas pela Orquestra Gulbenkian em versões mais próximas dos efetivos orquestrais para que foram originalmente concebidas, no que respeita ao equilíbrio da respetiva arquitetura sonora. 

Em cada temporada, a Orquestra Gulbenkian realiza uma série regular de concertos no Grande Auditório Gulbenkian, em Lisboa, em cujo âmbito tem tido ocasião de colaborar com alguns dos maiores nomes do mundo da música, nomeadamente maestros e solistas. Atua também com regularidade noutros palcos em diversas localidades do país, cumprindo desta forma uma significativa função descentralizadora. No plano internacional, por sua vez, a Orquestra Gulbenkian foi ampliando gradualmente a sua atividade, tendo até agora efetuado digressões na Europa, na Ásia, em África e nas Américas. 

No plano discográfico, o nome da Orquestra Gulbenkian encontra-se associado às editoras Philips, Deutsche Grammophon, Hyperion, Teldec, Erato, Adès, Nimbus, Lyrinx, Naïve e Pentatone, entre outras, tendo esta sua atividade sido distinguida, desde muito cedo, com diversos prémios internacionais de grande prestígio. A partir de setembro de 2023, O finlandês Hannu Lintu é o Maestro Titular da Orquestra Gulbenkian, sucedendo a Lorenzo Viotti. 

© FCGulbenkian

Akram Khan é um artista essencial e mundialmente reconhecido no campo da dança na atualidade. Ao longo dos últimos 23 anos, as suas obras têm contribuído significativamente para as artes no Reino Unido e no estrangeiro. Tem colaborado com artistas de outras culturas e disciplinas, tais como o Ballet Nacional da China, Juliette Binoche, Sylvie Guillem, Kylie Minogue, Florence + The Machine, Anish Kapoor, Antony Gormley, Tim Yip, Hanif Kureishi, Steve Reich, Nitin Sawhney, Jocelyn Pook ou Ben Frost. A obra de Khan é considerada profundamente comovente, chegando mesmo a poder ser lida como ritual, dada a influência que a dança clássica Kathak tem nela. Ao transportar elementos desta dança para as suas criações, Khan contribui para uma redefinição da nossa ideia do que é dançar. Ao longo da sua carreira, tem sido galardoado com inúmeras distinções.  

© Camilla Greenwell

Nascido em Tarouquela, Carlos Cardoso estudou na escola da Beira Interior com o maestro Ferreira. Foi o vencedor do 1º Prémio no Concurso Luísa Todi, do 3º Prémio no Concurso Magda Olivero, e do 1º Prémio no Concurso do Rotary Club, em Lisboa. Foi membro do Estúdio de Ópera do Teatro S. Carlos em Lisboa e da “Accademia del Teatro alla Scala” em Milão, no âmbito da qual participou de concertos e produções de ópera. Entre outras estreias, contam-se apresentações na Ópera Nacional Holandesa de Amesterdão, Teatro Verdi di Busseto para o Festival Parma Verdi, Teatro São Carlos em Lisboa, Stadttheater Klagenfurt, Ópera Vilnius e a Fundação Calouste Gulbenkian. Entre 2017 e 2023 foi membro do ensemble do Aalto Theater Essen. Como convidado, atuou também nas Óperas de Magdeburgo, Wiesbaden, Koblenz, Dortmund, Gelsenkirchen, Gärtnerplatz München, Ópera Nacional de Praga e Tirana, em Parma e Trieste, e no Musikverein de Viena. O seu repertório inclui, entre outros, os papéis de Duca/Rigoletto, Alfredo/La Traviata, Rodolfo/Luisa Miller, Renato/Un ballo in Maschera, Gabriele Adorno/Simone Boccanegra, Ismaele/Nabucco, Edgardo/Lucia di Lammermoor, Pollione/Norma, Rodolfo/La Bohème, Pinkerton/Madama Butterfly, Narraboth/Salomé. Em concerto, apresentou-se na Glagolitische Messe de Janacek, na Messa di Gloria de Puccini, na Petite Messe Solennelle e no Stabat Mater de Rossini, e ainda no Requiem de Dvorak. 

A CNB é o organismo de produção artística que tem como missão assegurar a prestação de um serviço público no domínio da dança, no âmbito de um projeto cultural centrado na promoção do acesso dos cidadãos à fruição desta atividade artística e no reforço dos padrões de qualidade da criação e produção profissionais da dança em Portugal e no estrangeiro. Ao longo de mais de quatro décadas de existência tem apresentado obras de referência do reportório internacional, quer as incontornáveis do dito clássico, quer as de coreógrafos como George Balanchine, Kurt Jooss, José Limón, Anne Teresa De Keersmaeker, William Forsythe, Hans van Manen, Jiří Kylián, Akram Khan, Sasha Waltz, Sidi Larbi Cherkaoui, Alexander Ekman, entre outros. Paralelamente tem apostado em encomendas geradoras de uma identidade própria, com especial destaque nos convites a autores portugueses Armando Jorge, Olga Roriz, Rui Lopes Graça, Vasco Wellenkam, Rui Horta, Fernando Duarte, Tiago Rodrigues, Victor Hugo Pontes, Tânia Carvalho, Clara Andermatt, Sónia Baptista, Filipe Portugal e Marco da Silva Ferreira, entre outros. 

A interligação com distintas áreas da criação artística tem sido, também, uma preocupação de muitas dessas encomendas envolvendo importantes nomes da música, teatro, cinema ou artes plásticas e aproveitando a versatilidade de um elenco, atualmente dirigido artisticamente por Carlos Prado. 

Leonel Pinheiro é licenciado pela Universidade de Aveiro e pós-graduado pela Royal Scottish Academy of Music & Drama, Opera School (Mestrado), Guildhall School of Music & Drama. Trabalha regularmente com o Wexford Festival Opera, cantou Kozak Maria/Showman A Village Romeo and Juliet, Achille di Rosalba/Felice Il cappello di paglia di Firenze. Destacam-se dos papéis interpretados: Don Jose/ Carmen (Mid Wales Opera) encenação Sir Jonathan Miller, Macduff /Macbeth (Scottish Opera), Alfredo La traviata (Bermuda Festival, European Chamber Opera, Bangkok Grand Opera) com récitas na Tailândia, Bermudas, Índia, Paquistão, Coreia do Sul e Bahrain. Luigi/Il tabarro, Samson/Samson et Dalila (Grimeborn Opera Festival), Cavaradossi /Tosca (Musique Cordiale Festival, Wimbledon International Music Festival). Turiddu/Cavalleria rusticana (Coliseu Micaelense).  

Em concerto/oratória, destaca-se a estreia no Royal Festival Hall em Requiem de Mozart com a English Chamber Orchestra/Philharmonia Chorus e Das Lied von Der Erde de Mahler com a Orquestra Metropolitana de Lisboa, no Centro Cultural de Belém.   

© Viúva

O vasto repertório do barítono espanhol inclui mais de 50 papéis em alguns dos mais importantes palcos do mundo. 

Como cantor verdiano, destacam-se as suas interpretações de Conte di Luna, Giorgio Germont, Paolo, Jago, Nabucco, Macbeth, Attila, Rigoletto, Amonasro, Falstaff e Ford. O seu repertório verista inclui Sharpless, Scarpia, Marcello, Guglielmo em Le villi, Lescaut, Michele ou Alfio e Tonio, papéis que interpretou em alguns dos mais conceituados palcos e cidades internacionais, como Théâtre des Champs-Elysées, Metropolitan Opera, Berlin Staatsoper, Teatro Real de Madrid, Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Concertgebow Amsterdam, Hamburg, Lausanne, Maggio Musical Fiorentino, Teatro La Maestranza, Palau de les Arts, Ópera de Tenerife, Teatro Bellini (Palermo), Helsínquia, Ópera de Las Palmas de Gran Canaria, Arena di Verona, Deutsche Oper Berlin, Teatro Nacional de São Carlos, Tetaro di San Carlo de Nápoles, Opéra de Nice, Chorégie d’Orange, Toulouse e Palma de Maiorca. 

No âmbito do bel canto, já se apresentou em importantes papéis de barítono como Don Pasquale.  O seu repertório francês abrange o seu notável Escamillo, além de Albert, Mercutio, Athanael e Grand Prête. É também um ilustre interpréte de Zarzuela. 

A sua discografia inclui Pagliacci, Il viaggio a Reims, Katiuska e La vida breve de Falla, para a etiqueta Deutsche Grammophon. 

Primeira harpista a ganhar o prémio nacional Jovem Músico do Ano, a «virtuosa harpista» (Prémio Jovens Músicos) Beatriz Cortesão tem vindo a cativar público a nível global com a sua «energia contagiosa» complementada por uma «técnica impressionante» (Harp Column). Entre os prémios internacionais conquistados, destaca-se o Prémio Mário Falcão no 21.º Concurso Internacional de Harpa, em Israel.

Enquanto solista, apresentou-se com a Orquestra Sinfónica de Jerusalém, Orquestra Gulbenkian, Real Filarmonia da Galiza e com a Orquestra Clássica do Centro. Estreou a obra  Hybris para harpa solo e orquestra de Alejandro Civilotti no Noia Harp Fest (2023), e tem vindo a apresentar-se como solista em Israel, Itália, Portugal, Rússia, Eslovénia, Espanha e Suiça. É primeira harpa da Accademia Teatro Alla Scala, em Milão, e foi harpista da Orquestra de Jovens da União Europeia (2020). Colabora regularmente com o Ensemble D’Arcos, e é cofundadora do duo AnimArpa, com Carolina Coimbra. Beatriz Cortesão estudou harpa desde jovem com Eleonor Picas, Beatrix Schmidt, Rita Campos e Erica Versace. A academia HarpMasters desempenhou um papel vital no desenvolvimento das suas capacidades pessoais e artísticas, desde 2012. Detém a licenciatura e o mestrado em performance da música, com a mais alta distinção, da Civica Scuola di Musica Claudio Abbado, na classe de Irina Zingg. 

© Lorenzo Gorini

Os Estúdios Victor Córdon são uma plataforma criativa pertencente ao OPART, cuja missão é o apoio à comunidade artística independente. A sua programação pretende dar voz às necessidades de criadores(as) e intérpretes, nomeadamente no registo e transmissão dos seus discursos, pensamento em torno da criação artística e impacto na realidade social. Promovendo diferentes visões, os Estúdios olham as rotas da língua portuguesa como lugares de encontro, e refletem sobre o papel da criação artística no processo de aproximação de culturas, através do diálogo com as comunidades migrantes residentes em Portugal, em especial com as comunidades afrodescendentes, destacando a importância da sua presença nas instituições culturais e na sociedade em geral. Os EVC dão apoio à criação a artistas, festivais e instituições de ensino, com especial dedicação no suporte dado a jovens intérpretes e criadores(as) em início de carreira.  

©Guilherme Gouveia

João Freitas Sousa nasceu em 2007, em Fafe, distrito de Braga. Iniciou em 2013 os seus estudos na Academia de Música José Atalaya, em Fafe, na classe de clarinete de José Ricardo Freitas, tendo concluído até à data o 6.º grau. Participou e foi laureado em dezanove concursos de clarinete (nacionais e internacionais), tendo obtido o 1.º prémio em dezasseis deles, dos quais se destacam o Prémio Jovens Músicos 2023, categoria A – solista, clarinete (nível médio) e o Grande Prémio da Música Lions 2024.  

Integra, ainda, a Banda de Música de Cabeceiras, participando, também:  na Orquestra de Clarinetes Jaime Carriço, da Academia de Clarinete Marcos Romão dos Reis Jr.; na orquestra de clarinetes Invicta All Stars; na Orchestra Club, assim como na Orquestra Sinfónica Ensemble como 1.º clarinete. Participou em diversas masterclasses com clarinetistas e pedagogos de referência, tais como António Saiote, Piero Di Vicenti, Nuno Silva, Gabor Varga, Esther Georgie, Nuno Pinto, Cologero Palermo, Arek Adamski, Arno Piters, Josep Fuster, Joan Lluna, Keith Lipson, Florent Héau, Jérôme Voisin, Philippe Cuper, Philippe Berrod, Patrick Messina, Luís Carvalho, David Medina, Mariano Rey, Iva Barbosa, Manuel Jerónimo, Luís Gomes, Esteban Valverde, Jorge Camacho, Giovanni Punzi, Victor Pereira, entre outros.

Vesselina Kasarova nasceu em Stara Zagora (Bulgária) e começou a tocar piano ainda em tenra idade. Após obter o diploma de pianista de concerto, estudou canto com Ressa Koleva na Academia de Música de Sófia. Posteriormente, foi contratada pela Ópera de Zurique, onde rapidamente se impôs como uma das cantoras mais queridas  do público, tendo sido aclamada pela imprensa internacional como uma grande revelação. Nesse mesmo ano, ganhou igualmente o 1º Prémio no concurso de canto alemão “Neue Stimmen” em Gütersloh. Dois anos mais tarde, Vesselina Kasarova estreou-se no Festival de Salzburgo e na Ópera Estatal de Viena. Desde então, tem interpretado um vasto repertório nas principais casas de óperas e de concerto da Europa, dos EUA e do Japão, incluindo a Royal Opera House Covent Garden, o Gran Teatre del Liceu de Barcelona, a Ópera Estatal da Baviera, a Ópera Nacional de Paris, o Teatro alla Scala de Milão, a Lyric Opera de Chicago, a Metropolitan Opera, a Ópera de São Francisco, o Teatro Nacional de São Carlos, o Teatro Real de Madrid, o Maggio Musicale Fiorentino e o Rossini Opera Festival em Pesaro. Gravou numerosos recitais e óperas completas como artista exclusiva da RCA e para outras companhias e foi galardoada com o prémio “Bayerische Kammersängerin” e “Österreichische Kammersängerin”.

A soprano Ana Sofia Ventura concluiu a sua licenciatura na Escola Superior de Música de Lisboa e posteriormente integrou a International Opera Academy em Gante, na Bélgica. 

Estreou, no Teatro Nacional de São Carlos, a ópera O Rouxinol de Sérgio Azevedo, com os papéis de Rouxinol e Rouxinol Mecânico. Estreou recentemente a ópera portuguesa Madrugada: razões de um movimento, co-produção MPMP e Orquestra do Algarve. Dos seus papéis operáticos destacam-se os papéis mozarteanos Königin der Nacht, Susanna e Zerlina. Interpretou também Sra. T em Manifesto NaDa, de A. Sousa Dias, Cathleen em Riders to the Sea, de V. Williams, Belinda em Dido and Aeneas, de H. Purcell, Cephisa em Orpheus, de G. P. Telemann, Civene em Le Cinesi, de C. W. Gluck. 

Participou na estreia moderna de La Ninfa del Tago de A. Scarlatti, no papel de Tirsi, com a OML sob a direção de Enrico Onofri, e participou também na 4ª Sinfonia de Mahler, sob a direção de Miguel Romea. 

No contexto de oratória, interpretou The Messiah de G. F. Händel, Messe in h-Moll de J. S. Bach, Lauda per la Navità del Signore de O. Respighi como Anjo, Wie der Hirsch Schreit de F. Mendelssohn. 

Natural de Roma, licenciou-se em piano, composição, música coral e direção de orquestra na Academia de Santa Cecília. Aperfeiçoou-se com Zoltán Peskó, Vladimir Delman e Rudolf Barshai, tendo alcançado o 3.º prémio no Concurso Arturo Toscanini de Parma. De 1995 a 2001, foi diretor musical no Teatro de Ópera de Ancara, ocupando, de 2001 a 2005, o mesmo cargo na Ópera Estatal de Istambul. Dos compromissos passados e mais recentes, destacam-se: Lucia di Lammermoor em Buenos Aires e Bari; La Gioconda em Santander; Andrea Chénier em Berlim e na Catânia; Macbeth em Lisboa; Aida em Copenhaga e Caracalla; Il trovatore, Anna Bolena e Ernani na Catânia; Tosca em Florença e Bari; Turandot em Copenhaga, Verona e Catânia; Aroldo em Bilbau; Il barbiere di Siviglia em Tóquio, Valência e Verona; Carmen em Copenhaga e Avenches; Faust em Tóquio e Santander; Un ballo in maschera em Salerno e Lisboa; Madama Butterflyem Ancona; Medea no circuito As.Li.Co.; Norma em Trapani e Spalato; Attila em Lecce e Roma; Otello em Lisboa; Manon Lescaut em Torre del Lago; Nabucco em Caracalla e Lisboa; Rigoletto em Tóquio, Falstaff em Xangai; e La forza del destino em Lisboa. É, atualmente, maestro titular da Orquestra Sinfónica Portuguesa. 

© Bruno Simão

Henrique Pimentel tem colaborado em 2024 com o Teatro Nacional de São Carlos em vários projectos. Foi responsável pela reposição de Madama Butterfly, encenada por Jacopo Spirei, e depois assistente do mesmo encenador na sua recente produção de Falstaff. Assina agora a encenação de dois concertos no âmbito do Festival ao Largo 2024. Anteriormente, realizou estágios com os encenadores Vincent Huguet em Così Fan Tutte (Staatsoper de Berlim, 2021) e Christophe Gayral em La Bohème (69º Festival Puccini em Torre del Lago, 2023). 

É licenciado e mestre em Arquitectura pela Universidade de Coimbra, tendo iniciado a sua actividade profissional e multidisciplinar no atelier de Luísa Bebiano. A partir de 2022 dedicou-se exclusivamente a projetos nas áreas da cenografia, direção de arte para cinema e encenação, colaborando com outros nomes importantes como Luis F. Carvalho, Artur Pinheiro, Augusto Mayer e Nuno Carinhas. 

Criada em 1993, a Orquestra Sinfónica Portuguesa (OSP) é um dos corpos artísticos do Teatro Nacional de São Carlos e tem vindo a desenvolver uma atividade sinfónica própria, incluindo uma programação regular de concertos, participações em festivais de música nacionais e internacionais. Colabora regularmente com a Rádio e Televisão de Portugal através da transmissão dos seus concertos e óperas pela Antena 2, designadamente a realização da tetralogia O anel do Nibelungo, transmitida na RTP2, e da participação em iniciativas da própria RTP, como o Prémio Pedro de Freitas Branco para Jovens Chefes de Orquestra, o Prémio Jovens Músicos-RDP e a Tribuna Internacional de Jovens Intérpretes. No âmbito das temporadas líricas e sinfónicas, a OSP tem-se apresentado sob a direção de notáveis maestros, como Rafael Frühbeck de Burgos, Alain Lombard, Nello Santi, Alberto Zedda, Harry Christophers, George Pehlivanian, Michel Plasson, Krzysztof Penderecki, Djansug Kakhidze, Milán Horvat, Jeff rey Tate e Iuri Ahronovitch, entre outros. A discografia da OSP conta com dois CD para a etiqueta Marco Polo, com as Sinfonias n.os 1, 3, 5e 6 de Joly Braga Santos, que gravou sob a direção do seu primeiro maestro titular, Álvaro Cassuto, e Crossing borders (obras de Wagner, Gershwin e Mendelssohn), sob a direção de Julia Jones, numa gravação ao vivo pela Antena 2. Recentemente, em maio de 2022, foi lançado o CD editado pela Naxos com obras de Fernando Lopes-Graça, sob a direção de Bruno Borralhinho. No cargo de maestro titular, seguiram-se José Ramón Encinar (1999-2001), Zoltán Peskó (2001-2004) e Julia Jones (2008-2011); Donato Renzetti desempenhou funções de primeiro maestro convidado entre 2005 e 2007. Joana Carneiro foi maestrina titular de 2014 a 2021. Atualmente, a direção musical está a cargo de Antonio Pirolli, seu maestro titular. 

© David Rodrigues

Criada em 1993, a Orquestra Sinfónica Portuguesa (OSP) é um dos corpos artísticos do Teatro Nacional de São Carlos e tem vindo a desenvolver uma atividade sinfónica própria, incluindo uma programação regular de concertos, participações em festivais de música nacionais e internacionais. Colabora regularmente com a Rádio e Televisão de Portugal através da transmissão dos seus concertos e óperas pela Antena 2, designadamente a realização da tetralogia O anel do Nibelungo, transmitida na RTP2, e da participação em iniciativas da própria RTP, como o Prémio Pedro de Freitas Branco para Jovens Chefes de Orquestra, o Prémio Jovens Músicos-RDP e a Tribuna Internacional de Jovens Intérpretes. No âmbito das temporadas líricas e sinfónicas, a OSP tem-se apresentado sob a direção de notáveis maestros, como Rafael Frühbeck de Burgos, Alain Lombard, Nello Santi, Alberto Zedda, Harry Christophers, George Pehlivanian, Michel Plasson, Krzysztof Penderecki, Djansug Kakhidze, Milán Horvat, Jeff rey Tate e Iuri Ahronovitch, entre outros. A discografia da OSP conta com dois CD para a etiqueta Marco Polo, com as Sinfonias n.os 1, 3, 5e 6 de Joly Braga Santos, que gravou sob a direção do seu primeiro maestro titular, Álvaro Cassuto, e Crossing borders (obras de Wagner, Gershwin e Mendelssohn), sob a direção de Julia Jones, numa gravação ao vivo pela Antena 2. Recentemente, em maio de 2022, foi lançado o CD editado pela Naxos com obras de Fernando Lopes-Graça, sob a direção de Bruno Borralhinho. No cargo de maestro titular, seguiram-se José Ramón Encinar (1999-2001), Zoltán Peskó (2001-2004) e Julia Jones (2008-2011); Donato Renzetti desempenhou funções de primeiro maestro convidado entre 2005 e 2007. Joana Carneiro foi maestrina titular de 2014 a 2021. Atualmente, a direção musical está a cargo de Antonio Pirolli, seu maestro titular. 

© David Rodrigues

É, desde janeiro de 2021, maestro titular do Coro do Teatro Nacional de São Carlos. Estudou trombone, composição, música coral e direção coral no Conservatório de Música Giuseppe Verdi, em Milão. De 2016 a janeiro de 2021, foi maestro do Coro da Devlet Opera Ve Balesi de Ancara e, de 2018 a janeiro de 2021, desempenhou as funções de orientador vocal do Coro da Rádio e Televisão da Turquia. Simultaneamente à sua carreira como barítono solista, prosseguiu a atividade como maestro de coro, a partir de 1993, quando criou o Schola Cantorum «Cantate Domino» de Carbonate (Itália). Em 1996, fundou o Coro «Euphonia», em Carbonate, do qual foi diretor artístico e orientador vocal. O Coro «Euphonia» foi levado à descoberta do mundo da ópera, tendo interpretado, ao longo dos anos, os mais importantes títulos do repertório melodramático. De janeiro de 2002 a 2016, dirigiu o Coro Lirico dell’Associazione Musicale Calauce de Calolziocorte (Itália). De 2006 a 2016, dirigiu o coro lírico «Corale Arnatese» e, de setembro de 2012 a 2015, foi o maestro do Coro Operístico de Mendrisio (Suíça). Em 2015, fundou o Coro Sinfónico Ticino. Durante vários anos, lecionou técnica, pedagogia e didatismo de canto para maestros de coro, em cursos organizados pela Unione Società Corali Italiane, da qual foi membro do Comité Artístico. Como freelancer, é regularmente convidado, por ensembles e coros, a orientar masterclasses e cursos de canto, tanto em Itália como no resto do mundo. 

© Bruno Frango

É, desde janeiro de 2021, maestro titular do Coro do Teatro Nacional de São Carlos. Estudou trombone, composição, música coral e direção coral no Conservatório de Música Giuseppe Verdi, em Milão. De 2016 a janeiro de 2021, foi maestro do Coro da Devlet Opera Ve Balesi de Ancara e, de 2018 a janeiro de 2021, desempenhou as funções de orientador vocal do Coro da Rádio e Televisão da Turquia. Simultaneamente à sua carreira como barítono solista, prosseguiu a atividade como maestro de coro, a partir de 1993, quando criou o Schola Cantorum «Cantate Domino» de Carbonate (Itália). Em 1996, fundou o Coro «Euphonia», em Carbonate, do qual foi diretor artístico e orientador vocal. O Coro «Euphonia» foi levado à descoberta do mundo da ópera, tendo interpretado, ao longo dos anos, os mais importantes títulos do repertório melodramático. De janeiro de 2002 a 2016, dirigiu o Coro Lirico dell’Associazione Musicale Calauce de Calolziocorte (Itália). De 2006 a 2016, dirigiu o coro lírico «Corale Arnatese» e, de setembro de 2012 a 2015, foi o maestro do Coro Operístico de Mendrisio (Suíça). Em 2015, fundou o Coro Sinfónico Ticino. Durante vários anos, lecionou técnica, pedagogia e didatismo de canto para maestros de coro, em cursos organizados pela Unione Società Corali Italiane, da qual foi membro do Comité Artístico. Como freelancer, é regularmente convidado, por ensembles e coros, a orientar masterclasses e cursos de canto, tanto em Itália como no resto do mundo. 

© Bruno Frango

O Coro do Teatro Nacional de São Carlos, criado em 1943 sob a titularidade de Mario Pellegrini, tem atuado sob a direção de importantes maestros (Pedro de Freitas Branco, Votto, Serafin, Gui, Giulini, Klemperer, Zedda, Solti, Santi, Rescigno, Navarro, Rennert, Burgos, Conlon, Christophers, Plasson e Minkowski, entre outros) e colaborado com marcantes encenadores (Pountney, Carsen, Vick). Entre 1962 e 1975, o Coro colaborou nas temporadas da Companhia Portuguesa de Ópera (Teatro da Trindade), tendo-se deslocado com a mesma à Madeira, aos Açores, a Angola e a Oviedo. O conjunto tem regularmente abordado o repertório de compositores nacionais (Alfredo Keil, Augusto Machado) e tem participado em estreias mundiais de óperas de Fernando Lopes-Graça, António Victorino d’Almeida, António Chagas Rosa, Nuno Côrte-Real. Em 1980, formou-se um primeiro núcleo coral a tempo inteiro e, três anos depois, assumiu-se a profissionalização plena, sob a direção de Antonio Brainovitch. A partir de 1985, a afirmação artística do conjunto foi creditada a Gianni Beltrami e o titular seguinte foi João Paulo Santos. Sob a responsabilidade destes dois maestros, o Coro registou marcantes êxitos internacionais: Grande messe des morts de Berlioz (1989–Turim); Requiem de Verdi (1991–Bruxelas); Concerto Henze/Corghi (1997–Festival de Granada). Giovanni Andreoli assumiu o cargo em 2004. Sob a sua direção, o Coro averbou êxitos num vasto e variado repertório. Em 2005, o Coro foi convidado pela Ópera de Génova para participar em récitas da ópera Billy Budd de Britten, convite que se repetiu em 2015. Giampaolo Vessella é o maestro titular desde janeiro de 2021.   

O Coro do Teatro Nacional de São Carlos, criado em 1943 sob a titularidade de Mario Pellegrini, tem atuado sob a direção de importantes maestros (Pedro de Freitas Branco, Votto, Serafin, Gui, Giulini, Klemperer, Zedda, Solti, Santi, Rescigno, Navarro, Rennert, Burgos, Conlon, Christophers, Plasson e Minkowski, entre outros) e colaborado com marcantes encenadores (Pountney, Carsen, Vick). Entre 1962 e 1975, o Coro colaborou nas temporadas da Companhia Portuguesa de Ópera (Teatro da Trindade), tendo-se deslocado com a mesma à Madeira, aos Açores, a Angola e a Oviedo. O conjunto tem regularmente abordado o repertório de compositores nacionais (Alfredo Keil, Augusto Machado) e tem participado em estreias mundiais de óperas de Fernando Lopes-Graça, António Victorino d’Almeida, António Chagas Rosa, Nuno Côrte-Real. Em 1980, formou-se um primeiro núcleo coral a tempo inteiro e, três anos depois, assumiu-se a profissionalização plena, sob a direção de Antonio Brainovitch. A partir de 1985, a afirmação artística do conjunto foi creditada a Gianni Beltrami e o titular seguinte foi João Paulo Santos. Sob a responsabilidade destes dois maestros, o Coro registou marcantes êxitos internacionais: Grande messe des morts de Berlioz (1989–Turim); Requiem de Verdi (1991–Bruxelas); Concerto Henze/Corghi (1997–Festival de Granada). Giovanni Andreoli assumiu o cargo em 2004. Sob a sua direção, o Coro averbou êxitos num vasto e variado repertório. Em 2005, o Coro foi convidado pela Ópera de Génova para participar em récitas da ópera Billy Budd de Britten, convite que se repetiu em 2015. Giampaolo Vessella é o maestro titular desde janeiro de 2021.   

Bin Chao nasceu no seio de uma família de músicos e começou a tocar violino aos seis anos de idade. Estudou no Conservatório Central de Música de Pequim, onde se diplomou com distinção, e concluiu um Mestrado em Música no Mannes College of Music de Nova Iorque, onde estudou com o violinista David Nadien.

O violinista e crítico musical Henry Roth elogiou a musicalidade e a técnica sólida de Bin Chao no seu livro Grandes Violinistas, livro este que faz uma análise sobre os 100 maiores violinistas do século XX, de acordo com a perspetiva do seu autor.

Em 1984 foi 2.º classificado no Concurso Nacional de Violino da China. Como solista, recitalista e músico de câmara, atuou por toda a Europa e na América do Norte. Mudou-se para Lisboa em 1991, tendo participado nos principais festivais de música em Portugal e ainda no Festival de Aspen e no Festival Schumann de Nova Iorque.

Em 2001 foi solista convidado no prestigiado Annual English Handbell Festival, em Nova Iorque. Entre 1999 e 2001, ensinou violino em Nova Iorque, integrado na iniciativa da Fundação Midori de levar a música às escolas públicas. Foi professor na Universidade de Évora e desde 2007 ensina violino, viola e música de câmara no Instituto Piaget. Desde 2010, colabora com o Conservatório de Música da Universidade de Lawrence, em Appleton, Wisconsin, nos Estados Unidos da América. Bin Chao toca num violino Carlo Giuseppe Testore de 1715, tendo também instrumentos dos luthiers Antonio Capela e Judith Bauer, entre outros. Desde 2014, é professor de violino na Escola Superior de Música de Lisboa.

Natural de Roma, licenciou-se em piano, composição, música coral e direção de orquestra na Academia de Santa Cecília. Aperfeiçoou-se com Zoltán Peskó, Vladimir Delman e Rudolf Barshai, tendo alcançado o 3.º prémio no Concurso Arturo Toscanini de Parma. De 1995 a 2001, foi diretor musical no Teatro de Ópera de Ancara, ocupando, de 2001 a 2005, o mesmo cargo na Ópera Estatal de Istambul. Dos compromissos passados e mais recentes, destacam-se: Lucia di Lammermoor em Buenos Aires e Bari; La Gioconda em Santander; Andrea Chénier em Berlim e na Catânia; Macbeth em Lisboa; Aida em Copenhaga e Caracalla; Il trovatore, Anna Bolena e Ernani na Catânia; Tosca em Florença e Bari; Turandot em Copenhaga, Verona e Catânia; Aroldo em Bilbau; Il barbiere di Siviglia em Tóquio, Valência e Verona; Carmen em Copenhaga e Avenches; Faust em Tóquio e Santander; Un ballo in maschera em Salerno e Lisboa; Madama Butterflyem Ancona; Medea no circuito As.Li.Co.; Norma em Trapani e Spalato; Attila em Lecce e Roma; Otello em Lisboa; Manon Lescaut em Torre del Lago; Nabucco em Caracalla e Lisboa; Rigoletto em Tóquio, Falstaff em Xangai; e La forza del destino em Lisboa. É, atualmente, maestro titular da Orquestra Sinfónica Portuguesa. 

© Bruno Simão

Diogo Costa é, atualmente, um dos jovens maestros mais ativos do país. Entre os seus projetos recentes e futuros incluem-se os convites para a Orquestra Gulbenkian, a Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música, a Orquestra Metropolitana de Lisboa, bem como para várias orquestras regionais do país. Em Inglaterra, dirigiu a Hallé Orchestra e a Filarmónica da BBC, em Manchester, a Orquestra Nacional de Gales da BBC, e a West European Studio Orchestra, com a qual tem vindo a gravar em diversos estúdios, entre eles o lendário Abbey Road, em Londres.  

Nutrindo um interesse especial pela ópera, trabalhou como maestro assistente de Lorenzo Viotti na produção da ópera Roméo et Juliette de Gounod, com a Orquestra e Coro Gulbenkian, e também enquanto maestro assistente de David Azagra na produção da ópera L’elisir d’amore de Donizetti, em Espanha. Em 2021, estreou-se enquanto maestro principal na produção da ópera The Medium de Menotti, no Operafest Lisboa, que recebeu as melhores críticas internacionais.   

Presença constante em diversos concursos internacionais, foi recentemente laureado no Prémio Jovens Músicos em direção de orquestra. Em 2020, foi finalista no Mackerras Fellowship da Ópera Nacional de Inglaterra e semi-finalista na Siemens Hallé International Conducting Competition.   

Jermaine Maurice Spivey é um coreógrafo norte-americano em clara ascensão, que, a par de uma brilhante carreira enquanto intérprete, convoca ativamente a ideia de uma prática colaborativa nos seus processos de criação. De 2002 a 2017, viveu e trabalhou predominantemente na Europa, tendo sido membro do Ballet Gulbenkian e do Cullberg Ballet. Trabalhou como artista convidado para a Hofesh Shechter Company, Robyn Live 2016, The LID, Arias Company e The Forsythe Company de 2013 a 2015, entre outras colaborações. É membro da companhia Kidd Pivot desde 2008. Como coreógrafo, já lhe foram comissionados trabalhos pela companhia Salt Contemporary Dance (EUA), Rambert 2 (RU), LA Dance Project (EUA), The Broad Museum (EUA), Christina Aguilera Live at The Hollywood Bowl com Gustavo Dudamel e a LA Phil, e, mais recentemente, Hubbard Street Dance Chicago (EUA), NDT 2 (Países Baixos) e Ballet Flanders (Bélgica). Em colaboração com o seu companheiro e parceiro artístico Spenser Theberge, Spivey criou as obras Rather This Then e Position 3. Spivey orienta ainda práticas de dança por toda a América do Norte e Europa. 

© Jermaine Spivey

Alexandre Andrade, Gonçalo Brandão, Manuel Dias e Pedro Simões, naturais dos distritos de Aveiro, Viseu e Porto, formam o Ketuk Quartet. O projeto surgiu a partir do trabalho realizado no grupo de percussão da Escola Profissional de Música de Espinho com o objetivo de concorrer ao Prémios Jovens Músicos, objetivo que foi realizado com a obtenção do primeiro prémio no PJM 2023 na categoria de música de câmara - nível médio. Destaca-se ainda a atuação no grande auditório da Fundação Calouste Gulbenkian no âmbito do Festival Jovens Músicos. Atualmente, o quarteto procura contribuir para a relevância da percussão na música de câmara.

Compositor e maestro, Pedro Amaral (Lisboa, 1972) é um dos músicos mais ativos da sua geração. Iniciou os seus estudos com Fernando Lopes-Graça, em 1986. Graduou-se na Escola Superior de Música de Lisboa (1994) e no Conservatório de Paris (CNSM), onde obteve o Primeiro Prémio em Composição por unanimidade do júri (1998). Estudou direção de orquestra com Emilio Pomàrico e com Peter Eötvös, de quem foi assistente.

Prosseguiu estudos universitários na École des Hautes Études en Sciences Sociales, obtendo um Mestrado em Musicologia Contemporânea (1998) e um Doutoramento (2003) com uma tese sobre Momente, de K. Stockhausen.

Trabalhou no IRCAM, em Paris, como compositeur en recherche, compondo e estreando diversas obras para meios instrumentais e eletrónica em tempo real, tornando-se presença assídua em muitos dos mais importantes festivais internacionais. Em 2006 gravou o seu primeiro disco monográfico, com a London Sinfonietta, sob a sua direção. As suas óperas O Sonho e Beaumarchais foram estreadas em Londres (2010) e Lisboa (Teatro Nacional Dona Maria II, 2017), respetivamente.

Foi compositor residente na Herrenhaus Edenkoben (Alemanha, 2001), na Villa Medici (antigo Prix de Rome, 2004/05) e no Palácio Lenzi (Florença, 2006). Professor da Universidade de Évora desde 2007, é membro da Academia de Belas Artes desde 2017.

Em cada temporada, Pedro Amaral dirige numerosos concertos em Portugal e no estrangeiro, com um repertório que se estende do Classicismo vienense à contemporaneidade, empenhando-se em projetos de amplo significado como o que dirigiu em Milão, no Teatro alla Scala, com a Orquestra Sinfónica Nacional da RAI de Turim e o violinista Vadim Repin, em maio de 2022, 11 semanas após a invasão da Ucrânia, com um apelo à Paz em tempos de guerra.

Com uma ampla experiência na programação de concertos, temporadas e festivais, desempenhou as funções de Maestro Titular da Orquestra do Conservatório Nacional (2007/08), do Sond’Arte Electric Ensemble (2007/10) e da Orquestra Metropolitana de Lisboa, funções que acumulou com as de Diretor Artístico (2013/20).

Iniciou os seus estudos de ballet em 1961 no Grupo Verde Gaio e, em 1968 ingressou no Ballet Gulbenkian. Em 1975 formou-se em Dança Moderna na Escola de Dança Contemporânea de Martha Graham, em Nova Iorque. Durante mais de duas décadas desempenhou funções de coreógrafo residente no Ballet Gulbenkian, onde criou dezenas de obras que marcaram o estilo da companhia. Além disso, foi regularmente convidado a coreografar em diversas companhias estrangeiras, nomeado professor de Dança Moderna na Escola de Dança do Conservatório Nacional e professor coordenador na Escola Superior de Dança. Também atuou como diretor artístico do Festival de Sintra na área da dança e do Teatro Camões, além de ser diretor artístico da CNB. 

Em 1997 fundou, juntamente com Graça Barroso, a Companhia Portuguesa de Bailado Contemporâneo (CPBC), que estreou em abril de 1998, no Brasil. Recebeu várias distinções ao longo da sua carreira, sendo condecorado como Comendador da Ordem do Infante D. Henrique pelo então Presidente da República, Dr. Mário Soares, em 10 de junho de 1994. 

Atualmente, ocupa o cargo de Presidente da Direção e coreógrafo principal na CPBC. Em 2021 confiou a direção artística a Cláudia Sampaio, uma das bailarinas fundadoras da companhia. 

Em janeiro de 2024 foi agraciado com a Medalha de Mérito Cultural da Câmara Municipal de Lisboa. 

© Kinema

«Uma notável artista, uma cantora inata (...) com uma voz bonita e redonda, uma presença excecional em palco, com uma messa di voiceque após a Caballé é muito difícil de encontrar» (diretor do Festival Oper im Berg). Estreou-se em Salzburgo (Festival Oper im Berg) com o papel titular em Lucia di Lammermoor, em prestação muito aclamada pela crítica e pelo público.

Interpretou os papéis Musetta no TNSC onde recebeu os melhores elogios da critica pública - «The highlight was Bárbara Barradas as Musetta. A scene-stealing actress, she really brought out the heartfelt generosity of her character and has this wonderfully poised, silvery soprano with an easy top» - by OperaTraveller. Na sua carreira, já interpretou Lucia, Gilda, Corinna, Valencienne, Le Feu e Le Rossignol, Susanna, Barbarina, La Fèe, Frasquita, Donna Anna, Zerlina, Königin der Nacht, Ines di Castro, entre outros. Estreou no Teatro da Trindade, o papel de Bruna da ópera Canção do Bandido de Nuno Côrte-Real, com encenação de Ricardo Neves-Neves. Na Culturgest, também em estreia absoluta, foi a solista de Tremor de Nuno Côrte-Real, obra que gravou em Berlim. Canta regularmente com as mais prestigiadas orquestras nacionais e internacionais. Foi bolseira da Fundação Gulbenkian, formou-se em Londres com distinção (BMus e MMus) na Guildhall School of Music and Drama. Fez também pós-graduações na International Opera Academy e na WIAV. Ganhou vários prémios e bolsas de estudo em inúmeras competições nacionais e internacionais.

É fundadora e mentora do «Empodera-te na Voz» e da marca «EmpoderARTE», é também co-fundadora da ArtAllurement.

Dedicado à performance do batuku, as Batucadeiras das Olaias surgem com o objetivo de partilhar, divulgar, reivindicar e exaltar a história, a memória e a cultura cabo-verdiana. A celebração é uma representação central da cultura de Cabo Verde e das comunidades cabo-verdianas na diáspora. Não se prendem apenas à música, ritmo e arte, mas sobretudo ao sentido de amizade, familiaridade, vizinhança e sociabilidade.  
A partir das próprias músicas autorais, o grupo partilha as suas memórias, conhecimentos e histórias de vida, gerando uma evasão da vida quotidiana e uma marcação identitária no contexto migratório. Além disso, promovem o fortalecimento dos laços comunitários e a preservação das tradições culturais. As performances das Batucadeiras das Olaias são momentos de união e celebração, onde a música e a dança se tornam uma linguagem comum que transcende fronteiras. Elas representam não apenas um resgate cultural, mas também uma forma de resistência e afirmação da identidade cabo-verdiana no mundo.  

Estudou na Guildhall School of Music and Drama, em Londres, onde obteve a licenciatura em canto e mestrado (curso de ópera) como bolseira da

Fundação Calouste Gulbenkian. O seu repertório de ópera inclui, entre outros: Preziosilla em La forza del destino; Dorabella em Così fan tutte; Jocasta

em Oedipus rex; Ježibaba em Rusalka; Suzuki em Madama Butterfly; Maddalena em Rigoletto; Eboli em Don Carlo; Madame de Croissy em Dialogues

des carmélites; papel titular em Carmen; Santuzza em Cavalleria rusticana; Condessa di Coigny e Madelon em Andrea Chénier; Siebel em Faust e Azucena em Il trovatore. Em concerto, interpretou como solista: Messa da Requiem de Verdi; Requiem

de Mozart; Stabat Mater de Pergolesi; Oratória de Natal e Oratória de Páscoa e Paixão segundo São João de J. S. Bach; Petite messe solennelle de Rossini; Elijah

de Mendelssohn; Messiah de Händel; L’enfance du Christ de Berlioz; e 9.ª Sinfonia de Beethoven.

João Sanchez, 26 anos, nascido em Lisboa, maturado em Arruda dos Vinhos. Licenciado em Cinema pela Escola Superior de Teatro e Cinema, Freelancer na área audiovisual. Aos 17 anos estreia o seu primeiro filme, Pecado, na Cinemateca Portuguesa. Aos 18 cria o Colectivo Pagárrenda e estreia Nós os Arroianos, a sua primeira longa-metragem, na mesma sala. Desde então, realiza A maneira certa de encontrar casa, filme mais visto e artigo mais lido do Público em 2018. Realiza, edita e desenvolve vários projetos em colaboração com grandes empresas, músicos e ativações de marca. Em 2021 integra o júri do Festival de Cinema de Avanca e  cria a marca de roupa Bon Vivant. Em 2021 cria e interpreta juntamente com Maria Abrantes a performance Uma Água Por Favor e em 2023 o vídeo-dança Finimondo juntamente com Sofia Kafol.  

Ohad Naharin é coreógrafo residente da Batsheva Dance Company, coreógrafo convidado de inúmeras companhias e criador da linguagem de movimento Gaga. 

Nascido em 1952 em Mizra, Israel, entrou para a Batsheva Dance Company em 1974, apesar de ter pouca formação. Durante o seu primeiro ano, a coreógrafa convidada Martha Graham desafiou-o a juntar-se à sua própria companhia em Nova Iorque, onde Naharin fez a sua estreia coreográfica no estúdio de Kazuko Hirabayshi em 1980. Durante a década seguinte, apresentou trabalhos em Nova Iorque e no estrangeiro, incluindo peças para a Batsheva Dance Company, a Kibbutz Contemporary Dance Company e o Nederlands Dans Theater. Naharin trabalhou em estreita colaboração com a sua primeira mulher, Mari Kajiwara, até esta falecer de cancro em 2001. 

Em 1990 Naharin foi nomeado Diretor Artístico da Batsheva Dance Company e, no mesmo ano, criou a divisão júnior da companhia, Batsheva - the Young Ensemble. Desde então, criou mais de trinta obras para ambas as companhias e peças de cenário para muitas outras. Colaborou também com músicos como The Trator’s Revenge, Avi Balleli e Dan Makov, Ivri Lider e Grischa Lichtenberger. 

Sob o pseudónimo Maxim Waratt, compôs, editou e misturou muitas das suas próprias bandas sonoras. O trabalho de Naharin foi apresentado em vários filmes, incluindo Out of Focus (2007) de Tomer Heymann e Mr. Gaga (2015) dos irmãos Heymann. 

Para além do seu trabalho em palco, Naharin também desenvolveu Gaga, a inovadora pesquisa de movimentos e o treino diário dos bailarinos de Batsheva, que se espalhou internacionalmente entre bailarinos e não bailarinos. 

Cidadão de Israel e dos Estados Unidos, Naharin vive atualmente em Israel com a sua mulher, a bailarina e figurinista Eri Nakamura, e a sua filha, Noga. 

©Ilya Melnikov

Em 1962 a Fundação Calouste Gulbenkian decidiu estabelecer um agrupamento orquestral permanente. No início constituído apenas por doze elementos, foi originalmente designado por Orquestra de Câmara Gulbenkian. Ao longo de sessenta anos de atividade, a Orquestra Gulbenkian (denominação adotada desde 1971) foi sendo progressivamente alargada, contando hoje com um efetivo de cerca de sessenta instrumentistas que pode ser pontualmente expandido de acordo com as exigências de cada programa de concerto.  

Esta constituição permite à Orquestra Gulbenkian interpretar um amplo repertório que se estende do Barroco até à música contemporânea. Obras pertencentes ao repertório corrente das grandes formações sinfónicas tradicionais, nomeadamente a produção orquestral de Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Mendelssohn ou Schumann, podem ser dadas pela Orquestra Gulbenkian em versões mais próximas dos efetivos orquestrais para que foram originalmente concebidas, no que respeita ao equilíbrio da respetiva arquitetura sonora. 

Em cada temporada, a Orquestra Gulbenkian realiza uma série regular de concertos no Grande Auditório Gulbenkian, em Lisboa, em cujo âmbito tem tido ocasião de colaborar com alguns dos maiores nomes do mundo da música, nomeadamente maestros e solistas. Atua também com regularidade noutros palcos em diversas localidades do país, cumprindo desta forma uma significativa função descentralizadora. No plano internacional, por sua vez, a Orquestra Gulbenkian foi ampliando gradualmente a sua atividade, tendo até agora efetuado digressões na Europa, na Ásia, em África e nas Américas. 

No plano discográfico, o nome da Orquestra Gulbenkian encontra-se associado às editoras Philips, Deutsche Grammophon, Hyperion, Teldec, Erato, Adès, Nimbus, Lyrinx, Naïve e Pentatone, entre outras, tendo esta sua atividade sido distinguida, desde muito cedo, com diversos prémios internacionais de grande prestígio. A partir de setembro de 2023, O finlandês Hannu Lintu é o Maestro Titular da Orquestra Gulbenkian, sucedendo a Lorenzo Viotti. 

© FCGulbenkian

Akram Khan é um artista essencial e mundialmente reconhecido no campo da dança na atualidade. Ao longo dos últimos 23 anos, as suas obras têm contribuído significativamente para as artes no Reino Unido e no estrangeiro. Tem colaborado com artistas de outras culturas e disciplinas, tais como o Ballet Nacional da China, Juliette Binoche, Sylvie Guillem, Kylie Minogue, Florence + The Machine, Anish Kapoor, Antony Gormley, Tim Yip, Hanif Kureishi, Steve Reich, Nitin Sawhney, Jocelyn Pook ou Ben Frost. A obra de Khan é considerada profundamente comovente, chegando mesmo a poder ser lida como ritual, dada a influência que a dança clássica Kathak tem nela. Ao transportar elementos desta dança para as suas criações, Khan contribui para uma redefinição da nossa ideia do que é dançar. Ao longo da sua carreira, tem sido galardoado com inúmeras distinções.  

© Camilla Greenwell

Nascido em Tarouquela, Carlos Cardoso estudou na escola da Beira Interior com o maestro Ferreira. Foi o vencedor do 1º Prémio no Concurso Luísa Todi, do 3º Prémio no Concurso Magda Olivero, e do 1º Prémio no Concurso do Rotary Club, em Lisboa. Foi membro do Estúdio de Ópera do Teatro S. Carlos em Lisboa e da “Accademia del Teatro alla Scala” em Milão, no âmbito da qual participou de concertos e produções de ópera. Entre outras estreias, contam-se apresentações na Ópera Nacional Holandesa de Amesterdão, Teatro Verdi di Busseto para o Festival Parma Verdi, Teatro São Carlos em Lisboa, Stadttheater Klagenfurt, Ópera Vilnius e a Fundação Calouste Gulbenkian. Entre 2017 e 2023 foi membro do ensemble do Aalto Theater Essen. Como convidado, atuou também nas Óperas de Magdeburgo, Wiesbaden, Koblenz, Dortmund, Gelsenkirchen, Gärtnerplatz München, Ópera Nacional de Praga e Tirana, em Parma e Trieste, e no Musikverein de Viena. O seu repertório inclui, entre outros, os papéis de Duca/Rigoletto, Alfredo/La Traviata, Rodolfo/Luisa Miller, Renato/Un ballo in Maschera, Gabriele Adorno/Simone Boccanegra, Ismaele/Nabucco, Edgardo/Lucia di Lammermoor, Pollione/Norma, Rodolfo/La Bohème, Pinkerton/Madama Butterfly, Narraboth/Salomé. Em concerto, apresentou-se na Glagolitische Messe de Janacek, na Messa di Gloria de Puccini, na Petite Messe Solennelle e no Stabat Mater de Rossini, e ainda no Requiem de Dvorak. 

A CNB é o organismo de produção artística que tem como missão assegurar a prestação de um serviço público no domínio da dança, no âmbito de um projeto cultural centrado na promoção do acesso dos cidadãos à fruição desta atividade artística e no reforço dos padrões de qualidade da criação e produção profissionais da dança em Portugal e no estrangeiro. Ao longo de mais de quatro décadas de existência tem apresentado obras de referência do reportório internacional, quer as incontornáveis do dito clássico, quer as de coreógrafos como George Balanchine, Kurt Jooss, José Limón, Anne Teresa De Keersmaeker, William Forsythe, Hans van Manen, Jiří Kylián, Akram Khan, Sasha Waltz, Sidi Larbi Cherkaoui, Alexander Ekman, entre outros. Paralelamente tem apostado em encomendas geradoras de uma identidade própria, com especial destaque nos convites a autores portugueses Armando Jorge, Olga Roriz, Rui Lopes Graça, Vasco Wellenkam, Rui Horta, Fernando Duarte, Tiago Rodrigues, Victor Hugo Pontes, Tânia Carvalho, Clara Andermatt, Sónia Baptista, Filipe Portugal e Marco da Silva Ferreira, entre outros. 

A interligação com distintas áreas da criação artística tem sido, também, uma preocupação de muitas dessas encomendas envolvendo importantes nomes da música, teatro, cinema ou artes plásticas e aproveitando a versatilidade de um elenco, atualmente dirigido artisticamente por Carlos Prado. 

Leonel Pinheiro é licenciado pela Universidade de Aveiro e pós-graduado pela Royal Scottish Academy of Music & Drama, Opera School (Mestrado), Guildhall School of Music & Drama. Trabalha regularmente com o Wexford Festival Opera, cantou Kozak Maria/Showman A Village Romeo and Juliet, Achille di Rosalba/Felice Il cappello di paglia di Firenze. Destacam-se dos papéis interpretados: Don Jose/ Carmen (Mid Wales Opera) encenação Sir Jonathan Miller, Macduff /Macbeth (Scottish Opera), Alfredo La traviata (Bermuda Festival, European Chamber Opera, Bangkok Grand Opera) com récitas na Tailândia, Bermudas, Índia, Paquistão, Coreia do Sul e Bahrain. Luigi/Il tabarro, Samson/Samson et Dalila (Grimeborn Opera Festival), Cavaradossi /Tosca (Musique Cordiale Festival, Wimbledon International Music Festival). Turiddu/Cavalleria rusticana (Coliseu Micaelense).  

Em concerto/oratória, destaca-se a estreia no Royal Festival Hall em Requiem de Mozart com a English Chamber Orchestra/Philharmonia Chorus e Das Lied von Der Erde de Mahler com a Orquestra Metropolitana de Lisboa, no Centro Cultural de Belém.   

© Viúva

O vasto repertório do barítono espanhol inclui mais de 50 papéis em alguns dos mais importantes palcos do mundo. 

Como cantor verdiano, destacam-se as suas interpretações de Conte di Luna, Giorgio Germont, Paolo, Jago, Nabucco, Macbeth, Attila, Rigoletto, Amonasro, Falstaff e Ford. O seu repertório verista inclui Sharpless, Scarpia, Marcello, Guglielmo em Le villi, Lescaut, Michele ou Alfio e Tonio, papéis que interpretou em alguns dos mais conceituados palcos e cidades internacionais, como Théâtre des Champs-Elysées, Metropolitan Opera, Berlin Staatsoper, Teatro Real de Madrid, Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Concertgebow Amsterdam, Hamburg, Lausanne, Maggio Musical Fiorentino, Teatro La Maestranza, Palau de les Arts, Ópera de Tenerife, Teatro Bellini (Palermo), Helsínquia, Ópera de Las Palmas de Gran Canaria, Arena di Verona, Deutsche Oper Berlin, Teatro Nacional de São Carlos, Tetaro di San Carlo de Nápoles, Opéra de Nice, Chorégie d’Orange, Toulouse e Palma de Maiorca. 

No âmbito do bel canto, já se apresentou em importantes papéis de barítono como Don Pasquale.  O seu repertório francês abrange o seu notável Escamillo, além de Albert, Mercutio, Athanael e Grand Prête. É também um ilustre interpréte de Zarzuela. 

A sua discografia inclui Pagliacci, Il viaggio a Reims, Katiuska e La vida breve de Falla, para a etiqueta Deutsche Grammophon. 

Primeira harpista a ganhar o prémio nacional Jovem Músico do Ano, a «virtuosa harpista» (Prémio Jovens Músicos) Beatriz Cortesão tem vindo a cativar público a nível global com a sua «energia contagiosa» complementada por uma «técnica impressionante» (Harp Column). Entre os prémios internacionais conquistados, destaca-se o Prémio Mário Falcão no 21.º Concurso Internacional de Harpa, em Israel.

Enquanto solista, apresentou-se com a Orquestra Sinfónica de Jerusalém, Orquestra Gulbenkian, Real Filarmonia da Galiza e com a Orquestra Clássica do Centro. Estreou a obra  Hybris para harpa solo e orquestra de Alejandro Civilotti no Noia Harp Fest (2023), e tem vindo a apresentar-se como solista em Israel, Itália, Portugal, Rússia, Eslovénia, Espanha e Suiça. É primeira harpa da Accademia Teatro Alla Scala, em Milão, e foi harpista da Orquestra de Jovens da União Europeia (2020). Colabora regularmente com o Ensemble D’Arcos, e é cofundadora do duo AnimArpa, com Carolina Coimbra. Beatriz Cortesão estudou harpa desde jovem com Eleonor Picas, Beatrix Schmidt, Rita Campos e Erica Versace. A academia HarpMasters desempenhou um papel vital no desenvolvimento das suas capacidades pessoais e artísticas, desde 2012. Detém a licenciatura e o mestrado em performance da música, com a mais alta distinção, da Civica Scuola di Musica Claudio Abbado, na classe de Irina Zingg. 

© Lorenzo Gorini

Os Estúdios Victor Córdon são uma plataforma criativa pertencente ao OPART, cuja missão é o apoio à comunidade artística independente. A sua programação pretende dar voz às necessidades de criadores(as) e intérpretes, nomeadamente no registo e transmissão dos seus discursos, pensamento em torno da criação artística e impacto na realidade social. Promovendo diferentes visões, os Estúdios olham as rotas da língua portuguesa como lugares de encontro, e refletem sobre o papel da criação artística no processo de aproximação de culturas, através do diálogo com as comunidades migrantes residentes em Portugal, em especial com as comunidades afrodescendentes, destacando a importância da sua presença nas instituições culturais e na sociedade em geral. Os EVC dão apoio à criação a artistas, festivais e instituições de ensino, com especial dedicação no suporte dado a jovens intérpretes e criadores(as) em início de carreira.  

©Guilherme Gouveia

João Freitas Sousa nasceu em 2007, em Fafe, distrito de Braga. Iniciou em 2013 os seus estudos na Academia de Música José Atalaya, em Fafe, na classe de clarinete de José Ricardo Freitas, tendo concluído até à data o 6.º grau. Participou e foi laureado em dezanove concursos de clarinete (nacionais e internacionais), tendo obtido o 1.º prémio em dezasseis deles, dos quais se destacam o Prémio Jovens Músicos 2023, categoria A – solista, clarinete (nível médio) e o Grande Prémio da Música Lions 2024.  

Integra, ainda, a Banda de Música de Cabeceiras, participando, também:  na Orquestra de Clarinetes Jaime Carriço, da Academia de Clarinete Marcos Romão dos Reis Jr.; na orquestra de clarinetes Invicta All Stars; na Orchestra Club, assim como na Orquestra Sinfónica Ensemble como 1.º clarinete. Participou em diversas masterclasses com clarinetistas e pedagogos de referência, tais como António Saiote, Piero Di Vicenti, Nuno Silva, Gabor Varga, Esther Georgie, Nuno Pinto, Cologero Palermo, Arek Adamski, Arno Piters, Josep Fuster, Joan Lluna, Keith Lipson, Florent Héau, Jérôme Voisin, Philippe Cuper, Philippe Berrod, Patrick Messina, Luís Carvalho, David Medina, Mariano Rey, Iva Barbosa, Manuel Jerónimo, Luís Gomes, Esteban Valverde, Jorge Camacho, Giovanni Punzi, Victor Pereira, entre outros.

Vesselina Kasarova nasceu em Stara Zagora (Bulgária) e começou a tocar piano ainda em tenra idade. Após obter o diploma de pianista de concerto, estudou canto com Ressa Koleva na Academia de Música de Sófia. Posteriormente, foi contratada pela Ópera de Zurique, onde rapidamente se impôs como uma das cantoras mais queridas  do público, tendo sido aclamada pela imprensa internacional como uma grande revelação. Nesse mesmo ano, ganhou igualmente o 1º Prémio no concurso de canto alemão “Neue Stimmen” em Gütersloh. Dois anos mais tarde, Vesselina Kasarova estreou-se no Festival de Salzburgo e na Ópera Estatal de Viena. Desde então, tem interpretado um vasto repertório nas principais casas de óperas e de concerto da Europa, dos EUA e do Japão, incluindo a Royal Opera House Covent Garden, o Gran Teatre del Liceu de Barcelona, a Ópera Estatal da Baviera, a Ópera Nacional de Paris, o Teatro alla Scala de Milão, a Lyric Opera de Chicago, a Metropolitan Opera, a Ópera de São Francisco, o Teatro Nacional de São Carlos, o Teatro Real de Madrid, o Maggio Musicale Fiorentino e o Rossini Opera Festival em Pesaro. Gravou numerosos recitais e óperas completas como artista exclusiva da RCA e para outras companhias e foi galardoada com o prémio “Bayerische Kammersängerin” e “Österreichische Kammersängerin”.

A soprano Ana Sofia Ventura concluiu a sua licenciatura na Escola Superior de Música de Lisboa e posteriormente integrou a International Opera Academy em Gante, na Bélgica. 

Estreou, no Teatro Nacional de São Carlos, a ópera O Rouxinol de Sérgio Azevedo, com os papéis de Rouxinol e Rouxinol Mecânico. Estreou recentemente a ópera portuguesa Madrugada: razões de um movimento, co-produção MPMP e Orquestra do Algarve. Dos seus papéis operáticos destacam-se os papéis mozarteanos Königin der Nacht, Susanna e Zerlina. Interpretou também Sra. T em Manifesto NaDa, de A. Sousa Dias, Cathleen em Riders to the Sea, de V. Williams, Belinda em Dido and Aeneas, de H. Purcell, Cephisa em Orpheus, de G. P. Telemann, Civene em Le Cinesi, de C. W. Gluck. 

Participou na estreia moderna de La Ninfa del Tago de A. Scarlatti, no papel de Tirsi, com a OML sob a direção de Enrico Onofri, e participou também na 4ª Sinfonia de Mahler, sob a direção de Miguel Romea. 

No contexto de oratória, interpretou The Messiah de G. F. Händel, Messe in h-Moll de J. S. Bach, Lauda per la Navità del Signore de O. Respighi como Anjo, Wie der Hirsch Schreit de F. Mendelssohn. 

Natural de Roma, licenciou-se em piano, composição, música coral e direção de orquestra na Academia de Santa Cecília. Aperfeiçoou-se com Zoltán Peskó, Vladimir Delman e Rudolf Barshai, tendo alcançado o 3.º prémio no Concurso Arturo Toscanini de Parma. De 1995 a 2001, foi diretor musical no Teatro de Ópera de Ancara, ocupando, de 2001 a 2005, o mesmo cargo na Ópera Estatal de Istambul. Dos compromissos passados e mais recentes, destacam-se: Lucia di Lammermoor em Buenos Aires e Bari; La Gioconda em Santander; Andrea Chénier em Berlim e na Catânia; Macbeth em Lisboa; Aida em Copenhaga e Caracalla; Il trovatore, Anna Bolena e Ernani na Catânia; Tosca em Florença e Bari; Turandot em Copenhaga, Verona e Catânia; Aroldo em Bilbau; Il barbiere di Siviglia em Tóquio, Valência e Verona; Carmen em Copenhaga e Avenches; Faust em Tóquio e Santander; Un ballo in maschera em Salerno e Lisboa; Madama Butterflyem Ancona; Medea no circuito As.Li.Co.; Norma em Trapani e Spalato; Attila em Lecce e Roma; Otello em Lisboa; Manon Lescaut em Torre del Lago; Nabucco em Caracalla e Lisboa; Rigoletto em Tóquio, Falstaff em Xangai; e La forza del destino em Lisboa. É, atualmente, maestro titular da Orquestra Sinfónica Portuguesa. 

© Bruno Simão

Henrique Pimentel tem colaborado em 2024 com o Teatro Nacional de São Carlos em vários projectos. Foi responsável pela reposição de Madama Butterfly, encenada por Jacopo Spirei, e depois assistente do mesmo encenador na sua recente produção de Falstaff. Assina agora a encenação de dois concertos no âmbito do Festival ao Largo 2024. Anteriormente, realizou estágios com os encenadores Vincent Huguet em Così Fan Tutte (Staatsoper de Berlim, 2021) e Christophe Gayral em La Bohème (69º Festival Puccini em Torre del Lago, 2023). 

É licenciado e mestre em Arquitectura pela Universidade de Coimbra, tendo iniciado a sua actividade profissional e multidisciplinar no atelier de Luísa Bebiano. A partir de 2022 dedicou-se exclusivamente a projetos nas áreas da cenografia, direção de arte para cinema e encenação, colaborando com outros nomes importantes como Luis F. Carvalho, Artur Pinheiro, Augusto Mayer e Nuno Carinhas. 

Criada em 1993, a Orquestra Sinfónica Portuguesa (OSP) é um dos corpos artísticos do Teatro Nacional de São Carlos e tem vindo a desenvolver uma atividade sinfónica própria, incluindo uma programação regular de concertos, participações em festivais de música nacionais e internacionais. Colabora regularmente com a Rádio e Televisão de Portugal através da transmissão dos seus concertos e óperas pela Antena 2, designadamente a realização da tetralogia O anel do Nibelungo, transmitida na RTP2, e da participação em iniciativas da própria RTP, como o Prémio Pedro de Freitas Branco para Jovens Chefes de Orquestra, o Prémio Jovens Músicos-RDP e a Tribuna Internacional de Jovens Intérpretes. No âmbito das temporadas líricas e sinfónicas, a OSP tem-se apresentado sob a direção de notáveis maestros, como Rafael Frühbeck de Burgos, Alain Lombard, Nello Santi, Alberto Zedda, Harry Christophers, George Pehlivanian, Michel Plasson, Krzysztof Penderecki, Djansug Kakhidze, Milán Horvat, Jeff rey Tate e Iuri Ahronovitch, entre outros. A discografia da OSP conta com dois CD para a etiqueta Marco Polo, com as Sinfonias n.os 1, 3, 5e 6 de Joly Braga Santos, que gravou sob a direção do seu primeiro maestro titular, Álvaro Cassuto, e Crossing borders (obras de Wagner, Gershwin e Mendelssohn), sob a direção de Julia Jones, numa gravação ao vivo pela Antena 2. Recentemente, em maio de 2022, foi lançado o CD editado pela Naxos com obras de Fernando Lopes-Graça, sob a direção de Bruno Borralhinho. No cargo de maestro titular, seguiram-se José Ramón Encinar (1999-2001), Zoltán Peskó (2001-2004) e Julia Jones (2008-2011); Donato Renzetti desempenhou funções de primeiro maestro convidado entre 2005 e 2007. Joana Carneiro foi maestrina titular de 2014 a 2021. Atualmente, a direção musical está a cargo de Antonio Pirolli, seu maestro titular. 

© David Rodrigues

Criada em 1993, a Orquestra Sinfónica Portuguesa (OSP) é um dos corpos artísticos do Teatro Nacional de São Carlos e tem vindo a desenvolver uma atividade sinfónica própria, incluindo uma programação regular de concertos, participações em festivais de música nacionais e internacionais. Colabora regularmente com a Rádio e Televisão de Portugal através da transmissão dos seus concertos e óperas pela Antena 2, designadamente a realização da tetralogia O anel do Nibelungo, transmitida na RTP2, e da participação em iniciativas da própria RTP, como o Prémio Pedro de Freitas Branco para Jovens Chefes de Orquestra, o Prémio Jovens Músicos-RDP e a Tribuna Internacional de Jovens Intérpretes. No âmbito das temporadas líricas e sinfónicas, a OSP tem-se apresentado sob a direção de notáveis maestros, como Rafael Frühbeck de Burgos, Alain Lombard, Nello Santi, Alberto Zedda, Harry Christophers, George Pehlivanian, Michel Plasson, Krzysztof Penderecki, Djansug Kakhidze, Milán Horvat, Jeff rey Tate e Iuri Ahronovitch, entre outros. A discografia da OSP conta com dois CD para a etiqueta Marco Polo, com as Sinfonias n.os 1, 3, 5e 6 de Joly Braga Santos, que gravou sob a direção do seu primeiro maestro titular, Álvaro Cassuto, e Crossing borders (obras de Wagner, Gershwin e Mendelssohn), sob a direção de Julia Jones, numa gravação ao vivo pela Antena 2. Recentemente, em maio de 2022, foi lançado o CD editado pela Naxos com obras de Fernando Lopes-Graça, sob a direção de Bruno Borralhinho. No cargo de maestro titular, seguiram-se José Ramón Encinar (1999-2001), Zoltán Peskó (2001-2004) e Julia Jones (2008-2011); Donato Renzetti desempenhou funções de primeiro maestro convidado entre 2005 e 2007. Joana Carneiro foi maestrina titular de 2014 a 2021. Atualmente, a direção musical está a cargo de Antonio Pirolli, seu maestro titular. 

© David Rodrigues

É, desde janeiro de 2021, maestro titular do Coro do Teatro Nacional de São Carlos. Estudou trombone, composição, música coral e direção coral no Conservatório de Música Giuseppe Verdi, em Milão. De 2016 a janeiro de 2021, foi maestro do Coro da Devlet Opera Ve Balesi de Ancara e, de 2018 a janeiro de 2021, desempenhou as funções de orientador vocal do Coro da Rádio e Televisão da Turquia. Simultaneamente à sua carreira como barítono solista, prosseguiu a atividade como maestro de coro, a partir de 1993, quando criou o Schola Cantorum «Cantate Domino» de Carbonate (Itália). Em 1996, fundou o Coro «Euphonia», em Carbonate, do qual foi diretor artístico e orientador vocal. O Coro «Euphonia» foi levado à descoberta do mundo da ópera, tendo interpretado, ao longo dos anos, os mais importantes títulos do repertório melodramático. De janeiro de 2002 a 2016, dirigiu o Coro Lirico dell’Associazione Musicale Calauce de Calolziocorte (Itália). De 2006 a 2016, dirigiu o coro lírico «Corale Arnatese» e, de setembro de 2012 a 2015, foi o maestro do Coro Operístico de Mendrisio (Suíça). Em 2015, fundou o Coro Sinfónico Ticino. Durante vários anos, lecionou técnica, pedagogia e didatismo de canto para maestros de coro, em cursos organizados pela Unione Società Corali Italiane, da qual foi membro do Comité Artístico. Como freelancer, é regularmente convidado, por ensembles e coros, a orientar masterclasses e cursos de canto, tanto em Itália como no resto do mundo. 

© Bruno Frango

É, desde janeiro de 2021, maestro titular do Coro do Teatro Nacional de São Carlos. Estudou trombone, composição, música coral e direção coral no Conservatório de Música Giuseppe Verdi, em Milão. De 2016 a janeiro de 2021, foi maestro do Coro da Devlet Opera Ve Balesi de Ancara e, de 2018 a janeiro de 2021, desempenhou as funções de orientador vocal do Coro da Rádio e Televisão da Turquia. Simultaneamente à sua carreira como barítono solista, prosseguiu a atividade como maestro de coro, a partir de 1993, quando criou o Schola Cantorum «Cantate Domino» de Carbonate (Itália). Em 1996, fundou o Coro «Euphonia», em Carbonate, do qual foi diretor artístico e orientador vocal. O Coro «Euphonia» foi levado à descoberta do mundo da ópera, tendo interpretado, ao longo dos anos, os mais importantes títulos do repertório melodramático. De janeiro de 2002 a 2016, dirigiu o Coro Lirico dell’Associazione Musicale Calauce de Calolziocorte (Itália). De 2006 a 2016, dirigiu o coro lírico «Corale Arnatese» e, de setembro de 2012 a 2015, foi o maestro do Coro Operístico de Mendrisio (Suíça). Em 2015, fundou o Coro Sinfónico Ticino. Durante vários anos, lecionou técnica, pedagogia e didatismo de canto para maestros de coro, em cursos organizados pela Unione Società Corali Italiane, da qual foi membro do Comité Artístico. Como freelancer, é regularmente convidado, por ensembles e coros, a orientar masterclasses e cursos de canto, tanto em Itália como no resto do mundo. 

© Bruno Frango

O Coro do Teatro Nacional de São Carlos, criado em 1943 sob a titularidade de Mario Pellegrini, tem atuado sob a direção de importantes maestros (Pedro de Freitas Branco, Votto, Serafin, Gui, Giulini, Klemperer, Zedda, Solti, Santi, Rescigno, Navarro, Rennert, Burgos, Conlon, Christophers, Plasson e Minkowski, entre outros) e colaborado com marcantes encenadores (Pountney, Carsen, Vick). Entre 1962 e 1975, o Coro colaborou nas temporadas da Companhia Portuguesa de Ópera (Teatro da Trindade), tendo-se deslocado com a mesma à Madeira, aos Açores, a Angola e a Oviedo. O conjunto tem regularmente abordado o repertório de compositores nacionais (Alfredo Keil, Augusto Machado) e tem participado em estreias mundiais de óperas de Fernando Lopes-Graça, António Victorino d’Almeida, António Chagas Rosa, Nuno Côrte-Real. Em 1980, formou-se um primeiro núcleo coral a tempo inteiro e, três anos depois, assumiu-se a profissionalização plena, sob a direção de Antonio Brainovitch. A partir de 1985, a afirmação artística do conjunto foi creditada a Gianni Beltrami e o titular seguinte foi João Paulo Santos. Sob a responsabilidade destes dois maestros, o Coro registou marcantes êxitos internacionais: Grande messe des morts de Berlioz (1989–Turim); Requiem de Verdi (1991–Bruxelas); Concerto Henze/Corghi (1997–Festival de Granada). Giovanni Andreoli assumiu o cargo em 2004. Sob a sua direção, o Coro averbou êxitos num vasto e variado repertório. Em 2005, o Coro foi convidado pela Ópera de Génova para participar em récitas da ópera Billy Budd de Britten, convite que se repetiu em 2015. Giampaolo Vessella é o maestro titular desde janeiro de 2021.   

O Coro do Teatro Nacional de São Carlos, criado em 1943 sob a titularidade de Mario Pellegrini, tem atuado sob a direção de importantes maestros (Pedro de Freitas Branco, Votto, Serafin, Gui, Giulini, Klemperer, Zedda, Solti, Santi, Rescigno, Navarro, Rennert, Burgos, Conlon, Christophers, Plasson e Minkowski, entre outros) e colaborado com marcantes encenadores (Pountney, Carsen, Vick). Entre 1962 e 1975, o Coro colaborou nas temporadas da Companhia Portuguesa de Ópera (Teatro da Trindade), tendo-se deslocado com a mesma à Madeira, aos Açores, a Angola e a Oviedo. O conjunto tem regularmente abordado o repertório de compositores nacionais (Alfredo Keil, Augusto Machado) e tem participado em estreias mundiais de óperas de Fernando Lopes-Graça, António Victorino d’Almeida, António Chagas Rosa, Nuno Côrte-Real. Em 1980, formou-se um primeiro núcleo coral a tempo inteiro e, três anos depois, assumiu-se a profissionalização plena, sob a direção de Antonio Brainovitch. A partir de 1985, a afirmação artística do conjunto foi creditada a Gianni Beltrami e o titular seguinte foi João Paulo Santos. Sob a responsabilidade destes dois maestros, o Coro registou marcantes êxitos internacionais: Grande messe des morts de Berlioz (1989–Turim); Requiem de Verdi (1991–Bruxelas); Concerto Henze/Corghi (1997–Festival de Granada). Giovanni Andreoli assumiu o cargo em 2004. Sob a sua direção, o Coro averbou êxitos num vasto e variado repertório. Em 2005, o Coro foi convidado pela Ópera de Génova para participar em récitas da ópera Billy Budd de Britten, convite que se repetiu em 2015. Giampaolo Vessella é o maestro titular desde janeiro de 2021.   

Bin Chao nasceu no seio de uma família de músicos e começou a tocar violino aos seis anos de idade. Estudou no Conservatório Central de Música de Pequim, onde se diplomou com distinção, e concluiu um Mestrado em Música no Mannes College of Music de Nova Iorque, onde estudou com o violinista David Nadien.

O violinista e crítico musical Henry Roth elogiou a musicalidade e a técnica sólida de Bin Chao no seu livro Grandes Violinistas, livro este que faz uma análise sobre os 100 maiores violinistas do século XX, de acordo com a perspetiva do seu autor.

Em 1984 foi 2.º classificado no Concurso Nacional de Violino da China. Como solista, recitalista e músico de câmara, atuou por toda a Europa e na América do Norte. Mudou-se para Lisboa em 1991, tendo participado nos principais festivais de música em Portugal e ainda no Festival de Aspen e no Festival Schumann de Nova Iorque.

Em 2001 foi solista convidado no prestigiado Annual English Handbell Festival, em Nova Iorque. Entre 1999 e 2001, ensinou violino em Nova Iorque, integrado na iniciativa da Fundação Midori de levar a música às escolas públicas. Foi professor na Universidade de Évora e desde 2007 ensina violino, viola e música de câmara no Instituto Piaget. Desde 2010, colabora com o Conservatório de Música da Universidade de Lawrence, em Appleton, Wisconsin, nos Estados Unidos da América. Bin Chao toca num violino Carlo Giuseppe Testore de 1715, tendo também instrumentos dos luthiers Antonio Capela e Judith Bauer, entre outros. Desde 2014, é professor de violino na Escola Superior de Música de Lisboa.

Natural de Roma, licenciou-se em piano, composição, música coral e direção de orquestra na Academia de Santa Cecília. Aperfeiçoou-se com Zoltán Peskó, Vladimir Delman e Rudolf Barshai, tendo alcançado o 3.º prémio no Concurso Arturo Toscanini de Parma. De 1995 a 2001, foi diretor musical no Teatro de Ópera de Ancara, ocupando, de 2001 a 2005, o mesmo cargo na Ópera Estatal de Istambul. Dos compromissos passados e mais recentes, destacam-se: Lucia di Lammermoor em Buenos Aires e Bari; La Gioconda em Santander; Andrea Chénier em Berlim e na Catânia; Macbeth em Lisboa; Aida em Copenhaga e Caracalla; Il trovatore, Anna Bolena e Ernani na Catânia; Tosca em Florença e Bari; Turandot em Copenhaga, Verona e Catânia; Aroldo em Bilbau; Il barbiere di Siviglia em Tóquio, Valência e Verona; Carmen em Copenhaga e Avenches; Faust em Tóquio e Santander; Un ballo in maschera em Salerno e Lisboa; Madama Butterflyem Ancona; Medea no circuito As.Li.Co.; Norma em Trapani e Spalato; Attila em Lecce e Roma; Otello em Lisboa; Manon Lescaut em Torre del Lago; Nabucco em Caracalla e Lisboa; Rigoletto em Tóquio, Falstaff em Xangai; e La forza del destino em Lisboa. É, atualmente, maestro titular da Orquestra Sinfónica Portuguesa. 

© Bruno Simão

Diogo Costa é, atualmente, um dos jovens maestros mais ativos do país. Entre os seus projetos recentes e futuros incluem-se os convites para a Orquestra Gulbenkian, a Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música, a Orquestra Metropolitana de Lisboa, bem como para várias orquestras regionais do país. Em Inglaterra, dirigiu a Hallé Orchestra e a Filarmónica da BBC, em Manchester, a Orquestra Nacional de Gales da BBC, e a West European Studio Orchestra, com a qual tem vindo a gravar em diversos estúdios, entre eles o lendário Abbey Road, em Londres.  

Nutrindo um interesse especial pela ópera, trabalhou como maestro assistente de Lorenzo Viotti na produção da ópera Roméo et Juliette de Gounod, com a Orquestra e Coro Gulbenkian, e também enquanto maestro assistente de David Azagra na produção da ópera L’elisir d’amore de Donizetti, em Espanha. Em 2021, estreou-se enquanto maestro principal na produção da ópera The Medium de Menotti, no Operafest Lisboa, que recebeu as melhores críticas internacionais.   

Presença constante em diversos concursos internacionais, foi recentemente laureado no Prémio Jovens Músicos em direção de orquestra. Em 2020, foi finalista no Mackerras Fellowship da Ópera Nacional de Inglaterra e semi-finalista na Siemens Hallé International Conducting Competition.   

Jermaine Maurice Spivey é um coreógrafo norte-americano em clara ascensão, que, a par de uma brilhante carreira enquanto intérprete, convoca ativamente a ideia de uma prática colaborativa nos seus processos de criação. De 2002 a 2017, viveu e trabalhou predominantemente na Europa, tendo sido membro do Ballet Gulbenkian e do Cullberg Ballet. Trabalhou como artista convidado para a Hofesh Shechter Company, Robyn Live 2016, The LID, Arias Company e The Forsythe Company de 2013 a 2015, entre outras colaborações. É membro da companhia Kidd Pivot desde 2008. Como coreógrafo, já lhe foram comissionados trabalhos pela companhia Salt Contemporary Dance (EUA), Rambert 2 (RU), LA Dance Project (EUA), The Broad Museum (EUA), Christina Aguilera Live at The Hollywood Bowl com Gustavo Dudamel e a LA Phil, e, mais recentemente, Hubbard Street Dance Chicago (EUA), NDT 2 (Países Baixos) e Ballet Flanders (Bélgica). Em colaboração com o seu companheiro e parceiro artístico Spenser Theberge, Spivey criou as obras Rather This Then e Position 3. Spivey orienta ainda práticas de dança por toda a América do Norte e Europa. 

© Jermaine Spivey

Alexandre Andrade, Gonçalo Brandão, Manuel Dias e Pedro Simões, naturais dos distritos de Aveiro, Viseu e Porto, formam o Ketuk Quartet. O projeto surgiu a partir do trabalho realizado no grupo de percussão da Escola Profissional de Música de Espinho com o objetivo de concorrer ao Prémios Jovens Músicos, objetivo que foi realizado com a obtenção do primeiro prémio no PJM 2023 na categoria de música de câmara - nível médio. Destaca-se ainda a atuação no grande auditório da Fundação Calouste Gulbenkian no âmbito do Festival Jovens Músicos. Atualmente, o quarteto procura contribuir para a relevância da percussão na música de câmara.

Compositor e maestro, Pedro Amaral (Lisboa, 1972) é um dos músicos mais ativos da sua geração. Iniciou os seus estudos com Fernando Lopes-Graça, em 1986. Graduou-se na Escola Superior de Música de Lisboa (1994) e no Conservatório de Paris (CNSM), onde obteve o Primeiro Prémio em Composição por unanimidade do júri (1998). Estudou direção de orquestra com Emilio Pomàrico e com Peter Eötvös, de quem foi assistente.

Prosseguiu estudos universitários na École des Hautes Études en Sciences Sociales, obtendo um Mestrado em Musicologia Contemporânea (1998) e um Doutoramento (2003) com uma tese sobre Momente, de K. Stockhausen.

Trabalhou no IRCAM, em Paris, como compositeur en recherche, compondo e estreando diversas obras para meios instrumentais e eletrónica em tempo real, tornando-se presença assídua em muitos dos mais importantes festivais internacionais. Em 2006 gravou o seu primeiro disco monográfico, com a London Sinfonietta, sob a sua direção. As suas óperas O Sonho e Beaumarchais foram estreadas em Londres (2010) e Lisboa (Teatro Nacional Dona Maria II, 2017), respetivamente.

Foi compositor residente na Herrenhaus Edenkoben (Alemanha, 2001), na Villa Medici (antigo Prix de Rome, 2004/05) e no Palácio Lenzi (Florença, 2006). Professor da Universidade de Évora desde 2007, é membro da Academia de Belas Artes desde 2017.

Em cada temporada, Pedro Amaral dirige numerosos concertos em Portugal e no estrangeiro, com um repertório que se estende do Classicismo vienense à contemporaneidade, empenhando-se em projetos de amplo significado como o que dirigiu em Milão, no Teatro alla Scala, com a Orquestra Sinfónica Nacional da RAI de Turim e o violinista Vadim Repin, em maio de 2022, 11 semanas após a invasão da Ucrânia, com um apelo à Paz em tempos de guerra.

Com uma ampla experiência na programação de concertos, temporadas e festivais, desempenhou as funções de Maestro Titular da Orquestra do Conservatório Nacional (2007/08), do Sond’Arte Electric Ensemble (2007/10) e da Orquestra Metropolitana de Lisboa, funções que acumulou com as de Diretor Artístico (2013/20).

Iniciou os seus estudos de ballet em 1961 no Grupo Verde Gaio e, em 1968 ingressou no Ballet Gulbenkian. Em 1975 formou-se em Dança Moderna na Escola de Dança Contemporânea de Martha Graham, em Nova Iorque. Durante mais de duas décadas desempenhou funções de coreógrafo residente no Ballet Gulbenkian, onde criou dezenas de obras que marcaram o estilo da companhia. Além disso, foi regularmente convidado a coreografar em diversas companhias estrangeiras, nomeado professor de Dança Moderna na Escola de Dança do Conservatório Nacional e professor coordenador na Escola Superior de Dança. Também atuou como diretor artístico do Festival de Sintra na área da dança e do Teatro Camões, além de ser diretor artístico da CNB. 

Em 1997 fundou, juntamente com Graça Barroso, a Companhia Portuguesa de Bailado Contemporâneo (CPBC), que estreou em abril de 1998, no Brasil. Recebeu várias distinções ao longo da sua carreira, sendo condecorado como Comendador da Ordem do Infante D. Henrique pelo então Presidente da República, Dr. Mário Soares, em 10 de junho de 1994. 

Atualmente, ocupa o cargo de Presidente da Direção e coreógrafo principal na CPBC. Em 2021 confiou a direção artística a Cláudia Sampaio, uma das bailarinas fundadoras da companhia. 

Em janeiro de 2024 foi agraciado com a Medalha de Mérito Cultural da Câmara Municipal de Lisboa. 

© Kinema

«Uma notável artista, uma cantora inata (...) com uma voz bonita e redonda, uma presença excecional em palco, com uma messa di voiceque após a Caballé é muito difícil de encontrar» (diretor do Festival Oper im Berg). Estreou-se em Salzburgo (Festival Oper im Berg) com o papel titular em Lucia di Lammermoor, em prestação muito aclamada pela crítica e pelo público.

Interpretou os papéis Musetta no TNSC onde recebeu os melhores elogios da critica pública - «The highlight was Bárbara Barradas as Musetta. A scene-stealing actress, she really brought out the heartfelt generosity of her character and has this wonderfully poised, silvery soprano with an easy top» - by OperaTraveller. Na sua carreira, já interpretou Lucia, Gilda, Corinna, Valencienne, Le Feu e Le Rossignol, Susanna, Barbarina, La Fèe, Frasquita, Donna Anna, Zerlina, Königin der Nacht, Ines di Castro, entre outros. Estreou no Teatro da Trindade, o papel de Bruna da ópera Canção do Bandido de Nuno Côrte-Real, com encenação de Ricardo Neves-Neves. Na Culturgest, também em estreia absoluta, foi a solista de Tremor de Nuno Côrte-Real, obra que gravou em Berlim. Canta regularmente com as mais prestigiadas orquestras nacionais e internacionais. Foi bolseira da Fundação Gulbenkian, formou-se em Londres com distinção (BMus e MMus) na Guildhall School of Music and Drama. Fez também pós-graduações na International Opera Academy e na WIAV. Ganhou vários prémios e bolsas de estudo em inúmeras competições nacionais e internacionais.

É fundadora e mentora do «Empodera-te na Voz» e da marca «EmpoderARTE», é também co-fundadora da ArtAllurement.

Dedicado à performance do batuku, as Batucadeiras das Olaias surgem com o objetivo de partilhar, divulgar, reivindicar e exaltar a história, a memória e a cultura cabo-verdiana. A celebração é uma representação central da cultura de Cabo Verde e das comunidades cabo-verdianas na diáspora. Não se prendem apenas à música, ritmo e arte, mas sobretudo ao sentido de amizade, familiaridade, vizinhança e sociabilidade.  
A partir das próprias músicas autorais, o grupo partilha as suas memórias, conhecimentos e histórias de vida, gerando uma evasão da vida quotidiana e uma marcação identitária no contexto migratório. Além disso, promovem o fortalecimento dos laços comunitários e a preservação das tradições culturais. As performances das Batucadeiras das Olaias são momentos de união e celebração, onde a música e a dança se tornam uma linguagem comum que transcende fronteiras. Elas representam não apenas um resgate cultural, mas também uma forma de resistência e afirmação da identidade cabo-verdiana no mundo.  

Estudou na Guildhall School of Music and Drama, em Londres, onde obteve a licenciatura em canto e mestrado (curso de ópera) como bolseira da

Fundação Calouste Gulbenkian. O seu repertório de ópera inclui, entre outros: Preziosilla em La forza del destino; Dorabella em Così fan tutte; Jocasta

em Oedipus rex; Ježibaba em Rusalka; Suzuki em Madama Butterfly; Maddalena em Rigoletto; Eboli em Don Carlo; Madame de Croissy em Dialogues

des carmélites; papel titular em Carmen; Santuzza em Cavalleria rusticana; Condessa di Coigny e Madelon em Andrea Chénier; Siebel em Faust e Azucena em Il trovatore. Em concerto, interpretou como solista: Messa da Requiem de Verdi; Requiem

de Mozart; Stabat Mater de Pergolesi; Oratória de Natal e Oratória de Páscoa e Paixão segundo São João de J. S. Bach; Petite messe solennelle de Rossini; Elijah

de Mendelssohn; Messiah de Händel; L’enfance du Christ de Berlioz; e 9.ª Sinfonia de Beethoven.

João Sanchez, 26 anos, nascido em Lisboa, maturado em Arruda dos Vinhos. Licenciado em Cinema pela Escola Superior de Teatro e Cinema, Freelancer na área audiovisual. Aos 17 anos estreia o seu primeiro filme, Pecado, na Cinemateca Portuguesa. Aos 18 cria o Colectivo Pagárrenda e estreia Nós os Arroianos, a sua primeira longa-metragem, na mesma sala. Desde então, realiza A maneira certa de encontrar casa, filme mais visto e artigo mais lido do Público em 2018. Realiza, edita e desenvolve vários projetos em colaboração com grandes empresas, músicos e ativações de marca. Em 2021 integra o júri do Festival de Cinema de Avanca e  cria a marca de roupa Bon Vivant. Em 2021 cria e interpreta juntamente com Maria Abrantes a performance Uma Água Por Favor e em 2023 o vídeo-dança Finimondo juntamente com Sofia Kafol.  

Ohad Naharin é coreógrafo residente da Batsheva Dance Company, coreógrafo convidado de inúmeras companhias e criador da linguagem de movimento Gaga. 

Nascido em 1952 em Mizra, Israel, entrou para a Batsheva Dance Company em 1974, apesar de ter pouca formação. Durante o seu primeiro ano, a coreógrafa convidada Martha Graham desafiou-o a juntar-se à sua própria companhia em Nova Iorque, onde Naharin fez a sua estreia coreográfica no estúdio de Kazuko Hirabayshi em 1980. Durante a década seguinte, apresentou trabalhos em Nova Iorque e no estrangeiro, incluindo peças para a Batsheva Dance Company, a Kibbutz Contemporary Dance Company e o Nederlands Dans Theater. Naharin trabalhou em estreita colaboração com a sua primeira mulher, Mari Kajiwara, até esta falecer de cancro em 2001. 

Em 1990 Naharin foi nomeado Diretor Artístico da Batsheva Dance Company e, no mesmo ano, criou a divisão júnior da companhia, Batsheva - the Young Ensemble. Desde então, criou mais de trinta obras para ambas as companhias e peças de cenário para muitas outras. Colaborou também com músicos como The Trator’s Revenge, Avi Balleli e Dan Makov, Ivri Lider e Grischa Lichtenberger. 

Sob o pseudónimo Maxim Waratt, compôs, editou e misturou muitas das suas próprias bandas sonoras. O trabalho de Naharin foi apresentado em vários filmes, incluindo Out of Focus (2007) de Tomer Heymann e Mr. Gaga (2015) dos irmãos Heymann. 

Para além do seu trabalho em palco, Naharin também desenvolveu Gaga, a inovadora pesquisa de movimentos e o treino diário dos bailarinos de Batsheva, que se espalhou internacionalmente entre bailarinos e não bailarinos. 

Cidadão de Israel e dos Estados Unidos, Naharin vive atualmente em Israel com a sua mulher, a bailarina e figurinista Eri Nakamura, e a sua filha, Noga. 

©Ilya Melnikov

Em 1962 a Fundação Calouste Gulbenkian decidiu estabelecer um agrupamento orquestral permanente. No início constituído apenas por doze elementos, foi originalmente designado por Orquestra de Câmara Gulbenkian. Ao longo de sessenta anos de atividade, a Orquestra Gulbenkian (denominação adotada desde 1971) foi sendo progressivamente alargada, contando hoje com um efetivo de cerca de sessenta instrumentistas que pode ser pontualmente expandido de acordo com as exigências de cada programa de concerto.  

Esta constituição permite à Orquestra Gulbenkian interpretar um amplo repertório que se estende do Barroco até à música contemporânea. Obras pertencentes ao repertório corrente das grandes formações sinfónicas tradicionais, nomeadamente a produção orquestral de Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Mendelssohn ou Schumann, podem ser dadas pela Orquestra Gulbenkian em versões mais próximas dos efetivos orquestrais para que foram originalmente concebidas, no que respeita ao equilíbrio da respetiva arquitetura sonora. 

Em cada temporada, a Orquestra Gulbenkian realiza uma série regular de concertos no Grande Auditório Gulbenkian, em Lisboa, em cujo âmbito tem tido ocasião de colaborar com alguns dos maiores nomes do mundo da música, nomeadamente maestros e solistas. Atua também com regularidade noutros palcos em diversas localidades do país, cumprindo desta forma uma significativa função descentralizadora. No plano internacional, por sua vez, a Orquestra Gulbenkian foi ampliando gradualmente a sua atividade, tendo até agora efetuado digressões na Europa, na Ásia, em África e nas Américas. 

No plano discográfico, o nome da Orquestra Gulbenkian encontra-se associado às editoras Philips, Deutsche Grammophon, Hyperion, Teldec, Erato, Adès, Nimbus, Lyrinx, Naïve e Pentatone, entre outras, tendo esta sua atividade sido distinguida, desde muito cedo, com diversos prémios internacionais de grande prestígio. A partir de setembro de 2023, O finlandês Hannu Lintu é o Maestro Titular da Orquestra Gulbenkian, sucedendo a Lorenzo Viotti. 

© FCGulbenkian

Akram Khan é um artista essencial e mundialmente reconhecido no campo da dança na atualidade. Ao longo dos últimos 23 anos, as suas obras têm contribuído significativamente para as artes no Reino Unido e no estrangeiro. Tem colaborado com artistas de outras culturas e disciplinas, tais como o Ballet Nacional da China, Juliette Binoche, Sylvie Guillem, Kylie Minogue, Florence + The Machine, Anish Kapoor, Antony Gormley, Tim Yip, Hanif Kureishi, Steve Reich, Nitin Sawhney, Jocelyn Pook ou Ben Frost. A obra de Khan é considerada profundamente comovente, chegando mesmo a poder ser lida como ritual, dada a influência que a dança clássica Kathak tem nela. Ao transportar elementos desta dança para as suas criações, Khan contribui para uma redefinição da nossa ideia do que é dançar. Ao longo da sua carreira, tem sido galardoado com inúmeras distinções.  

© Camilla Greenwell

Nascido em Tarouquela, Carlos Cardoso estudou na escola da Beira Interior com o maestro Ferreira. Foi o vencedor do 1º Prémio no Concurso Luísa Todi, do 3º Prémio no Concurso Magda Olivero, e do 1º Prémio no Concurso do Rotary Club, em Lisboa. Foi membro do Estúdio de Ópera do Teatro S. Carlos em Lisboa e da “Accademia del Teatro alla Scala” em Milão, no âmbito da qual participou de concertos e produções de ópera. Entre outras estreias, contam-se apresentações na Ópera Nacional Holandesa de Amesterdão, Teatro Verdi di Busseto para o Festival Parma Verdi, Teatro São Carlos em Lisboa, Stadttheater Klagenfurt, Ópera Vilnius e a Fundação Calouste Gulbenkian. Entre 2017 e 2023 foi membro do ensemble do Aalto Theater Essen. Como convidado, atuou também nas Óperas de Magdeburgo, Wiesbaden, Koblenz, Dortmund, Gelsenkirchen, Gärtnerplatz München, Ópera Nacional de Praga e Tirana, em Parma e Trieste, e no Musikverein de Viena. O seu repertório inclui, entre outros, os papéis de Duca/Rigoletto, Alfredo/La Traviata, Rodolfo/Luisa Miller, Renato/Un ballo in Maschera, Gabriele Adorno/Simone Boccanegra, Ismaele/Nabucco, Edgardo/Lucia di Lammermoor, Pollione/Norma, Rodolfo/La Bohème, Pinkerton/Madama Butterfly, Narraboth/Salomé. Em concerto, apresentou-se na Glagolitische Messe de Janacek, na Messa di Gloria de Puccini, na Petite Messe Solennelle e no Stabat Mater de Rossini, e ainda no Requiem de Dvorak. 

A CNB é o organismo de produção artística que tem como missão assegurar a prestação de um serviço público no domínio da dança, no âmbito de um projeto cultural centrado na promoção do acesso dos cidadãos à fruição desta atividade artística e no reforço dos padrões de qualidade da criação e produção profissionais da dança em Portugal e no estrangeiro. Ao longo de mais de quatro décadas de existência tem apresentado obras de referência do reportório internacional, quer as incontornáveis do dito clássico, quer as de coreógrafos como George Balanchine, Kurt Jooss, José Limón, Anne Teresa De Keersmaeker, William Forsythe, Hans van Manen, Jiří Kylián, Akram Khan, Sasha Waltz, Sidi Larbi Cherkaoui, Alexander Ekman, entre outros. Paralelamente tem apostado em encomendas geradoras de uma identidade própria, com especial destaque nos convites a autores portugueses Armando Jorge, Olga Roriz, Rui Lopes Graça, Vasco Wellenkam, Rui Horta, Fernando Duarte, Tiago Rodrigues, Victor Hugo Pontes, Tânia Carvalho, Clara Andermatt, Sónia Baptista, Filipe Portugal e Marco da Silva Ferreira, entre outros. 

A interligação com distintas áreas da criação artística tem sido, também, uma preocupação de muitas dessas encomendas envolvendo importantes nomes da música, teatro, cinema ou artes plásticas e aproveitando a versatilidade de um elenco, atualmente dirigido artisticamente por Carlos Prado. 

Leonel Pinheiro é licenciado pela Universidade de Aveiro e pós-graduado pela Royal Scottish Academy of Music & Drama, Opera School (Mestrado), Guildhall School of Music & Drama. Trabalha regularmente com o Wexford Festival Opera, cantou Kozak Maria/Showman A Village Romeo and Juliet, Achille di Rosalba/Felice Il cappello di paglia di Firenze. Destacam-se dos papéis interpretados: Don Jose/ Carmen (Mid Wales Opera) encenação Sir Jonathan Miller, Macduff /Macbeth (Scottish Opera), Alfredo La traviata (Bermuda Festival, European Chamber Opera, Bangkok Grand Opera) com récitas na Tailândia, Bermudas, Índia, Paquistão, Coreia do Sul e Bahrain. Luigi/Il tabarro, Samson/Samson et Dalila (Grimeborn Opera Festival), Cavaradossi /Tosca (Musique Cordiale Festival, Wimbledon International Music Festival). Turiddu/Cavalleria rusticana (Coliseu Micaelense).  

Em concerto/oratória, destaca-se a estreia no Royal Festival Hall em Requiem de Mozart com a English Chamber Orchestra/Philharmonia Chorus e Das Lied von Der Erde de Mahler com a Orquestra Metropolitana de Lisboa, no Centro Cultural de Belém.   

© Viúva

O vasto repertório do barítono espanhol inclui mais de 50 papéis em alguns dos mais importantes palcos do mundo. 

Como cantor verdiano, destacam-se as suas interpretações de Conte di Luna, Giorgio Germont, Paolo, Jago, Nabucco, Macbeth, Attila, Rigoletto, Amonasro, Falstaff e Ford. O seu repertório verista inclui Sharpless, Scarpia, Marcello, Guglielmo em Le villi, Lescaut, Michele ou Alfio e Tonio, papéis que interpretou em alguns dos mais conceituados palcos e cidades internacionais, como Théâtre des Champs-Elysées, Metropolitan Opera, Berlin Staatsoper, Teatro Real de Madrid, Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Concertgebow Amsterdam, Hamburg, Lausanne, Maggio Musical Fiorentino, Teatro La Maestranza, Palau de les Arts, Ópera de Tenerife, Teatro Bellini (Palermo), Helsínquia, Ópera de Las Palmas de Gran Canaria, Arena di Verona, Deutsche Oper Berlin, Teatro Nacional de São Carlos, Tetaro di San Carlo de Nápoles, Opéra de Nice, Chorégie d’Orange, Toulouse e Palma de Maiorca. 

No âmbito do bel canto, já se apresentou em importantes papéis de barítono como Don Pasquale.  O seu repertório francês abrange o seu notável Escamillo, além de Albert, Mercutio, Athanael e Grand Prête. É também um ilustre interpréte de Zarzuela. 

A sua discografia inclui Pagliacci, Il viaggio a Reims, Katiuska e La vida breve de Falla, para a etiqueta Deutsche Grammophon. 

Primeira harpista a ganhar o prémio nacional Jovem Músico do Ano, a «virtuosa harpista» (Prémio Jovens Músicos) Beatriz Cortesão tem vindo a cativar público a nível global com a sua «energia contagiosa» complementada por uma «técnica impressionante» (Harp Column). Entre os prémios internacionais conquistados, destaca-se o Prémio Mário Falcão no 21.º Concurso Internacional de Harpa, em Israel.

Enquanto solista, apresentou-se com a Orquestra Sinfónica de Jerusalém, Orquestra Gulbenkian, Real Filarmonia da Galiza e com a Orquestra Clássica do Centro. Estreou a obra  Hybris para harpa solo e orquestra de Alejandro Civilotti no Noia Harp Fest (2023), e tem vindo a apresentar-se como solista em Israel, Itália, Portugal, Rússia, Eslovénia, Espanha e Suiça. É primeira harpa da Accademia Teatro Alla Scala, em Milão, e foi harpista da Orquestra de Jovens da União Europeia (2020). Colabora regularmente com o Ensemble D’Arcos, e é cofundadora do duo AnimArpa, com Carolina Coimbra. Beatriz Cortesão estudou harpa desde jovem com Eleonor Picas, Beatrix Schmidt, Rita Campos e Erica Versace. A academia HarpMasters desempenhou um papel vital no desenvolvimento das suas capacidades pessoais e artísticas, desde 2012. Detém a licenciatura e o mestrado em performance da música, com a mais alta distinção, da Civica Scuola di Musica Claudio Abbado, na classe de Irina Zingg. 

© Lorenzo Gorini

Os Estúdios Victor Córdon são uma plataforma criativa pertencente ao OPART, cuja missão é o apoio à comunidade artística independente. A sua programação pretende dar voz às necessidades de criadores(as) e intérpretes, nomeadamente no registo e transmissão dos seus discursos, pensamento em torno da criação artística e impacto na realidade social. Promovendo diferentes visões, os Estúdios olham as rotas da língua portuguesa como lugares de encontro, e refletem sobre o papel da criação artística no processo de aproximação de culturas, através do diálogo com as comunidades migrantes residentes em Portugal, em especial com as comunidades afrodescendentes, destacando a importância da sua presença nas instituições culturais e na sociedade em geral. Os EVC dão apoio à criação a artistas, festivais e instituições de ensino, com especial dedicação no suporte dado a jovens intérpretes e criadores(as) em início de carreira.  

©Guilherme Gouveia

João Freitas Sousa nasceu em 2007, em Fafe, distrito de Braga. Iniciou em 2013 os seus estudos na Academia de Música José Atalaya, em Fafe, na classe de clarinete de José Ricardo Freitas, tendo concluído até à data o 6.º grau. Participou e foi laureado em dezanove concursos de clarinete (nacionais e internacionais), tendo obtido o 1.º prémio em dezasseis deles, dos quais se destacam o Prémio Jovens Músicos 2023, categoria A – solista, clarinete (nível médio) e o Grande Prémio da Música Lions 2024.  

Integra, ainda, a Banda de Música de Cabeceiras, participando, também:  na Orquestra de Clarinetes Jaime Carriço, da Academia de Clarinete Marcos Romão dos Reis Jr.; na orquestra de clarinetes Invicta All Stars; na Orchestra Club, assim como na Orquestra Sinfónica Ensemble como 1.º clarinete. Participou em diversas masterclasses com clarinetistas e pedagogos de referência, tais como António Saiote, Piero Di Vicenti, Nuno Silva, Gabor Varga, Esther Georgie, Nuno Pinto, Cologero Palermo, Arek Adamski, Arno Piters, Josep Fuster, Joan Lluna, Keith Lipson, Florent Héau, Jérôme Voisin, Philippe Cuper, Philippe Berrod, Patrick Messina, Luís Carvalho, David Medina, Mariano Rey, Iva Barbosa, Manuel Jerónimo, Luís Gomes, Esteban Valverde, Jorge Camacho, Giovanni Punzi, Victor Pereira, entre outros.

Vesselina Kasarova nasceu em Stara Zagora (Bulgária) e começou a tocar piano ainda em tenra idade. Após obter o diploma de pianista de concerto, estudou canto com Ressa Koleva na Academia de Música de Sófia. Posteriormente, foi contratada pela Ópera de Zurique, onde rapidamente se impôs como uma das cantoras mais queridas  do público, tendo sido aclamada pela imprensa internacional como uma grande revelação. Nesse mesmo ano, ganhou igualmente o 1º Prémio no concurso de canto alemão “Neue Stimmen” em Gütersloh. Dois anos mais tarde, Vesselina Kasarova estreou-se no Festival de Salzburgo e na Ópera Estatal de Viena. Desde então, tem interpretado um vasto repertório nas principais casas de óperas e de concerto da Europa, dos EUA e do Japão, incluindo a Royal Opera House Covent Garden, o Gran Teatre del Liceu de Barcelona, a Ópera Estatal da Baviera, a Ópera Nacional de Paris, o Teatro alla Scala de Milão, a Lyric Opera de Chicago, a Metropolitan Opera, a Ópera de São Francisco, o Teatro Nacional de São Carlos, o Teatro Real de Madrid, o Maggio Musicale Fiorentino e o Rossini Opera Festival em Pesaro. Gravou numerosos recitais e óperas completas como artista exclusiva da RCA e para outras companhias e foi galardoada com o prémio “Bayerische Kammersängerin” e “Österreichische Kammersängerin”.

A soprano Ana Sofia Ventura concluiu a sua licenciatura na Escola Superior de Música de Lisboa e posteriormente integrou a International Opera Academy em Gante, na Bélgica. 

Estreou, no Teatro Nacional de São Carlos, a ópera O Rouxinol de Sérgio Azevedo, com os papéis de Rouxinol e Rouxinol Mecânico. Estreou recentemente a ópera portuguesa Madrugada: razões de um movimento, co-produção MPMP e Orquestra do Algarve. Dos seus papéis operáticos destacam-se os papéis mozarteanos Königin der Nacht, Susanna e Zerlina. Interpretou também Sra. T em Manifesto NaDa, de A. Sousa Dias, Cathleen em Riders to the Sea, de V. Williams, Belinda em Dido and Aeneas, de H. Purcell, Cephisa em Orpheus, de G. P. Telemann, Civene em Le Cinesi, de C. W. Gluck. 

Participou na estreia moderna de La Ninfa del Tago de A. Scarlatti, no papel de Tirsi, com a OML sob a direção de Enrico Onofri, e participou também na 4ª Sinfonia de Mahler, sob a direção de Miguel Romea. 

No contexto de oratória, interpretou The Messiah de G. F. Händel, Messe in h-Moll de J. S. Bach, Lauda per la Navità del Signore de O. Respighi como Anjo, Wie der Hirsch Schreit de F. Mendelssohn. 

Natural de Roma, licenciou-se em piano, composição, música coral e direção de orquestra na Academia de Santa Cecília. Aperfeiçoou-se com Zoltán Peskó, Vladimir Delman e Rudolf Barshai, tendo alcançado o 3.º prémio no Concurso Arturo Toscanini de Parma. De 1995 a 2001, foi diretor musical no Teatro de Ópera de Ancara, ocupando, de 2001 a 2005, o mesmo cargo na Ópera Estatal de Istambul. Dos compromissos passados e mais recentes, destacam-se: Lucia di Lammermoor em Buenos Aires e Bari; La Gioconda em Santander; Andrea Chénier em Berlim e na Catânia; Macbeth em Lisboa; Aida em Copenhaga e Caracalla; Il trovatore, Anna Bolena e Ernani na Catânia; Tosca em Florença e Bari; Turandot em Copenhaga, Verona e Catânia; Aroldo em Bilbau; Il barbiere di Siviglia em Tóquio, Valência e Verona; Carmen em Copenhaga e Avenches; Faust em Tóquio e Santander; Un ballo in maschera em Salerno e Lisboa; Madama Butterflyem Ancona; Medea no circuito As.Li.Co.; Norma em Trapani e Spalato; Attila em Lecce e Roma; Otello em Lisboa; Manon Lescaut em Torre del Lago; Nabucco em Caracalla e Lisboa; Rigoletto em Tóquio, Falstaff em Xangai; e La forza del destino em Lisboa. É, atualmente, maestro titular da Orquestra Sinfónica Portuguesa. 

© Bruno Simão

Henrique Pimentel tem colaborado em 2024 com o Teatro Nacional de São Carlos em vários projectos. Foi responsável pela reposição de Madama Butterfly, encenada por Jacopo Spirei, e depois assistente do mesmo encenador na sua recente produção de Falstaff. Assina agora a encenação de dois concertos no âmbito do Festival ao Largo 2024. Anteriormente, realizou estágios com os encenadores Vincent Huguet em Così Fan Tutte (Staatsoper de Berlim, 2021) e Christophe Gayral em La Bohème (69º Festival Puccini em Torre del Lago, 2023). 

É licenciado e mestre em Arquitectura pela Universidade de Coimbra, tendo iniciado a sua actividade profissional e multidisciplinar no atelier de Luísa Bebiano. A partir de 2022 dedicou-se exclusivamente a projetos nas áreas da cenografia, direção de arte para cinema e encenação, colaborando com outros nomes importantes como Luis F. Carvalho, Artur Pinheiro, Augusto Mayer e Nuno Carinhas. 

Criada em 1993, a Orquestra Sinfónica Portuguesa (OSP) é um dos corpos artísticos do Teatro Nacional de São Carlos e tem vindo a desenvolver uma atividade sinfónica própria, incluindo uma programação regular de concertos, participações em festivais de música nacionais e internacionais. Colabora regularmente com a Rádio e Televisão de Portugal através da transmissão dos seus concertos e óperas pela Antena 2, designadamente a realização da tetralogia O anel do Nibelungo, transmitida na RTP2, e da participação em iniciativas da própria RTP, como o Prémio Pedro de Freitas Branco para Jovens Chefes de Orquestra, o Prémio Jovens Músicos-RDP e a Tribuna Internacional de Jovens Intérpretes. No âmbito das temporadas líricas e sinfónicas, a OSP tem-se apresentado sob a direção de notáveis maestros, como Rafael Frühbeck de Burgos, Alain Lombard, Nello Santi, Alberto Zedda, Harry Christophers, George Pehlivanian, Michel Plasson, Krzysztof Penderecki, Djansug Kakhidze, Milán Horvat, Jeff rey Tate e Iuri Ahronovitch, entre outros. A discografia da OSP conta com dois CD para a etiqueta Marco Polo, com as Sinfonias n.os 1, 3, 5e 6 de Joly Braga Santos, que gravou sob a direção do seu primeiro maestro titular, Álvaro Cassuto, e Crossing borders (obras de Wagner, Gershwin e Mendelssohn), sob a direção de Julia Jones, numa gravação ao vivo pela Antena 2. Recentemente, em maio de 2022, foi lançado o CD editado pela Naxos com obras de Fernando Lopes-Graça, sob a direção de Bruno Borralhinho. No cargo de maestro titular, seguiram-se José Ramón Encinar (1999-2001), Zoltán Peskó (2001-2004) e Julia Jones (2008-2011); Donato Renzetti desempenhou funções de primeiro maestro convidado entre 2005 e 2007. Joana Carneiro foi maestrina titular de 2014 a 2021. Atualmente, a direção musical está a cargo de Antonio Pirolli, seu maestro titular. 

© David Rodrigues

Criada em 1993, a Orquestra Sinfónica Portuguesa (OSP) é um dos corpos artísticos do Teatro Nacional de São Carlos e tem vindo a desenvolver uma atividade sinfónica própria, incluindo uma programação regular de concertos, participações em festivais de música nacionais e internacionais. Colabora regularmente com a Rádio e Televisão de Portugal através da transmissão dos seus concertos e óperas pela Antena 2, designadamente a realização da tetralogia O anel do Nibelungo, transmitida na RTP2, e da participação em iniciativas da própria RTP, como o Prémio Pedro de Freitas Branco para Jovens Chefes de Orquestra, o Prémio Jovens Músicos-RDP e a Tribuna Internacional de Jovens Intérpretes. No âmbito das temporadas líricas e sinfónicas, a OSP tem-se apresentado sob a direção de notáveis maestros, como Rafael Frühbeck de Burgos, Alain Lombard, Nello Santi, Alberto Zedda, Harry Christophers, George Pehlivanian, Michel Plasson, Krzysztof Penderecki, Djansug Kakhidze, Milán Horvat, Jeff rey Tate e Iuri Ahronovitch, entre outros. A discografia da OSP conta com dois CD para a etiqueta Marco Polo, com as Sinfonias n.os 1, 3, 5e 6 de Joly Braga Santos, que gravou sob a direção do seu primeiro maestro titular, Álvaro Cassuto, e Crossing borders (obras de Wagner, Gershwin e Mendelssohn), sob a direção de Julia Jones, numa gravação ao vivo pela Antena 2. Recentemente, em maio de 2022, foi lançado o CD editado pela Naxos com obras de Fernando Lopes-Graça, sob a direção de Bruno Borralhinho. No cargo de maestro titular, seguiram-se José Ramón Encinar (1999-2001), Zoltán Peskó (2001-2004) e Julia Jones (2008-2011); Donato Renzetti desempenhou funções de primeiro maestro convidado entre 2005 e 2007. Joana Carneiro foi maestrina titular de 2014 a 2021. Atualmente, a direção musical está a cargo de Antonio Pirolli, seu maestro titular. 

© David Rodrigues

É, desde janeiro de 2021, maestro titular do Coro do Teatro Nacional de São Carlos. Estudou trombone, composição, música coral e direção coral no Conservatório de Música Giuseppe Verdi, em Milão. De 2016 a janeiro de 2021, foi maestro do Coro da Devlet Opera Ve Balesi de Ancara e, de 2018 a janeiro de 2021, desempenhou as funções de orientador vocal do Coro da Rádio e Televisão da Turquia. Simultaneamente à sua carreira como barítono solista, prosseguiu a atividade como maestro de coro, a partir de 1993, quando criou o Schola Cantorum «Cantate Domino» de Carbonate (Itália). Em 1996, fundou o Coro «Euphonia», em Carbonate, do qual foi diretor artístico e orientador vocal. O Coro «Euphonia» foi levado à descoberta do mundo da ópera, tendo interpretado, ao longo dos anos, os mais importantes títulos do repertório melodramático. De janeiro de 2002 a 2016, dirigiu o Coro Lirico dell’Associazione Musicale Calauce de Calolziocorte (Itália). De 2006 a 2016, dirigiu o coro lírico «Corale Arnatese» e, de setembro de 2012 a 2015, foi o maestro do Coro Operístico de Mendrisio (Suíça). Em 2015, fundou o Coro Sinfónico Ticino. Durante vários anos, lecionou técnica, pedagogia e didatismo de canto para maestros de coro, em cursos organizados pela Unione Società Corali Italiane, da qual foi membro do Comité Artístico. Como freelancer, é regularmente convidado, por ensembles e coros, a orientar masterclasses e cursos de canto, tanto em Itália como no resto do mundo. 

© Bruno Frango

É, desde janeiro de 2021, maestro titular do Coro do Teatro Nacional de São Carlos. Estudou trombone, composição, música coral e direção coral no Conservatório de Música Giuseppe Verdi, em Milão. De 2016 a janeiro de 2021, foi maestro do Coro da Devlet Opera Ve Balesi de Ancara e, de 2018 a janeiro de 2021, desempenhou as funções de orientador vocal do Coro da Rádio e Televisão da Turquia. Simultaneamente à sua carreira como barítono solista, prosseguiu a atividade como maestro de coro, a partir de 1993, quando criou o Schola Cantorum «Cantate Domino» de Carbonate (Itália). Em 1996, fundou o Coro «Euphonia», em Carbonate, do qual foi diretor artístico e orientador vocal. O Coro «Euphonia» foi levado à descoberta do mundo da ópera, tendo interpretado, ao longo dos anos, os mais importantes títulos do repertório melodramático. De janeiro de 2002 a 2016, dirigiu o Coro Lirico dell’Associazione Musicale Calauce de Calolziocorte (Itália). De 2006 a 2016, dirigiu o coro lírico «Corale Arnatese» e, de setembro de 2012 a 2015, foi o maestro do Coro Operístico de Mendrisio (Suíça). Em 2015, fundou o Coro Sinfónico Ticino. Durante vários anos, lecionou técnica, pedagogia e didatismo de canto para maestros de coro, em cursos organizados pela Unione Società Corali Italiane, da qual foi membro do Comité Artístico. Como freelancer, é regularmente convidado, por ensembles e coros, a orientar masterclasses e cursos de canto, tanto em Itália como no resto do mundo. 

© Bruno Frango

O Coro do Teatro Nacional de São Carlos, criado em 1943 sob a titularidade de Mario Pellegrini, tem atuado sob a direção de importantes maestros (Pedro de Freitas Branco, Votto, Serafin, Gui, Giulini, Klemperer, Zedda, Solti, Santi, Rescigno, Navarro, Rennert, Burgos, Conlon, Christophers, Plasson e Minkowski, entre outros) e colaborado com marcantes encenadores (Pountney, Carsen, Vick). Entre 1962 e 1975, o Coro colaborou nas temporadas da Companhia Portuguesa de Ópera (Teatro da Trindade), tendo-se deslocado com a mesma à Madeira, aos Açores, a Angola e a Oviedo. O conjunto tem regularmente abordado o repertório de compositores nacionais (Alfredo Keil, Augusto Machado) e tem participado em estreias mundiais de óperas de Fernando Lopes-Graça, António Victorino d’Almeida, António Chagas Rosa, Nuno Côrte-Real. Em 1980, formou-se um primeiro núcleo coral a tempo inteiro e, três anos depois, assumiu-se a profissionalização plena, sob a direção de Antonio Brainovitch. A partir de 1985, a afirmação artística do conjunto foi creditada a Gianni Beltrami e o titular seguinte foi João Paulo Santos. Sob a responsabilidade destes dois maestros, o Coro registou marcantes êxitos internacionais: Grande messe des morts de Berlioz (1989–Turim); Requiem de Verdi (1991–Bruxelas); Concerto Henze/Corghi (1997–Festival de Granada). Giovanni Andreoli assumiu o cargo em 2004. Sob a sua direção, o Coro averbou êxitos num vasto e variado repertório. Em 2005, o Coro foi convidado pela Ópera de Génova para participar em récitas da ópera Billy Budd de Britten, convite que se repetiu em 2015. Giampaolo Vessella é o maestro titular desde janeiro de 2021.   

O Coro do Teatro Nacional de São Carlos, criado em 1943 sob a titularidade de Mario Pellegrini, tem atuado sob a direção de importantes maestros (Pedro de Freitas Branco, Votto, Serafin, Gui, Giulini, Klemperer, Zedda, Solti, Santi, Rescigno, Navarro, Rennert, Burgos, Conlon, Christophers, Plasson e Minkowski, entre outros) e colaborado com marcantes encenadores (Pountney, Carsen, Vick). Entre 1962 e 1975, o Coro colaborou nas temporadas da Companhia Portuguesa de Ópera (Teatro da Trindade), tendo-se deslocado com a mesma à Madeira, aos Açores, a Angola e a Oviedo. O conjunto tem regularmente abordado o repertório de compositores nacionais (Alfredo Keil, Augusto Machado) e tem participado em estreias mundiais de óperas de Fernando Lopes-Graça, António Victorino d’Almeida, António Chagas Rosa, Nuno Côrte-Real. Em 1980, formou-se um primeiro núcleo coral a tempo inteiro e, três anos depois, assumiu-se a profissionalização plena, sob a direção de Antonio Brainovitch. A partir de 1985, a afirmação artística do conjunto foi creditada a Gianni Beltrami e o titular seguinte foi João Paulo Santos. Sob a responsabilidade destes dois maestros, o Coro registou marcantes êxitos internacionais: Grande messe des morts de Berlioz (1989–Turim); Requiem de Verdi (1991–Bruxelas); Concerto Henze/Corghi (1997–Festival de Granada). Giovanni Andreoli assumiu o cargo em 2004. Sob a sua direção, o Coro averbou êxitos num vasto e variado repertório. Em 2005, o Coro foi convidado pela Ópera de Génova para participar em récitas da ópera Billy Budd de Britten, convite que se repetiu em 2015. Giampaolo Vessella é o maestro titular desde janeiro de 2021.   

Bin Chao nasceu no seio de uma família de músicos e começou a tocar violino aos seis anos de idade. Estudou no Conservatório Central de Música de Pequim, onde se diplomou com distinção, e concluiu um Mestrado em Música no Mannes College of Music de Nova Iorque, onde estudou com o violinista David Nadien.

O violinista e crítico musical Henry Roth elogiou a musicalidade e a técnica sólida de Bin Chao no seu livro Grandes Violinistas, livro este que faz uma análise sobre os 100 maiores violinistas do século XX, de acordo com a perspetiva do seu autor.

Em 1984 foi 2.º classificado no Concurso Nacional de Violino da China. Como solista, recitalista e músico de câmara, atuou por toda a Europa e na América do Norte. Mudou-se para Lisboa em 1991, tendo participado nos principais festivais de música em Portugal e ainda no Festival de Aspen e no Festival Schumann de Nova Iorque.

Em 2001 foi solista convidado no prestigiado Annual English Handbell Festival, em Nova Iorque. Entre 1999 e 2001, ensinou violino em Nova Iorque, integrado na iniciativa da Fundação Midori de levar a música às escolas públicas. Foi professor na Universidade de Évora e desde 2007 ensina violino, viola e música de câmara no Instituto Piaget. Desde 2010, colabora com o Conservatório de Música da Universidade de Lawrence, em Appleton, Wisconsin, nos Estados Unidos da América. Bin Chao toca num violino Carlo Giuseppe Testore de 1715, tendo também instrumentos dos luthiers Antonio Capela e Judith Bauer, entre outros. Desde 2014, é professor de violino na Escola Superior de Música de Lisboa.

Natural de Roma, licenciou-se em piano, composição, música coral e direção de orquestra na Academia de Santa Cecília. Aperfeiçoou-se com Zoltán Peskó, Vladimir Delman e Rudolf Barshai, tendo alcançado o 3.º prémio no Concurso Arturo Toscanini de Parma. De 1995 a 2001, foi diretor musical no Teatro de Ópera de Ancara, ocupando, de 2001 a 2005, o mesmo cargo na Ópera Estatal de Istambul. Dos compromissos passados e mais recentes, destacam-se: Lucia di Lammermoor em Buenos Aires e Bari; La Gioconda em Santander; Andrea Chénier em Berlim e na Catânia; Macbeth em Lisboa; Aida em Copenhaga e Caracalla; Il trovatore, Anna Bolena e Ernani na Catânia; Tosca em Florença e Bari; Turandot em Copenhaga, Verona e Catânia; Aroldo em Bilbau; Il barbiere di Siviglia em Tóquio, Valência e Verona; Carmen em Copenhaga e Avenches; Faust em Tóquio e Santander; Un ballo in maschera em Salerno e Lisboa; Madama Butterflyem Ancona; Medea no circuito As.Li.Co.; Norma em Trapani e Spalato; Attila em Lecce e Roma; Otello em Lisboa; Manon Lescaut em Torre del Lago; Nabucco em Caracalla e Lisboa; Rigoletto em Tóquio, Falstaff em Xangai; e La forza del destino em Lisboa. É, atualmente, maestro titular da Orquestra Sinfónica Portuguesa. 

© Bruno Simão

Diogo Costa é, atualmente, um dos jovens maestros mais ativos do país. Entre os seus projetos recentes e futuros incluem-se os convites para a Orquestra Gulbenkian, a Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música, a Orquestra Metropolitana de Lisboa, bem como para várias orquestras regionais do país. Em Inglaterra, dirigiu a Hallé Orchestra e a Filarmónica da BBC, em Manchester, a Orquestra Nacional de Gales da BBC, e a West European Studio Orchestra, com a qual tem vindo a gravar em diversos estúdios, entre eles o lendário Abbey Road, em Londres.  

Nutrindo um interesse especial pela ópera, trabalhou como maestro assistente de Lorenzo Viotti na produção da ópera Roméo et Juliette de Gounod, com a Orquestra e Coro Gulbenkian, e também enquanto maestro assistente de David Azagra na produção da ópera L’elisir d’amore de Donizetti, em Espanha. Em 2021, estreou-se enquanto maestro principal na produção da ópera The Medium de Menotti, no Operafest Lisboa, que recebeu as melhores críticas internacionais.   

Presença constante em diversos concursos internacionais, foi recentemente laureado no Prémio Jovens Músicos em direção de orquestra. Em 2020, foi finalista no Mackerras Fellowship da Ópera Nacional de Inglaterra e semi-finalista na Siemens Hallé International Conducting Competition.   

Jermaine Maurice Spivey é um coreógrafo norte-americano em clara ascensão, que, a par de uma brilhante carreira enquanto intérprete, convoca ativamente a ideia de uma prática colaborativa nos seus processos de criação. De 2002 a 2017, viveu e trabalhou predominantemente na Europa, tendo sido membro do Ballet Gulbenkian e do Cullberg Ballet. Trabalhou como artista convidado para a Hofesh Shechter Company, Robyn Live 2016, The LID, Arias Company e The Forsythe Company de 2013 a 2015, entre outras colaborações. É membro da companhia Kidd Pivot desde 2008. Como coreógrafo, já lhe foram comissionados trabalhos pela companhia Salt Contemporary Dance (EUA), Rambert 2 (RU), LA Dance Project (EUA), The Broad Museum (EUA), Christina Aguilera Live at The Hollywood Bowl com Gustavo Dudamel e a LA Phil, e, mais recentemente, Hubbard Street Dance Chicago (EUA), NDT 2 (Países Baixos) e Ballet Flanders (Bélgica). Em colaboração com o seu companheiro e parceiro artístico Spenser Theberge, Spivey criou as obras Rather This Then e Position 3. Spivey orienta ainda práticas de dança por toda a América do Norte e Europa. 

© Jermaine Spivey

Alexandre Andrade, Gonçalo Brandão, Manuel Dias e Pedro Simões, naturais dos distritos de Aveiro, Viseu e Porto, formam o Ketuk Quartet. O projeto surgiu a partir do trabalho realizado no grupo de percussão da Escola Profissional de Música de Espinho com o objetivo de concorrer ao Prémios Jovens Músicos, objetivo que foi realizado com a obtenção do primeiro prémio no PJM 2023 na categoria de música de câmara - nível médio. Destaca-se ainda a atuação no grande auditório da Fundação Calouste Gulbenkian no âmbito do Festival Jovens Músicos. Atualmente, o quarteto procura contribuir para a relevância da percussão na música de câmara.

Compositor e maestro, Pedro Amaral (Lisboa, 1972) é um dos músicos mais ativos da sua geração. Iniciou os seus estudos com Fernando Lopes-Graça, em 1986. Graduou-se na Escola Superior de Música de Lisboa (1994) e no Conservatório de Paris (CNSM), onde obteve o Primeiro Prémio em Composição por unanimidade do júri (1998). Estudou direção de orquestra com Emilio Pomàrico e com Peter Eötvös, de quem foi assistente.

Prosseguiu estudos universitários na École des Hautes Études en Sciences Sociales, obtendo um Mestrado em Musicologia Contemporânea (1998) e um Doutoramento (2003) com uma tese sobre Momente, de K. Stockhausen.

Trabalhou no IRCAM, em Paris, como compositeur en recherche, compondo e estreando diversas obras para meios instrumentais e eletrónica em tempo real, tornando-se presença assídua em muitos dos mais importantes festivais internacionais. Em 2006 gravou o seu primeiro disco monográfico, com a London Sinfonietta, sob a sua direção. As suas óperas O Sonho e Beaumarchais foram estreadas em Londres (2010) e Lisboa (Teatro Nacional Dona Maria II, 2017), respetivamente.

Foi compositor residente na Herrenhaus Edenkoben (Alemanha, 2001), na Villa Medici (antigo Prix de Rome, 2004/05) e no Palácio Lenzi (Florença, 2006). Professor da Universidade de Évora desde 2007, é membro da Academia de Belas Artes desde 2017.

Em cada temporada, Pedro Amaral dirige numerosos concertos em Portugal e no estrangeiro, com um repertório que se estende do Classicismo vienense à contemporaneidade, empenhando-se em projetos de amplo significado como o que dirigiu em Milão, no Teatro alla Scala, com a Orquestra Sinfónica Nacional da RAI de Turim e o violinista Vadim Repin, em maio de 2022, 11 semanas após a invasão da Ucrânia, com um apelo à Paz em tempos de guerra.

Com uma ampla experiência na programação de concertos, temporadas e festivais, desempenhou as funções de Maestro Titular da Orquestra do Conservatório Nacional (2007/08), do Sond’Arte Electric Ensemble (2007/10) e da Orquestra Metropolitana de Lisboa, funções que acumulou com as de Diretor Artístico (2013/20).

Iniciou os seus estudos de ballet em 1961 no Grupo Verde Gaio e, em 1968 ingressou no Ballet Gulbenkian. Em 1975 formou-se em Dança Moderna na Escola de Dança Contemporânea de Martha Graham, em Nova Iorque. Durante mais de duas décadas desempenhou funções de coreógrafo residente no Ballet Gulbenkian, onde criou dezenas de obras que marcaram o estilo da companhia. Além disso, foi regularmente convidado a coreografar em diversas companhias estrangeiras, nomeado professor de Dança Moderna na Escola de Dança do Conservatório Nacional e professor coordenador na Escola Superior de Dança. Também atuou como diretor artístico do Festival de Sintra na área da dança e do Teatro Camões, além de ser diretor artístico da CNB. 

Em 1997 fundou, juntamente com Graça Barroso, a Companhia Portuguesa de Bailado Contemporâneo (CPBC), que estreou em abril de 1998, no Brasil. Recebeu várias distinções ao longo da sua carreira, sendo condecorado como Comendador da Ordem do Infante D. Henrique pelo então Presidente da República, Dr. Mário Soares, em 10 de junho de 1994. 

Atualmente, ocupa o cargo de Presidente da Direção e coreógrafo principal na CPBC. Em 2021 confiou a direção artística a Cláudia Sampaio, uma das bailarinas fundadoras da companhia. 

Em janeiro de 2024 foi agraciado com a Medalha de Mérito Cultural da Câmara Municipal de Lisboa. 

© Kinema

«Uma notável artista, uma cantora inata (...) com uma voz bonita e redonda, uma presença excecional em palco, com uma messa di voiceque após a Caballé é muito difícil de encontrar» (diretor do Festival Oper im Berg). Estreou-se em Salzburgo (Festival Oper im Berg) com o papel titular em Lucia di Lammermoor, em prestação muito aclamada pela crítica e pelo público.

Interpretou os papéis Musetta no TNSC onde recebeu os melhores elogios da critica pública - «The highlight was Bárbara Barradas as Musetta. A scene-stealing actress, she really brought out the heartfelt generosity of her character and has this wonderfully poised, silvery soprano with an easy top» - by OperaTraveller. Na sua carreira, já interpretou Lucia, Gilda, Corinna, Valencienne, Le Feu e Le Rossignol, Susanna, Barbarina, La Fèe, Frasquita, Donna Anna, Zerlina, Königin der Nacht, Ines di Castro, entre outros. Estreou no Teatro da Trindade, o papel de Bruna da ópera Canção do Bandido de Nuno Côrte-Real, com encenação de Ricardo Neves-Neves. Na Culturgest, também em estreia absoluta, foi a solista de Tremor de Nuno Côrte-Real, obra que gravou em Berlim. Canta regularmente com as mais prestigiadas orquestras nacionais e internacionais. Foi bolseira da Fundação Gulbenkian, formou-se em Londres com distinção (BMus e MMus) na Guildhall School of Music and Drama. Fez também pós-graduações na International Opera Academy e na WIAV. Ganhou vários prémios e bolsas de estudo em inúmeras competições nacionais e internacionais.

É fundadora e mentora do «Empodera-te na Voz» e da marca «EmpoderARTE», é também co-fundadora da ArtAllurement.

Dedicado à performance do batuku, as Batucadeiras das Olaias surgem com o objetivo de partilhar, divulgar, reivindicar e exaltar a história, a memória e a cultura cabo-verdiana. A celebração é uma representação central da cultura de Cabo Verde e das comunidades cabo-verdianas na diáspora. Não se prendem apenas à música, ritmo e arte, mas sobretudo ao sentido de amizade, familiaridade, vizinhança e sociabilidade.  
A partir das próprias músicas autorais, o grupo partilha as suas memórias, conhecimentos e histórias de vida, gerando uma evasão da vida quotidiana e uma marcação identitária no contexto migratório. Além disso, promovem o fortalecimento dos laços comunitários e a preservação das tradições culturais. As performances das Batucadeiras das Olaias são momentos de união e celebração, onde a música e a dança se tornam uma linguagem comum que transcende fronteiras. Elas representam não apenas um resgate cultural, mas também uma forma de resistência e afirmação da identidade cabo-verdiana no mundo.  

Estudou na Guildhall School of Music and Drama, em Londres, onde obteve a licenciatura em canto e mestrado (curso de ópera) como bolseira da

Fundação Calouste Gulbenkian. O seu repertório de ópera inclui, entre outros: Preziosilla em La forza del destino; Dorabella em Così fan tutte; Jocasta

em Oedipus rex; Ježibaba em Rusalka; Suzuki em Madama Butterfly; Maddalena em Rigoletto; Eboli em Don Carlo; Madame de Croissy em Dialogues

des carmélites; papel titular em Carmen; Santuzza em Cavalleria rusticana; Condessa di Coigny e Madelon em Andrea Chénier; Siebel em Faust e Azucena em Il trovatore. Em concerto, interpretou como solista: Messa da Requiem de Verdi; Requiem

de Mozart; Stabat Mater de Pergolesi; Oratória de Natal e Oratória de Páscoa e Paixão segundo São João de J. S. Bach; Petite messe solennelle de Rossini; Elijah

de Mendelssohn; Messiah de Händel; L’enfance du Christ de Berlioz; e 9.ª Sinfonia de Beethoven.

João Sanchez, 26 anos, nascido em Lisboa, maturado em Arruda dos Vinhos. Licenciado em Cinema pela Escola Superior de Teatro e Cinema, Freelancer na área audiovisual. Aos 17 anos estreia o seu primeiro filme, Pecado, na Cinemateca Portuguesa. Aos 18 cria o Colectivo Pagárrenda e estreia Nós os Arroianos, a sua primeira longa-metragem, na mesma sala. Desde então, realiza A maneira certa de encontrar casa, filme mais visto e artigo mais lido do Público em 2018. Realiza, edita e desenvolve vários projetos em colaboração com grandes empresas, músicos e ativações de marca. Em 2021 integra o júri do Festival de Cinema de Avanca e  cria a marca de roupa Bon Vivant. Em 2021 cria e interpreta juntamente com Maria Abrantes a performance Uma Água Por Favor e em 2023 o vídeo-dança Finimondo juntamente com Sofia Kafol.  

Ohad Naharin é coreógrafo residente da Batsheva Dance Company, coreógrafo convidado de inúmeras companhias e criador da linguagem de movimento Gaga. 

Nascido em 1952 em Mizra, Israel, entrou para a Batsheva Dance Company em 1974, apesar de ter pouca formação. Durante o seu primeiro ano, a coreógrafa convidada Martha Graham desafiou-o a juntar-se à sua própria companhia em Nova Iorque, onde Naharin fez a sua estreia coreográfica no estúdio de Kazuko Hirabayshi em 1980. Durante a década seguinte, apresentou trabalhos em Nova Iorque e no estrangeiro, incluindo peças para a Batsheva Dance Company, a Kibbutz Contemporary Dance Company e o Nederlands Dans Theater. Naharin trabalhou em estreita colaboração com a sua primeira mulher, Mari Kajiwara, até esta falecer de cancro em 2001. 

Em 1990 Naharin foi nomeado Diretor Artístico da Batsheva Dance Company e, no mesmo ano, criou a divisão júnior da companhia, Batsheva - the Young Ensemble. Desde então, criou mais de trinta obras para ambas as companhias e peças de cenário para muitas outras. Colaborou também com músicos como The Trator’s Revenge, Avi Balleli e Dan Makov, Ivri Lider e Grischa Lichtenberger. 

Sob o pseudónimo Maxim Waratt, compôs, editou e misturou muitas das suas próprias bandas sonoras. O trabalho de Naharin foi apresentado em vários filmes, incluindo Out of Focus (2007) de Tomer Heymann e Mr. Gaga (2015) dos irmãos Heymann. 

Para além do seu trabalho em palco, Naharin também desenvolveu Gaga, a inovadora pesquisa de movimentos e o treino diário dos bailarinos de Batsheva, que se espalhou internacionalmente entre bailarinos e não bailarinos. 

Cidadão de Israel e dos Estados Unidos, Naharin vive atualmente em Israel com a sua mulher, a bailarina e figurinista Eri Nakamura, e a sua filha, Noga. 

©Ilya Melnikov

Em 1962 a Fundação Calouste Gulbenkian decidiu estabelecer um agrupamento orquestral permanente. No início constituído apenas por doze elementos, foi originalmente designado por Orquestra de Câmara Gulbenkian. Ao longo de sessenta anos de atividade, a Orquestra Gulbenkian (denominação adotada desde 1971) foi sendo progressivamente alargada, contando hoje com um efetivo de cerca de sessenta instrumentistas que pode ser pontualmente expandido de acordo com as exigências de cada programa de concerto.  

Esta constituição permite à Orquestra Gulbenkian interpretar um amplo repertório que se estende do Barroco até à música contemporânea. Obras pertencentes ao repertório corrente das grandes formações sinfónicas tradicionais, nomeadamente a produção orquestral de Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Mendelssohn ou Schumann, podem ser dadas pela Orquestra Gulbenkian em versões mais próximas dos efetivos orquestrais para que foram originalmente concebidas, no que respeita ao equilíbrio da respetiva arquitetura sonora. 

Em cada temporada, a Orquestra Gulbenkian realiza uma série regular de concertos no Grande Auditório Gulbenkian, em Lisboa, em cujo âmbito tem tido ocasião de colaborar com alguns dos maiores nomes do mundo da música, nomeadamente maestros e solistas. Atua também com regularidade noutros palcos em diversas localidades do país, cumprindo desta forma uma significativa função descentralizadora. No plano internacional, por sua vez, a Orquestra Gulbenkian foi ampliando gradualmente a sua atividade, tendo até agora efetuado digressões na Europa, na Ásia, em África e nas Américas. 

No plano discográfico, o nome da Orquestra Gulbenkian encontra-se associado às editoras Philips, Deutsche Grammophon, Hyperion, Teldec, Erato, Adès, Nimbus, Lyrinx, Naïve e Pentatone, entre outras, tendo esta sua atividade sido distinguida, desde muito cedo, com diversos prémios internacionais de grande prestígio. A partir de setembro de 2023, O finlandês Hannu Lintu é o Maestro Titular da Orquestra Gulbenkian, sucedendo a Lorenzo Viotti. 

© FCGulbenkian

Akram Khan é um artista essencial e mundialmente reconhecido no campo da dança na atualidade. Ao longo dos últimos 23 anos, as suas obras têm contribuído significativamente para as artes no Reino Unido e no estrangeiro. Tem colaborado com artistas de outras culturas e disciplinas, tais como o Ballet Nacional da China, Juliette Binoche, Sylvie Guillem, Kylie Minogue, Florence + The Machine, Anish Kapoor, Antony Gormley, Tim Yip, Hanif Kureishi, Steve Reich, Nitin Sawhney, Jocelyn Pook ou Ben Frost. A obra de Khan é considerada profundamente comovente, chegando mesmo a poder ser lida como ritual, dada a influência que a dança clássica Kathak tem nela. Ao transportar elementos desta dança para as suas criações, Khan contribui para uma redefinição da nossa ideia do que é dançar. Ao longo da sua carreira, tem sido galardoado com inúmeras distinções.  

© Camilla Greenwell

Nascido em Tarouquela, Carlos Cardoso estudou na escola da Beira Interior com o maestro Ferreira. Foi o vencedor do 1º Prémio no Concurso Luísa Todi, do 3º Prémio no Concurso Magda Olivero, e do 1º Prémio no Concurso do Rotary Club, em Lisboa. Foi membro do Estúdio de Ópera do Teatro S. Carlos em Lisboa e da “Accademia del Teatro alla Scala” em Milão, no âmbito da qual participou de concertos e produções de ópera. Entre outras estreias, contam-se apresentações na Ópera Nacional Holandesa de Amesterdão, Teatro Verdi di Busseto para o Festival Parma Verdi, Teatro São Carlos em Lisboa, Stadttheater Klagenfurt, Ópera Vilnius e a Fundação Calouste Gulbenkian. Entre 2017 e 2023 foi membro do ensemble do Aalto Theater Essen. Como convidado, atuou também nas Óperas de Magdeburgo, Wiesbaden, Koblenz, Dortmund, Gelsenkirchen, Gärtnerplatz München, Ópera Nacional de Praga e Tirana, em Parma e Trieste, e no Musikverein de Viena. O seu repertório inclui, entre outros, os papéis de Duca/Rigoletto, Alfredo/La Traviata, Rodolfo/Luisa Miller, Renato/Un ballo in Maschera, Gabriele Adorno/Simone Boccanegra, Ismaele/Nabucco, Edgardo/Lucia di Lammermoor, Pollione/Norma, Rodolfo/La Bohème, Pinkerton/Madama Butterfly, Narraboth/Salomé. Em concerto, apresentou-se na Glagolitische Messe de Janacek, na Messa di Gloria de Puccini, na Petite Messe Solennelle e no Stabat Mater de Rossini, e ainda no Requiem de Dvorak. 

A CNB é o organismo de produção artística que tem como missão assegurar a prestação de um serviço público no domínio da dança, no âmbito de um projeto cultural centrado na promoção do acesso dos cidadãos à fruição desta atividade artística e no reforço dos padrões de qualidade da criação e produção profissionais da dança em Portugal e no estrangeiro. Ao longo de mais de quatro décadas de existência tem apresentado obras de referência do reportório internacional, quer as incontornáveis do dito clássico, quer as de coreógrafos como George Balanchine, Kurt Jooss, José Limón, Anne Teresa De Keersmaeker, William Forsythe, Hans van Manen, Jiří Kylián, Akram Khan, Sasha Waltz, Sidi Larbi Cherkaoui, Alexander Ekman, entre outros. Paralelamente tem apostado em encomendas geradoras de uma identidade própria, com especial destaque nos convites a autores portugueses Armando Jorge, Olga Roriz, Rui Lopes Graça, Vasco Wellenkam, Rui Horta, Fernando Duarte, Tiago Rodrigues, Victor Hugo Pontes, Tânia Carvalho, Clara Andermatt, Sónia Baptista, Filipe Portugal e Marco da Silva Ferreira, entre outros. 

A interligação com distintas áreas da criação artística tem sido, também, uma preocupação de muitas dessas encomendas envolvendo importantes nomes da música, teatro, cinema ou artes plásticas e aproveitando a versatilidade de um elenco, atualmente dirigido artisticamente por Carlos Prado. 

Leonel Pinheiro é licenciado pela Universidade de Aveiro e pós-graduado pela Royal Scottish Academy of Music & Drama, Opera School (Mestrado), Guildhall School of Music & Drama. Trabalha regularmente com o Wexford Festival Opera, cantou Kozak Maria/Showman A Village Romeo and Juliet, Achille di Rosalba/Felice Il cappello di paglia di Firenze. Destacam-se dos papéis interpretados: Don Jose/ Carmen (Mid Wales Opera) encenação Sir Jonathan Miller, Macduff /Macbeth (Scottish Opera), Alfredo La traviata (Bermuda Festival, European Chamber Opera, Bangkok Grand Opera) com récitas na Tailândia, Bermudas, Índia, Paquistão, Coreia do Sul e Bahrain. Luigi/Il tabarro, Samson/Samson et Dalila (Grimeborn Opera Festival), Cavaradossi /Tosca (Musique Cordiale Festival, Wimbledon International Music Festival). Turiddu/Cavalleria rusticana (Coliseu Micaelense).  

Em concerto/oratória, destaca-se a estreia no Royal Festival Hall em Requiem de Mozart com a English Chamber Orchestra/Philharmonia Chorus e Das Lied von Der Erde de Mahler com a Orquestra Metropolitana de Lisboa, no Centro Cultural de Belém.   

© Viúva

O vasto repertório do barítono espanhol inclui mais de 50 papéis em alguns dos mais importantes palcos do mundo. 

Como cantor verdiano, destacam-se as suas interpretações de Conte di Luna, Giorgio Germont, Paolo, Jago, Nabucco, Macbeth, Attila, Rigoletto, Amonasro, Falstaff e Ford. O seu repertório verista inclui Sharpless, Scarpia, Marcello, Guglielmo em Le villi, Lescaut, Michele ou Alfio e Tonio, papéis que interpretou em alguns dos mais conceituados palcos e cidades internacionais, como Théâtre des Champs-Elysées, Metropolitan Opera, Berlin Staatsoper, Teatro Real de Madrid, Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Concertgebow Amsterdam, Hamburg, Lausanne, Maggio Musical Fiorentino, Teatro La Maestranza, Palau de les Arts, Ópera de Tenerife, Teatro Bellini (Palermo), Helsínquia, Ópera de Las Palmas de Gran Canaria, Arena di Verona, Deutsche Oper Berlin, Teatro Nacional de São Carlos, Tetaro di San Carlo de Nápoles, Opéra de Nice, Chorégie d’Orange, Toulouse e Palma de Maiorca. 

No âmbito do bel canto, já se apresentou em importantes papéis de barítono como Don Pasquale.  O seu repertório francês abrange o seu notável Escamillo, além de Albert, Mercutio, Athanael e Grand Prête. É também um ilustre interpréte de Zarzuela. 

A sua discografia inclui Pagliacci, Il viaggio a Reims, Katiuska e La vida breve de Falla, para a etiqueta Deutsche Grammophon. 

Primeira harpista a ganhar o prémio nacional Jovem Músico do Ano, a «virtuosa harpista» (Prémio Jovens Músicos) Beatriz Cortesão tem vindo a cativar público a nível global com a sua «energia contagiosa» complementada por uma «técnica impressionante» (Harp Column). Entre os prémios internacionais conquistados, destaca-se o Prémio Mário Falcão no 21.º Concurso Internacional de Harpa, em Israel.

Enquanto solista, apresentou-se com a Orquestra Sinfónica de Jerusalém, Orquestra Gulbenkian, Real Filarmonia da Galiza e com a Orquestra Clássica do Centro. Estreou a obra  Hybris para harpa solo e orquestra de Alejandro Civilotti no Noia Harp Fest (2023), e tem vindo a apresentar-se como solista em Israel, Itália, Portugal, Rússia, Eslovénia, Espanha e Suiça. É primeira harpa da Accademia Teatro Alla Scala, em Milão, e foi harpista da Orquestra de Jovens da União Europeia (2020). Colabora regularmente com o Ensemble D’Arcos, e é cofundadora do duo AnimArpa, com Carolina Coimbra. Beatriz Cortesão estudou harpa desde jovem com Eleonor Picas, Beatrix Schmidt, Rita Campos e Erica Versace. A academia HarpMasters desempenhou um papel vital no desenvolvimento das suas capacidades pessoais e artísticas, desde 2012. Detém a licenciatura e o mestrado em performance da música, com a mais alta distinção, da Civica Scuola di Musica Claudio Abbado, na classe de Irina Zingg. 

© Lorenzo Gorini

Os Estúdios Victor Córdon são uma plataforma criativa pertencente ao OPART, cuja missão é o apoio à comunidade artística independente. A sua programação pretende dar voz às necessidades de criadores(as) e intérpretes, nomeadamente no registo e transmissão dos seus discursos, pensamento em torno da criação artística e impacto na realidade social. Promovendo diferentes visões, os Estúdios olham as rotas da língua portuguesa como lugares de encontro, e refletem sobre o papel da criação artística no processo de aproximação de culturas, através do diálogo com as comunidades migrantes residentes em Portugal, em especial com as comunidades afrodescendentes, destacando a importância da sua presença nas instituições culturais e na sociedade em geral. Os EVC dão apoio à criação a artistas, festivais e instituições de ensino, com especial dedicação no suporte dado a jovens intérpretes e criadores(as) em início de carreira.  

©Guilherme Gouveia

João Freitas Sousa nasceu em 2007, em Fafe, distrito de Braga. Iniciou em 2013 os seus estudos na Academia de Música José Atalaya, em Fafe, na classe de clarinete de José Ricardo Freitas, tendo concluído até à data o 6.º grau. Participou e foi laureado em dezanove concursos de clarinete (nacionais e internacionais), tendo obtido o 1.º prémio em dezasseis deles, dos quais se destacam o Prémio Jovens Músicos 2023, categoria A – solista, clarinete (nível médio) e o Grande Prémio da Música Lions 2024.  

Integra, ainda, a Banda de Música de Cabeceiras, participando, também:  na Orquestra de Clarinetes Jaime Carriço, da Academia de Clarinete Marcos Romão dos Reis Jr.; na orquestra de clarinetes Invicta All Stars; na Orchestra Club, assim como na Orquestra Sinfónica Ensemble como 1.º clarinete. Participou em diversas masterclasses com clarinetistas e pedagogos de referência, tais como António Saiote, Piero Di Vicenti, Nuno Silva, Gabor Varga, Esther Georgie, Nuno Pinto, Cologero Palermo, Arek Adamski, Arno Piters, Josep Fuster, Joan Lluna, Keith Lipson, Florent Héau, Jérôme Voisin, Philippe Cuper, Philippe Berrod, Patrick Messina, Luís Carvalho, David Medina, Mariano Rey, Iva Barbosa, Manuel Jerónimo, Luís Gomes, Esteban Valverde, Jorge Camacho, Giovanni Punzi, Victor Pereira, entre outros.

Vesselina Kasarova nasceu em Stara Zagora (Bulgária) e começou a tocar piano ainda em tenra idade. Após obter o diploma de pianista de concerto, estudou canto com Ressa Koleva na Academia de Música de Sófia. Posteriormente, foi contratada pela Ópera de Zurique, onde rapidamente se impôs como uma das cantoras mais queridas  do público, tendo sido aclamada pela imprensa internacional como uma grande revelação. Nesse mesmo ano, ganhou igualmente o 1º Prémio no concurso de canto alemão “Neue Stimmen” em Gütersloh. Dois anos mais tarde, Vesselina Kasarova estreou-se no Festival de Salzburgo e na Ópera Estatal de Viena. Desde então, tem interpretado um vasto repertório nas principais casas de óperas e de concerto da Europa, dos EUA e do Japão, incluindo a Royal Opera House Covent Garden, o Gran Teatre del Liceu de Barcelona, a Ópera Estatal da Baviera, a Ópera Nacional de Paris, o Teatro alla Scala de Milão, a Lyric Opera de Chicago, a Metropolitan Opera, a Ópera de São Francisco, o Teatro Nacional de São Carlos, o Teatro Real de Madrid, o Maggio Musicale Fiorentino e o Rossini Opera Festival em Pesaro. Gravou numerosos recitais e óperas completas como artista exclusiva da RCA e para outras companhias e foi galardoada com o prémio “Bayerische Kammersängerin” e “Österreichische Kammersängerin”.

A soprano Ana Sofia Ventura concluiu a sua licenciatura na Escola Superior de Música de Lisboa e posteriormente integrou a International Opera Academy em Gante, na Bélgica. 

Estreou, no Teatro Nacional de São Carlos, a ópera O Rouxinol de Sérgio Azevedo, com os papéis de Rouxinol e Rouxinol Mecânico. Estreou recentemente a ópera portuguesa Madrugada: razões de um movimento, co-produção MPMP e Orquestra do Algarve. Dos seus papéis operáticos destacam-se os papéis mozarteanos Königin der Nacht, Susanna e Zerlina. Interpretou também Sra. T em Manifesto NaDa, de A. Sousa Dias, Cathleen em Riders to the Sea, de V. Williams, Belinda em Dido and Aeneas, de H. Purcell, Cephisa em Orpheus, de G. P. Telemann, Civene em Le Cinesi, de C. W. Gluck. 

Participou na estreia moderna de La Ninfa del Tago de A. Scarlatti, no papel de Tirsi, com a OML sob a direção de Enrico Onofri, e participou também na 4ª Sinfonia de Mahler, sob a direção de Miguel Romea. 

No contexto de oratória, interpretou The Messiah de G. F. Händel, Messe in h-Moll de J. S. Bach, Lauda per la Navità del Signore de O. Respighi como Anjo, Wie der Hirsch Schreit de F. Mendelssohn. 

Natural de Roma, licenciou-se em piano, composição, música coral e direção de orquestra na Academia de Santa Cecília. Aperfeiçoou-se com Zoltán Peskó, Vladimir Delman e Rudolf Barshai, tendo alcançado o 3.º prémio no Concurso Arturo Toscanini de Parma. De 1995 a 2001, foi diretor musical no Teatro de Ópera de Ancara, ocupando, de 2001 a 2005, o mesmo cargo na Ópera Estatal de Istambul. Dos compromissos passados e mais recentes, destacam-se: Lucia di Lammermoor em Buenos Aires e Bari; La Gioconda em Santander; Andrea Chénier em Berlim e na Catânia; Macbeth em Lisboa; Aida em Copenhaga e Caracalla; Il trovatore, Anna Bolena e Ernani na Catânia; Tosca em Florença e Bari; Turandot em Copenhaga, Verona e Catânia; Aroldo em Bilbau; Il barbiere di Siviglia em Tóquio, Valência e Verona; Carmen em Copenhaga e Avenches; Faust em Tóquio e Santander; Un ballo in maschera em Salerno e Lisboa; Madama Butterflyem Ancona; Medea no circuito As.Li.Co.; Norma em Trapani e Spalato; Attila em Lecce e Roma; Otello em Lisboa; Manon Lescaut em Torre del Lago; Nabucco em Caracalla e Lisboa; Rigoletto em Tóquio, Falstaff em Xangai; e La forza del destino em Lisboa. É, atualmente, maestro titular da Orquestra Sinfónica Portuguesa. 

© Bruno Simão

Henrique Pimentel tem colaborado em 2024 com o Teatro Nacional de São Carlos em vários projectos. Foi responsável pela reposição de Madama Butterfly, encenada por Jacopo Spirei, e depois assistente do mesmo encenador na sua recente produção de Falstaff. Assina agora a encenação de dois concertos no âmbito do Festival ao Largo 2024. Anteriormente, realizou estágios com os encenadores Vincent Huguet em Così Fan Tutte (Staatsoper de Berlim, 2021) e Christophe Gayral em La Bohème (69º Festival Puccini em Torre del Lago, 2023). 

É licenciado e mestre em Arquitectura pela Universidade de Coimbra, tendo iniciado a sua actividade profissional e multidisciplinar no atelier de Luísa Bebiano. A partir de 2022 dedicou-se exclusivamente a projetos nas áreas da cenografia, direção de arte para cinema e encenação, colaborando com outros nomes importantes como Luis F. Carvalho, Artur Pinheiro, Augusto Mayer e Nuno Carinhas. 

Criada em 1993, a Orquestra Sinfónica Portuguesa (OSP) é um dos corpos artísticos do Teatro Nacional de São Carlos e tem vindo a desenvolver uma atividade sinfónica própria, incluindo uma programação regular de concertos, participações em festivais de música nacionais e internacionais. Colabora regularmente com a Rádio e Televisão de Portugal através da transmissão dos seus concertos e óperas pela Antena 2, designadamente a realização da tetralogia O anel do Nibelungo, transmitida na RTP2, e da participação em iniciativas da própria RTP, como o Prémio Pedro de Freitas Branco para Jovens Chefes de Orquestra, o Prémio Jovens Músicos-RDP e a Tribuna Internacional de Jovens Intérpretes. No âmbito das temporadas líricas e sinfónicas, a OSP tem-se apresentado sob a direção de notáveis maestros, como Rafael Frühbeck de Burgos, Alain Lombard, Nello Santi, Alberto Zedda, Harry Christophers, George Pehlivanian, Michel Plasson, Krzysztof Penderecki, Djansug Kakhidze, Milán Horvat, Jeff rey Tate e Iuri Ahronovitch, entre outros. A discografia da OSP conta com dois CD para a etiqueta Marco Polo, com as Sinfonias n.os 1, 3, 5e 6 de Joly Braga Santos, que gravou sob a direção do seu primeiro maestro titular, Álvaro Cassuto, e Crossing borders (obras de Wagner, Gershwin e Mendelssohn), sob a direção de Julia Jones, numa gravação ao vivo pela Antena 2. Recentemente, em maio de 2022, foi lançado o CD editado pela Naxos com obras de Fernando Lopes-Graça, sob a direção de Bruno Borralhinho. No cargo de maestro titular, seguiram-se José Ramón Encinar (1999-2001), Zoltán Peskó (2001-2004) e Julia Jones (2008-2011); Donato Renzetti desempenhou funções de primeiro maestro convidado entre 2005 e 2007. Joana Carneiro foi maestrina titular de 2014 a 2021. Atualmente, a direção musical está a cargo de Antonio Pirolli, seu maestro titular. 

© David Rodrigues

Criada em 1993, a Orquestra Sinfónica Portuguesa (OSP) é um dos corpos artísticos do Teatro Nacional de São Carlos e tem vindo a desenvolver uma atividade sinfónica própria, incluindo uma programação regular de concertos, participações em festivais de música nacionais e internacionais. Colabora regularmente com a Rádio e Televisão de Portugal através da transmissão dos seus concertos e óperas pela Antena 2, designadamente a realização da tetralogia O anel do Nibelungo, transmitida na RTP2, e da participação em iniciativas da própria RTP, como o Prémio Pedro de Freitas Branco para Jovens Chefes de Orquestra, o Prémio Jovens Músicos-RDP e a Tribuna Internacional de Jovens Intérpretes. No âmbito das temporadas líricas e sinfónicas, a OSP tem-se apresentado sob a direção de notáveis maestros, como Rafael Frühbeck de Burgos, Alain Lombard, Nello Santi, Alberto Zedda, Harry Christophers, George Pehlivanian, Michel Plasson, Krzysztof Penderecki, Djansug Kakhidze, Milán Horvat, Jeff rey Tate e Iuri Ahronovitch, entre outros. A discografia da OSP conta com dois CD para a etiqueta Marco Polo, com as Sinfonias n.os 1, 3, 5e 6 de Joly Braga Santos, que gravou sob a direção do seu primeiro maestro titular, Álvaro Cassuto, e Crossing borders (obras de Wagner, Gershwin e Mendelssohn), sob a direção de Julia Jones, numa gravação ao vivo pela Antena 2. Recentemente, em maio de 2022, foi lançado o CD editado pela Naxos com obras de Fernando Lopes-Graça, sob a direção de Bruno Borralhinho. No cargo de maestro titular, seguiram-se José Ramón Encinar (1999-2001), Zoltán Peskó (2001-2004) e Julia Jones (2008-2011); Donato Renzetti desempenhou funções de primeiro maestro convidado entre 2005 e 2007. Joana Carneiro foi maestrina titular de 2014 a 2021. Atualmente, a direção musical está a cargo de Antonio Pirolli, seu maestro titular. 

© David Rodrigues

É, desde janeiro de 2021, maestro titular do Coro do Teatro Nacional de São Carlos. Estudou trombone, composição, música coral e direção coral no Conservatório de Música Giuseppe Verdi, em Milão. De 2016 a janeiro de 2021, foi maestro do Coro da Devlet Opera Ve Balesi de Ancara e, de 2018 a janeiro de 2021, desempenhou as funções de orientador vocal do Coro da Rádio e Televisão da Turquia. Simultaneamente à sua carreira como barítono solista, prosseguiu a atividade como maestro de coro, a partir de 1993, quando criou o Schola Cantorum «Cantate Domino» de Carbonate (Itália). Em 1996, fundou o Coro «Euphonia», em Carbonate, do qual foi diretor artístico e orientador vocal. O Coro «Euphonia» foi levado à descoberta do mundo da ópera, tendo interpretado, ao longo dos anos, os mais importantes títulos do repertório melodramático. De janeiro de 2002 a 2016, dirigiu o Coro Lirico dell’Associazione Musicale Calauce de Calolziocorte (Itália). De 2006 a 2016, dirigiu o coro lírico «Corale Arnatese» e, de setembro de 2012 a 2015, foi o maestro do Coro Operístico de Mendrisio (Suíça). Em 2015, fundou o Coro Sinfónico Ticino. Durante vários anos, lecionou técnica, pedagogia e didatismo de canto para maestros de coro, em cursos organizados pela Unione Società Corali Italiane, da qual foi membro do Comité Artístico. Como freelancer, é regularmente convidado, por ensembles e coros, a orientar masterclasses e cursos de canto, tanto em Itália como no resto do mundo. 

© Bruno Frango

É, desde janeiro de 2021, maestro titular do Coro do Teatro Nacional de São Carlos. Estudou trombone, composição, música coral e direção coral no Conservatório de Música Giuseppe Verdi, em Milão. De 2016 a janeiro de 2021, foi maestro do Coro da Devlet Opera Ve Balesi de Ancara e, de 2018 a janeiro de 2021, desempenhou as funções de orientador vocal do Coro da Rádio e Televisão da Turquia. Simultaneamente à sua carreira como barítono solista, prosseguiu a atividade como maestro de coro, a partir de 1993, quando criou o Schola Cantorum «Cantate Domino» de Carbonate (Itália). Em 1996, fundou o Coro «Euphonia», em Carbonate, do qual foi diretor artístico e orientador vocal. O Coro «Euphonia» foi levado à descoberta do mundo da ópera, tendo interpretado, ao longo dos anos, os mais importantes títulos do repertório melodramático. De janeiro de 2002 a 2016, dirigiu o Coro Lirico dell’Associazione Musicale Calauce de Calolziocorte (Itália). De 2006 a 2016, dirigiu o coro lírico «Corale Arnatese» e, de setembro de 2012 a 2015, foi o maestro do Coro Operístico de Mendrisio (Suíça). Em 2015, fundou o Coro Sinfónico Ticino. Durante vários anos, lecionou técnica, pedagogia e didatismo de canto para maestros de coro, em cursos organizados pela Unione Società Corali Italiane, da qual foi membro do Comité Artístico. Como freelancer, é regularmente convidado, por ensembles e coros, a orientar masterclasses e cursos de canto, tanto em Itália como no resto do mundo. 

© Bruno Frango

O Coro do Teatro Nacional de São Carlos, criado em 1943 sob a titularidade de Mario Pellegrini, tem atuado sob a direção de importantes maestros (Pedro de Freitas Branco, Votto, Serafin, Gui, Giulini, Klemperer, Zedda, Solti, Santi, Rescigno, Navarro, Rennert, Burgos, Conlon, Christophers, Plasson e Minkowski, entre outros) e colaborado com marcantes encenadores (Pountney, Carsen, Vick). Entre 1962 e 1975, o Coro colaborou nas temporadas da Companhia Portuguesa de Ópera (Teatro da Trindade), tendo-se deslocado com a mesma à Madeira, aos Açores, a Angola e a Oviedo. O conjunto tem regularmente abordado o repertório de compositores nacionais (Alfredo Keil, Augusto Machado) e tem participado em estreias mundiais de óperas de Fernando Lopes-Graça, António Victorino d’Almeida, António Chagas Rosa, Nuno Côrte-Real. Em 1980, formou-se um primeiro núcleo coral a tempo inteiro e, três anos depois, assumiu-se a profissionalização plena, sob a direção de Antonio Brainovitch. A partir de 1985, a afirmação artística do conjunto foi creditada a Gianni Beltrami e o titular seguinte foi João Paulo Santos. Sob a responsabilidade destes dois maestros, o Coro registou marcantes êxitos internacionais: Grande messe des morts de Berlioz (1989–Turim); Requiem de Verdi (1991–Bruxelas); Concerto Henze/Corghi (1997–Festival de Granada). Giovanni Andreoli assumiu o cargo em 2004. Sob a sua direção, o Coro averbou êxitos num vasto e variado repertório. Em 2005, o Coro foi convidado pela Ópera de Génova para participar em récitas da ópera Billy Budd de Britten, convite que se repetiu em 2015. Giampaolo Vessella é o maestro titular desde janeiro de 2021.   

O Coro do Teatro Nacional de São Carlos, criado em 1943 sob a titularidade de Mario Pellegrini, tem atuado sob a direção de importantes maestros (Pedro de Freitas Branco, Votto, Serafin, Gui, Giulini, Klemperer, Zedda, Solti, Santi, Rescigno, Navarro, Rennert, Burgos, Conlon, Christophers, Plasson e Minkowski, entre outros) e colaborado com marcantes encenadores (Pountney, Carsen, Vick). Entre 1962 e 1975, o Coro colaborou nas temporadas da Companhia Portuguesa de Ópera (Teatro da Trindade), tendo-se deslocado com a mesma à Madeira, aos Açores, a Angola e a Oviedo. O conjunto tem regularmente abordado o repertório de compositores nacionais (Alfredo Keil, Augusto Machado) e tem participado em estreias mundiais de óperas de Fernando Lopes-Graça, António Victorino d’Almeida, António Chagas Rosa, Nuno Côrte-Real. Em 1980, formou-se um primeiro núcleo coral a tempo inteiro e, três anos depois, assumiu-se a profissionalização plena, sob a direção de Antonio Brainovitch. A partir de 1985, a afirmação artística do conjunto foi creditada a Gianni Beltrami e o titular seguinte foi João Paulo Santos. Sob a responsabilidade destes dois maestros, o Coro registou marcantes êxitos internacionais: Grande messe des morts de Berlioz (1989–Turim); Requiem de Verdi (1991–Bruxelas); Concerto Henze/Corghi (1997–Festival de Granada). Giovanni Andreoli assumiu o cargo em 2004. Sob a sua direção, o Coro averbou êxitos num vasto e variado repertório. Em 2005, o Coro foi convidado pela Ópera de Génova para participar em récitas da ópera Billy Budd de Britten, convite que se repetiu em 2015. Giampaolo Vessella é o maestro titular desde janeiro de 2021.   

Bin Chao nasceu no seio de uma família de músicos e começou a tocar violino aos seis anos de idade. Estudou no Conservatório Central de Música de Pequim, onde se diplomou com distinção, e concluiu um Mestrado em Música no Mannes College of Music de Nova Iorque, onde estudou com o violinista David Nadien.

O violinista e crítico musical Henry Roth elogiou a musicalidade e a técnica sólida de Bin Chao no seu livro Grandes Violinistas, livro este que faz uma análise sobre os 100 maiores violinistas do século XX, de acordo com a perspetiva do seu autor.

Em 1984 foi 2.º classificado no Concurso Nacional de Violino da China. Como solista, recitalista e músico de câmara, atuou por toda a Europa e na América do Norte. Mudou-se para Lisboa em 1991, tendo participado nos principais festivais de música em Portugal e ainda no Festival de Aspen e no Festival Schumann de Nova Iorque.

Em 2001 foi solista convidado no prestigiado Annual English Handbell Festival, em Nova Iorque. Entre 1999 e 2001, ensinou violino em Nova Iorque, integrado na iniciativa da Fundação Midori de levar a música às escolas públicas. Foi professor na Universidade de Évora e desde 2007 ensina violino, viola e música de câmara no Instituto Piaget. Desde 2010, colabora com o Conservatório de Música da Universidade de Lawrence, em Appleton, Wisconsin, nos Estados Unidos da América. Bin Chao toca num violino Carlo Giuseppe Testore de 1715, tendo também instrumentos dos luthiers Antonio Capela e Judith Bauer, entre outros. Desde 2014, é professor de violino na Escola Superior de Música de Lisboa.

Natural de Roma, licenciou-se em piano, composição, música coral e direção de orquestra na Academia de Santa Cecília. Aperfeiçoou-se com Zoltán Peskó, Vladimir Delman e Rudolf Barshai, tendo alcançado o 3.º prémio no Concurso Arturo Toscanini de Parma. De 1995 a 2001, foi diretor musical no Teatro de Ópera de Ancara, ocupando, de 2001 a 2005, o mesmo cargo na Ópera Estatal de Istambul. Dos compromissos passados e mais recentes, destacam-se: Lucia di Lammermoor em Buenos Aires e Bari; La Gioconda em Santander; Andrea Chénier em Berlim e na Catânia; Macbeth em Lisboa; Aida em Copenhaga e Caracalla; Il trovatore, Anna Bolena e Ernani na Catânia; Tosca em Florença e Bari; Turandot em Copenhaga, Verona e Catânia; Aroldo em Bilbau; Il barbiere di Siviglia em Tóquio, Valência e Verona; Carmen em Copenhaga e Avenches; Faust em Tóquio e Santander; Un ballo in maschera em Salerno e Lisboa; Madama Butterflyem Ancona; Medea no circuito As.Li.Co.; Norma em Trapani e Spalato; Attila em Lecce e Roma; Otello em Lisboa; Manon Lescaut em Torre del Lago; Nabucco em Caracalla e Lisboa; Rigoletto em Tóquio, Falstaff em Xangai; e La forza del destino em Lisboa. É, atualmente, maestro titular da Orquestra Sinfónica Portuguesa. 

© Bruno Simão

Diogo Costa é, atualmente, um dos jovens maestros mais ativos do país. Entre os seus projetos recentes e futuros incluem-se os convites para a Orquestra Gulbenkian, a Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música, a Orquestra Metropolitana de Lisboa, bem como para várias orquestras regionais do país. Em Inglaterra, dirigiu a Hallé Orchestra e a Filarmónica da BBC, em Manchester, a Orquestra Nacional de Gales da BBC, e a West European Studio Orchestra, com a qual tem vindo a gravar em diversos estúdios, entre eles o lendário Abbey Road, em Londres.  

Nutrindo um interesse especial pela ópera, trabalhou como maestro assistente de Lorenzo Viotti na produção da ópera Roméo et Juliette de Gounod, com a Orquestra e Coro Gulbenkian, e também enquanto maestro assistente de David Azagra na produção da ópera L’elisir d’amore de Donizetti, em Espanha. Em 2021, estreou-se enquanto maestro principal na produção da ópera The Medium de Menotti, no Operafest Lisboa, que recebeu as melhores críticas internacionais.   

Presença constante em diversos concursos internacionais, foi recentemente laureado no Prémio Jovens Músicos em direção de orquestra. Em 2020, foi finalista no Mackerras Fellowship da Ópera Nacional de Inglaterra e semi-finalista na Siemens Hallé International Conducting Competition.   

Jermaine Maurice Spivey é um coreógrafo norte-americano em clara ascensão, que, a par de uma brilhante carreira enquanto intérprete, convoca ativamente a ideia de uma prática colaborativa nos seus processos de criação. De 2002 a 2017, viveu e trabalhou predominantemente na Europa, tendo sido membro do Ballet Gulbenkian e do Cullberg Ballet. Trabalhou como artista convidado para a Hofesh Shechter Company, Robyn Live 2016, The LID, Arias Company e The Forsythe Company de 2013 a 2015, entre outras colaborações. É membro da companhia Kidd Pivot desde 2008. Como coreógrafo, já lhe foram comissionados trabalhos pela companhia Salt Contemporary Dance (EUA), Rambert 2 (RU), LA Dance Project (EUA), The Broad Museum (EUA), Christina Aguilera Live at The Hollywood Bowl com Gustavo Dudamel e a LA Phil, e, mais recentemente, Hubbard Street Dance Chicago (EUA), NDT 2 (Países Baixos) e Ballet Flanders (Bélgica). Em colaboração com o seu companheiro e parceiro artístico Spenser Theberge, Spivey criou as obras Rather This Then e Position 3. Spivey orienta ainda práticas de dança por toda a América do Norte e Europa. 

© Jermaine Spivey

Alexandre Andrade, Gonçalo Brandão, Manuel Dias e Pedro Simões, naturais dos distritos de Aveiro, Viseu e Porto, formam o Ketuk Quartet. O projeto surgiu a partir do trabalho realizado no grupo de percussão da Escola Profissional de Música de Espinho com o objetivo de concorrer ao Prémios Jovens Músicos, objetivo que foi realizado com a obtenção do primeiro prémio no PJM 2023 na categoria de música de câmara - nível médio. Destaca-se ainda a atuação no grande auditório da Fundação Calouste Gulbenkian no âmbito do Festival Jovens Músicos. Atualmente, o quarteto procura contribuir para a relevância da percussão na música de câmara.

Compositor e maestro, Pedro Amaral (Lisboa, 1972) é um dos músicos mais ativos da sua geração. Iniciou os seus estudos com Fernando Lopes-Graça, em 1986. Graduou-se na Escola Superior de Música de Lisboa (1994) e no Conservatório de Paris (CNSM), onde obteve o Primeiro Prémio em Composição por unanimidade do júri (1998). Estudou direção de orquestra com Emilio Pomàrico e com Peter Eötvös, de quem foi assistente.

Prosseguiu estudos universitários na École des Hautes Études en Sciences Sociales, obtendo um Mestrado em Musicologia Contemporânea (1998) e um Doutoramento (2003) com uma tese sobre Momente, de K. Stockhausen.

Trabalhou no IRCAM, em Paris, como compositeur en recherche, compondo e estreando diversas obras para meios instrumentais e eletrónica em tempo real, tornando-se presença assídua em muitos dos mais importantes festivais internacionais. Em 2006 gravou o seu primeiro disco monográfico, com a London Sinfonietta, sob a sua direção. As suas óperas O Sonho e Beaumarchais foram estreadas em Londres (2010) e Lisboa (Teatro Nacional Dona Maria II, 2017), respetivamente.

Foi compositor residente na Herrenhaus Edenkoben (Alemanha, 2001), na Villa Medici (antigo Prix de Rome, 2004/05) e no Palácio Lenzi (Florença, 2006). Professor da Universidade de Évora desde 2007, é membro da Academia de Belas Artes desde 2017.

Em cada temporada, Pedro Amaral dirige numerosos concertos em Portugal e no estrangeiro, com um repertório que se estende do Classicismo vienense à contemporaneidade, empenhando-se em projetos de amplo significado como o que dirigiu em Milão, no Teatro alla Scala, com a Orquestra Sinfónica Nacional da RAI de Turim e o violinista Vadim Repin, em maio de 2022, 11 semanas após a invasão da Ucrânia, com um apelo à Paz em tempos de guerra.

Com uma ampla experiência na programação de concertos, temporadas e festivais, desempenhou as funções de Maestro Titular da Orquestra do Conservatório Nacional (2007/08), do Sond’Arte Electric Ensemble (2007/10) e da Orquestra Metropolitana de Lisboa, funções que acumulou com as de Diretor Artístico (2013/20).

Iniciou os seus estudos de ballet em 1961 no Grupo Verde Gaio e, em 1968 ingressou no Ballet Gulbenkian. Em 1975 formou-se em Dança Moderna na Escola de Dança Contemporânea de Martha Graham, em Nova Iorque. Durante mais de duas décadas desempenhou funções de coreógrafo residente no Ballet Gulbenkian, onde criou dezenas de obras que marcaram o estilo da companhia. Além disso, foi regularmente convidado a coreografar em diversas companhias estrangeiras, nomeado professor de Dança Moderna na Escola de Dança do Conservatório Nacional e professor coordenador na Escola Superior de Dança. Também atuou como diretor artístico do Festival de Sintra na área da dança e do Teatro Camões, além de ser diretor artístico da CNB. 

Em 1997 fundou, juntamente com Graça Barroso, a Companhia Portuguesa de Bailado Contemporâneo (CPBC), que estreou em abril de 1998, no Brasil. Recebeu várias distinções ao longo da sua carreira, sendo condecorado como Comendador da Ordem do Infante D. Henrique pelo então Presidente da República, Dr. Mário Soares, em 10 de junho de 1994. 

Atualmente, ocupa o cargo de Presidente da Direção e coreógrafo principal na CPBC. Em 2021 confiou a direção artística a Cláudia Sampaio, uma das bailarinas fundadoras da companhia. 

Em janeiro de 2024 foi agraciado com a Medalha de Mérito Cultural da Câmara Municipal de Lisboa. 

© Kinema

«Uma notável artista, uma cantora inata (...) com uma voz bonita e redonda, uma presença excecional em palco, com uma messa di voiceque após a Caballé é muito difícil de encontrar» (diretor do Festival Oper im Berg). Estreou-se em Salzburgo (Festival Oper im Berg) com o papel titular em Lucia di Lammermoor, em prestação muito aclamada pela crítica e pelo público.

Interpretou os papéis Musetta no TNSC onde recebeu os melhores elogios da critica pública - «The highlight was Bárbara Barradas as Musetta. A scene-stealing actress, she really brought out the heartfelt generosity of her character and has this wonderfully poised, silvery soprano with an easy top» - by OperaTraveller. Na sua carreira, já interpretou Lucia, Gilda, Corinna, Valencienne, Le Feu e Le Rossignol, Susanna, Barbarina, La Fèe, Frasquita, Donna Anna, Zerlina, Königin der Nacht, Ines di Castro, entre outros. Estreou no Teatro da Trindade, o papel de Bruna da ópera Canção do Bandido de Nuno Côrte-Real, com encenação de Ricardo Neves-Neves. Na Culturgest, também em estreia absoluta, foi a solista de Tremor de Nuno Côrte-Real, obra que gravou em Berlim. Canta regularmente com as mais prestigiadas orquestras nacionais e internacionais. Foi bolseira da Fundação Gulbenkian, formou-se em Londres com distinção (BMus e MMus) na Guildhall School of Music and Drama. Fez também pós-graduações na International Opera Academy e na WIAV. Ganhou vários prémios e bolsas de estudo em inúmeras competições nacionais e internacionais.

É fundadora e mentora do «Empodera-te na Voz» e da marca «EmpoderARTE», é também co-fundadora da ArtAllurement.

Dedicado à performance do batuku, as Batucadeiras das Olaias surgem com o objetivo de partilhar, divulgar, reivindicar e exaltar a história, a memória e a cultura cabo-verdiana. A celebração é uma representação central da cultura de Cabo Verde e das comunidades cabo-verdianas na diáspora. Não se prendem apenas à música, ritmo e arte, mas sobretudo ao sentido de amizade, familiaridade, vizinhança e sociabilidade.  
A partir das próprias músicas autorais, o grupo partilha as suas memórias, conhecimentos e histórias de vida, gerando uma evasão da vida quotidiana e uma marcação identitária no contexto migratório. Além disso, promovem o fortalecimento dos laços comunitários e a preservação das tradições culturais. As performances das Batucadeiras das Olaias são momentos de união e celebração, onde a música e a dança se tornam uma linguagem comum que transcende fronteiras. Elas representam não apenas um resgate cultural, mas também uma forma de resistência e afirmação da identidade cabo-verdiana no mundo.  

Estudou na Guildhall School of Music and Drama, em Londres, onde obteve a licenciatura em canto e mestrado (curso de ópera) como bolseira da

Fundação Calouste Gulbenkian. O seu repertório de ópera inclui, entre outros: Preziosilla em La forza del destino; Dorabella em Così fan tutte; Jocasta

em Oedipus rex; Ježibaba em Rusalka; Suzuki em Madama Butterfly; Maddalena em Rigoletto; Eboli em Don Carlo; Madame de Croissy em Dialogues

des carmélites; papel titular em Carmen; Santuzza em Cavalleria rusticana; Condessa di Coigny e Madelon em Andrea Chénier; Siebel em Faust e Azucena em Il trovatore. Em concerto, interpretou como solista: Messa da Requiem de Verdi; Requiem

de Mozart; Stabat Mater de Pergolesi; Oratória de Natal e Oratória de Páscoa e Paixão segundo São João de J. S. Bach; Petite messe solennelle de Rossini; Elijah

de Mendelssohn; Messiah de Händel; L’enfance du Christ de Berlioz; e 9.ª Sinfonia de Beethoven.

João Sanchez, 26 anos, nascido em Lisboa, maturado em Arruda dos Vinhos. Licenciado em Cinema pela Escola Superior de Teatro e Cinema, Freelancer na área audiovisual. Aos 17 anos estreia o seu primeiro filme, Pecado, na Cinemateca Portuguesa. Aos 18 cria o Colectivo Pagárrenda e estreia Nós os Arroianos, a sua primeira longa-metragem, na mesma sala. Desde então, realiza A maneira certa de encontrar casa, filme mais visto e artigo mais lido do Público em 2018. Realiza, edita e desenvolve vários projetos em colaboração com grandes empresas, músicos e ativações de marca. Em 2021 integra o júri do Festival de Cinema de Avanca e  cria a marca de roupa Bon Vivant. Em 2021 cria e interpreta juntamente com Maria Abrantes a performance Uma Água Por Favor e em 2023 o vídeo-dança Finimondo juntamente com Sofia Kafol.  

Ohad Naharin é coreógrafo residente da Batsheva Dance Company, coreógrafo convidado de inúmeras companhias e criador da linguagem de movimento Gaga. 

Nascido em 1952 em Mizra, Israel, entrou para a Batsheva Dance Company em 1974, apesar de ter pouca formação. Durante o seu primeiro ano, a coreógrafa convidada Martha Graham desafiou-o a juntar-se à sua própria companhia em Nova Iorque, onde Naharin fez a sua estreia coreográfica no estúdio de Kazuko Hirabayshi em 1980. Durante a década seguinte, apresentou trabalhos em Nova Iorque e no estrangeiro, incluindo peças para a Batsheva Dance Company, a Kibbutz Contemporary Dance Company e o Nederlands Dans Theater. Naharin trabalhou em estreita colaboração com a sua primeira mulher, Mari Kajiwara, até esta falecer de cancro em 2001. 

Em 1990 Naharin foi nomeado Diretor Artístico da Batsheva Dance Company e, no mesmo ano, criou a divisão júnior da companhia, Batsheva - the Young Ensemble. Desde então, criou mais de trinta obras para ambas as companhias e peças de cenário para muitas outras. Colaborou também com músicos como The Trator’s Revenge, Avi Balleli e Dan Makov, Ivri Lider e Grischa Lichtenberger. 

Sob o pseudónimo Maxim Waratt, compôs, editou e misturou muitas das suas próprias bandas sonoras. O trabalho de Naharin foi apresentado em vários filmes, incluindo Out of Focus (2007) de Tomer Heymann e Mr. Gaga (2015) dos irmãos Heymann. 

Para além do seu trabalho em palco, Naharin também desenvolveu Gaga, a inovadora pesquisa de movimentos e o treino diário dos bailarinos de Batsheva, que se espalhou internacionalmente entre bailarinos e não bailarinos. 

Cidadão de Israel e dos Estados Unidos, Naharin vive atualmente em Israel com a sua mulher, a bailarina e figurinista Eri Nakamura, e a sua filha, Noga. 

©Ilya Melnikov

Em 1962 a Fundação Calouste Gulbenkian decidiu estabelecer um agrupamento orquestral permanente. No início constituído apenas por doze elementos, foi originalmente designado por Orquestra de Câmara Gulbenkian. Ao longo de sessenta anos de atividade, a Orquestra Gulbenkian (denominação adotada desde 1971) foi sendo progressivamente alargada, contando hoje com um efetivo de cerca de sessenta instrumentistas que pode ser pontualmente expandido de acordo com as exigências de cada programa de concerto.  

Esta constituição permite à Orquestra Gulbenkian interpretar um amplo repertório que se estende do Barroco até à música contemporânea. Obras pertencentes ao repertório corrente das grandes formações sinfónicas tradicionais, nomeadamente a produção orquestral de Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Mendelssohn ou Schumann, podem ser dadas pela Orquestra Gulbenkian em versões mais próximas dos efetivos orquestrais para que foram originalmente concebidas, no que respeita ao equilíbrio da respetiva arquitetura sonora. 

Em cada temporada, a Orquestra Gulbenkian realiza uma série regular de concertos no Grande Auditório Gulbenkian, em Lisboa, em cujo âmbito tem tido ocasião de colaborar com alguns dos maiores nomes do mundo da música, nomeadamente maestros e solistas. Atua também com regularidade noutros palcos em diversas localidades do país, cumprindo desta forma uma significativa função descentralizadora. No plano internacional, por sua vez, a Orquestra Gulbenkian foi ampliando gradualmente a sua atividade, tendo até agora efetuado digressões na Europa, na Ásia, em África e nas Américas. 

No plano discográfico, o nome da Orquestra Gulbenkian encontra-se associado às editoras Philips, Deutsche Grammophon, Hyperion, Teldec, Erato, Adès, Nimbus, Lyrinx, Naïve e Pentatone, entre outras, tendo esta sua atividade sido distinguida, desde muito cedo, com diversos prémios internacionais de grande prestígio. A partir de setembro de 2023, O finlandês Hannu Lintu é o Maestro Titular da Orquestra Gulbenkian, sucedendo a Lorenzo Viotti. 

© FCGulbenkian

Akram Khan é um artista essencial e mundialmente reconhecido no campo da dança na atualidade. Ao longo dos últimos 23 anos, as suas obras têm contribuído significativamente para as artes no Reino Unido e no estrangeiro. Tem colaborado com artistas de outras culturas e disciplinas, tais como o Ballet Nacional da China, Juliette Binoche, Sylvie Guillem, Kylie Minogue, Florence + The Machine, Anish Kapoor, Antony Gormley, Tim Yip, Hanif Kureishi, Steve Reich, Nitin Sawhney, Jocelyn Pook ou Ben Frost. A obra de Khan é considerada profundamente comovente, chegando mesmo a poder ser lida como ritual, dada a influência que a dança clássica Kathak tem nela. Ao transportar elementos desta dança para as suas criações, Khan contribui para uma redefinição da nossa ideia do que é dançar. Ao longo da sua carreira, tem sido galardoado com inúmeras distinções.  

© Camilla Greenwell

Nascido em Tarouquela, Carlos Cardoso estudou na escola da Beira Interior com o maestro Ferreira. Foi o vencedor do 1º Prémio no Concurso Luísa Todi, do 3º Prémio no Concurso Magda Olivero, e do 1º Prémio no Concurso do Rotary Club, em Lisboa. Foi membro do Estúdio de Ópera do Teatro S. Carlos em Lisboa e da “Accademia del Teatro alla Scala” em Milão, no âmbito da qual participou de concertos e produções de ópera. Entre outras estreias, contam-se apresentações na Ópera Nacional Holandesa de Amesterdão, Teatro Verdi di Busseto para o Festival Parma Verdi, Teatro São Carlos em Lisboa, Stadttheater Klagenfurt, Ópera Vilnius e a Fundação Calouste Gulbenkian. Entre 2017 e 2023 foi membro do ensemble do Aalto Theater Essen. Como convidado, atuou também nas Óperas de Magdeburgo, Wiesbaden, Koblenz, Dortmund, Gelsenkirchen, Gärtnerplatz München, Ópera Nacional de Praga e Tirana, em Parma e Trieste, e no Musikverein de Viena. O seu repertório inclui, entre outros, os papéis de Duca/Rigoletto, Alfredo/La Traviata, Rodolfo/Luisa Miller, Renato/Un ballo in Maschera, Gabriele Adorno/Simone Boccanegra, Ismaele/Nabucco, Edgardo/Lucia di Lammermoor, Pollione/Norma, Rodolfo/La Bohème, Pinkerton/Madama Butterfly, Narraboth/Salomé. Em concerto, apresentou-se na Glagolitische Messe de Janacek, na Messa di Gloria de Puccini, na Petite Messe Solennelle e no Stabat Mater de Rossini, e ainda no Requiem de Dvorak. 

A CNB é o organismo de produção artística que tem como missão assegurar a prestação de um serviço público no domínio da dança, no âmbito de um projeto cultural centrado na promoção do acesso dos cidadãos à fruição desta atividade artística e no reforço dos padrões de qualidade da criação e produção profissionais da dança em Portugal e no estrangeiro. Ao longo de mais de quatro décadas de existência tem apresentado obras de referência do reportório internacional, quer as incontornáveis do dito clássico, quer as de coreógrafos como George Balanchine, Kurt Jooss, José Limón, Anne Teresa De Keersmaeker, William Forsythe, Hans van Manen, Jiří Kylián, Akram Khan, Sasha Waltz, Sidi Larbi Cherkaoui, Alexander Ekman, entre outros. Paralelamente tem apostado em encomendas geradoras de uma identidade própria, com especial destaque nos convites a autores portugueses Armando Jorge, Olga Roriz, Rui Lopes Graça, Vasco Wellenkam, Rui Horta, Fernando Duarte, Tiago Rodrigues, Victor Hugo Pontes, Tânia Carvalho, Clara Andermatt, Sónia Baptista, Filipe Portugal e Marco da Silva Ferreira, entre outros. 

A interligação com distintas áreas da criação artística tem sido, também, uma preocupação de muitas dessas encomendas envolvendo importantes nomes da música, teatro, cinema ou artes plásticas e aproveitando a versatilidade de um elenco, atualmente dirigido artisticamente por Carlos Prado. 

Leonel Pinheiro é licenciado pela Universidade de Aveiro e pós-graduado pela Royal Scottish Academy of Music & Drama, Opera School (Mestrado), Guildhall School of Music & Drama. Trabalha regularmente com o Wexford Festival Opera, cantou Kozak Maria/Showman A Village Romeo and Juliet, Achille di Rosalba/Felice Il cappello di paglia di Firenze. Destacam-se dos papéis interpretados: Don Jose/ Carmen (Mid Wales Opera) encenação Sir Jonathan Miller, Macduff /Macbeth (Scottish Opera), Alfredo La traviata (Bermuda Festival, European Chamber Opera, Bangkok Grand Opera) com récitas na Tailândia, Bermudas, Índia, Paquistão, Coreia do Sul e Bahrain. Luigi/Il tabarro, Samson/Samson et Dalila (Grimeborn Opera Festival), Cavaradossi /Tosca (Musique Cordiale Festival, Wimbledon International Music Festival). Turiddu/Cavalleria rusticana (Coliseu Micaelense).  

Em concerto/oratória, destaca-se a estreia no Royal Festival Hall em Requiem de Mozart com a English Chamber Orchestra/Philharmonia Chorus e Das Lied von Der Erde de Mahler com a Orquestra Metropolitana de Lisboa, no Centro Cultural de Belém.   

© Viúva

O vasto repertório do barítono espanhol inclui mais de 50 papéis em alguns dos mais importantes palcos do mundo. 

Como cantor verdiano, destacam-se as suas interpretações de Conte di Luna, Giorgio Germont, Paolo, Jago, Nabucco, Macbeth, Attila, Rigoletto, Amonasro, Falstaff e Ford. O seu repertório verista inclui Sharpless, Scarpia, Marcello, Guglielmo em Le villi, Lescaut, Michele ou Alfio e Tonio, papéis que interpretou em alguns dos mais conceituados palcos e cidades internacionais, como Théâtre des Champs-Elysées, Metropolitan Opera, Berlin Staatsoper, Teatro Real de Madrid, Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Concertgebow Amsterdam, Hamburg, Lausanne, Maggio Musical Fiorentino, Teatro La Maestranza, Palau de les Arts, Ópera de Tenerife, Teatro Bellini (Palermo), Helsínquia, Ópera de Las Palmas de Gran Canaria, Arena di Verona, Deutsche Oper Berlin, Teatro Nacional de São Carlos, Tetaro di San Carlo de Nápoles, Opéra de Nice, Chorégie d’Orange, Toulouse e Palma de Maiorca. 

No âmbito do bel canto, já se apresentou em importantes papéis de barítono como Don Pasquale.  O seu repertório francês abrange o seu notável Escamillo, além de Albert, Mercutio, Athanael e Grand Prête. É também um ilustre interpréte de Zarzuela. 

A sua discografia inclui Pagliacci, Il viaggio a Reims, Katiuska e La vida breve de Falla, para a etiqueta Deutsche Grammophon. 

Primeira harpista a ganhar o prémio nacional Jovem Músico do Ano, a «virtuosa harpista» (Prémio Jovens Músicos) Beatriz Cortesão tem vindo a cativar público a nível global com a sua «energia contagiosa» complementada por uma «técnica impressionante» (Harp Column). Entre os prémios internacionais conquistados, destaca-se o Prémio Mário Falcão no 21.º Concurso Internacional de Harpa, em Israel.

Enquanto solista, apresentou-se com a Orquestra Sinfónica de Jerusalém, Orquestra Gulbenkian, Real Filarmonia da Galiza e com a Orquestra Clássica do Centro. Estreou a obra  Hybris para harpa solo e orquestra de Alejandro Civilotti no Noia Harp Fest (2023), e tem vindo a apresentar-se como solista em Israel, Itália, Portugal, Rússia, Eslovénia, Espanha e Suiça. É primeira harpa da Accademia Teatro Alla Scala, em Milão, e foi harpista da Orquestra de Jovens da União Europeia (2020). Colabora regularmente com o Ensemble D’Arcos, e é cofundadora do duo AnimArpa, com Carolina Coimbra. Beatriz Cortesão estudou harpa desde jovem com Eleonor Picas, Beatrix Schmidt, Rita Campos e Erica Versace. A academia HarpMasters desempenhou um papel vital no desenvolvimento das suas capacidades pessoais e artísticas, desde 2012. Detém a licenciatura e o mestrado em performance da música, com a mais alta distinção, da Civica Scuola di Musica Claudio Abbado, na classe de Irina Zingg. 

© Lorenzo Gorini

Os Estúdios Victor Córdon são uma plataforma criativa pertencente ao OPART, cuja missão é o apoio à comunidade artística independente. A sua programação pretende dar voz às necessidades de criadores(as) e intérpretes, nomeadamente no registo e transmissão dos seus discursos, pensamento em torno da criação artística e impacto na realidade social. Promovendo diferentes visões, os Estúdios olham as rotas da língua portuguesa como lugares de encontro, e refletem sobre o papel da criação artística no processo de aproximação de culturas, através do diálogo com as comunidades migrantes residentes em Portugal, em especial com as comunidades afrodescendentes, destacando a importância da sua presença nas instituições culturais e na sociedade em geral. Os EVC dão apoio à criação a artistas, festivais e instituições de ensino, com especial dedicação no suporte dado a jovens intérpretes e criadores(as) em início de carreira.  

©Guilherme Gouveia

João Freitas Sousa nasceu em 2007, em Fafe, distrito de Braga. Iniciou em 2013 os seus estudos na Academia de Música José Atalaya, em Fafe, na classe de clarinete de José Ricardo Freitas, tendo concluído até à data o 6.º grau. Participou e foi laureado em dezanove concursos de clarinete (nacionais e internacionais), tendo obtido o 1.º prémio em dezasseis deles, dos quais se destacam o Prémio Jovens Músicos 2023, categoria A – solista, clarinete (nível médio) e o Grande Prémio da Música Lions 2024.  

Integra, ainda, a Banda de Música de Cabeceiras, participando, também:  na Orquestra de Clarinetes Jaime Carriço, da Academia de Clarinete Marcos Romão dos Reis Jr.; na orquestra de clarinetes Invicta All Stars; na Orchestra Club, assim como na Orquestra Sinfónica Ensemble como 1.º clarinete. Participou em diversas masterclasses com clarinetistas e pedagogos de referência, tais como António Saiote, Piero Di Vicenti, Nuno Silva, Gabor Varga, Esther Georgie, Nuno Pinto, Cologero Palermo, Arek Adamski, Arno Piters, Josep Fuster, Joan Lluna, Keith Lipson, Florent Héau, Jérôme Voisin, Philippe Cuper, Philippe Berrod, Patrick Messina, Luís Carvalho, David Medina, Mariano Rey, Iva Barbosa, Manuel Jerónimo, Luís Gomes, Esteban Valverde, Jorge Camacho, Giovanni Punzi, Victor Pereira, entre outros.

Vesselina Kasarova nasceu em Stara Zagora (Bulgária) e começou a tocar piano ainda em tenra idade. Após obter o diploma de pianista de concerto, estudou canto com Ressa Koleva na Academia de Música de Sófia. Posteriormente, foi contratada pela Ópera de Zurique, onde rapidamente se impôs como uma das cantoras mais queridas  do público, tendo sido aclamada pela imprensa internacional como uma grande revelação. Nesse mesmo ano, ganhou igualmente o 1º Prémio no concurso de canto alemão “Neue Stimmen” em Gütersloh. Dois anos mais tarde, Vesselina Kasarova estreou-se no Festival de Salzburgo e na Ópera Estatal de Viena. Desde então, tem interpretado um vasto repertório nas principais casas de óperas e de concerto da Europa, dos EUA e do Japão, incluindo a Royal Opera House Covent Garden, o Gran Teatre del Liceu de Barcelona, a Ópera Estatal da Baviera, a Ópera Nacional de Paris, o Teatro alla Scala de Milão, a Lyric Opera de Chicago, a Metropolitan Opera, a Ópera de São Francisco, o Teatro Nacional de São Carlos, o Teatro Real de Madrid, o Maggio Musicale Fiorentino e o Rossini Opera Festival em Pesaro. Gravou numerosos recitais e óperas completas como artista exclusiva da RCA e para outras companhias e foi galardoada com o prémio “Bayerische Kammersängerin” e “Österreichische Kammersängerin”.

A soprano Ana Sofia Ventura concluiu a sua licenciatura na Escola Superior de Música de Lisboa e posteriormente integrou a International Opera Academy em Gante, na Bélgica. 

Estreou, no Teatro Nacional de São Carlos, a ópera O Rouxinol de Sérgio Azevedo, com os papéis de Rouxinol e Rouxinol Mecânico. Estreou recentemente a ópera portuguesa Madrugada: razões de um movimento, co-produção MPMP e Orquestra do Algarve. Dos seus papéis operáticos destacam-se os papéis mozarteanos Königin der Nacht, Susanna e Zerlina. Interpretou também Sra. T em Manifesto NaDa, de A. Sousa Dias, Cathleen em Riders to the Sea, de V. Williams, Belinda em Dido and Aeneas, de H. Purcell, Cephisa em Orpheus, de G. P. Telemann, Civene em Le Cinesi, de C. W. Gluck. 

Participou na estreia moderna de La Ninfa del Tago de A. Scarlatti, no papel de Tirsi, com a OML sob a direção de Enrico Onofri, e participou também na 4ª Sinfonia de Mahler, sob a direção de Miguel Romea. 

No contexto de oratória, interpretou The Messiah de G. F. Händel, Messe in h-Moll de J. S. Bach, Lauda per la Navità del Signore de O. Respighi como Anjo, Wie der Hirsch Schreit de F. Mendelssohn. 

Natural de Roma, licenciou-se em piano, composição, música coral e direção de orquestra na Academia de Santa Cecília. Aperfeiçoou-se com Zoltán Peskó, Vladimir Delman e Rudolf Barshai, tendo alcançado o 3.º prémio no Concurso Arturo Toscanini de Parma. De 1995 a 2001, foi diretor musical no Teatro de Ópera de Ancara, ocupando, de 2001 a 2005, o mesmo cargo na Ópera Estatal de Istambul. Dos compromissos passados e mais recentes, destacam-se: Lucia di Lammermoor em Buenos Aires e Bari; La Gioconda em Santander; Andrea Chénier em Berlim e na Catânia; Macbeth em Lisboa; Aida em Copenhaga e Caracalla; Il trovatore, Anna Bolena e Ernani na Catânia; Tosca em Florença e Bari; Turandot em Copenhaga, Verona e Catânia; Aroldo em Bilbau; Il barbiere di Siviglia em Tóquio, Valência e Verona; Carmen em Copenhaga e Avenches; Faust em Tóquio e Santander; Un ballo in maschera em Salerno e Lisboa; Madama Butterflyem Ancona; Medea no circuito As.Li.Co.; Norma em Trapani e Spalato; Attila em Lecce e Roma; Otello em Lisboa; Manon Lescaut em Torre del Lago; Nabucco em Caracalla e Lisboa; Rigoletto em Tóquio, Falstaff em Xangai; e La forza del destino em Lisboa. É, atualmente, maestro titular da Orquestra Sinfónica Portuguesa. 

© Bruno Simão

Henrique Pimentel tem colaborado em 2024 com o Teatro Nacional de São Carlos em vários projectos. Foi responsável pela reposição de Madama Butterfly, encenada por Jacopo Spirei, e depois assistente do mesmo encenador na sua recente produção de Falstaff. Assina agora a encenação de dois concertos no âmbito do Festival ao Largo 2024. Anteriormente, realizou estágios com os encenadores Vincent Huguet em Così Fan Tutte (Staatsoper de Berlim, 2021) e Christophe Gayral em La Bohème (69º Festival Puccini em Torre del Lago, 2023). 

É licenciado e mestre em Arquitectura pela Universidade de Coimbra, tendo iniciado a sua actividade profissional e multidisciplinar no atelier de Luísa Bebiano. A partir de 2022 dedicou-se exclusivamente a projetos nas áreas da cenografia, direção de arte para cinema e encenação, colaborando com outros nomes importantes como Luis F. Carvalho, Artur Pinheiro, Augusto Mayer e Nuno Carinhas. 

Criada em 1993, a Orquestra Sinfónica Portuguesa (OSP) é um dos corpos artísticos do Teatro Nacional de São Carlos e tem vindo a desenvolver uma atividade sinfónica própria, incluindo uma programação regular de concertos, participações em festivais de música nacionais e internacionais. Colabora regularmente com a Rádio e Televisão de Portugal através da transmissão dos seus concertos e óperas pela Antena 2, designadamente a realização da tetralogia O anel do Nibelungo, transmitida na RTP2, e da participação em iniciativas da própria RTP, como o Prémio Pedro de Freitas Branco para Jovens Chefes de Orquestra, o Prémio Jovens Músicos-RDP e a Tribuna Internacional de Jovens Intérpretes. No âmbito das temporadas líricas e sinfónicas, a OSP tem-se apresentado sob a direção de notáveis maestros, como Rafael Frühbeck de Burgos, Alain Lombard, Nello Santi, Alberto Zedda, Harry Christophers, George Pehlivanian, Michel Plasson, Krzysztof Penderecki, Djansug Kakhidze, Milán Horvat, Jeff rey Tate e Iuri Ahronovitch, entre outros. A discografia da OSP conta com dois CD para a etiqueta Marco Polo, com as Sinfonias n.os 1, 3, 5e 6 de Joly Braga Santos, que gravou sob a direção do seu primeiro maestro titular, Álvaro Cassuto, e Crossing borders (obras de Wagner, Gershwin e Mendelssohn), sob a direção de Julia Jones, numa gravação ao vivo pela Antena 2. Recentemente, em maio de 2022, foi lançado o CD editado pela Naxos com obras de Fernando Lopes-Graça, sob a direção de Bruno Borralhinho. No cargo de maestro titular, seguiram-se José Ramón Encinar (1999-2001), Zoltán Peskó (2001-2004) e Julia Jones (2008-2011); Donato Renzetti desempenhou funções de primeiro maestro convidado entre 2005 e 2007. Joana Carneiro foi maestrina titular de 2014 a 2021. Atualmente, a direção musical está a cargo de Antonio Pirolli, seu maestro titular. 

© David Rodrigues

Criada em 1993, a Orquestra Sinfónica Portuguesa (OSP) é um dos corpos artísticos do Teatro Nacional de São Carlos e tem vindo a desenvolver uma atividade sinfónica própria, incluindo uma programação regular de concertos, participações em festivais de música nacionais e internacionais. Colabora regularmente com a Rádio e Televisão de Portugal através da transmissão dos seus concertos e óperas pela Antena 2, designadamente a realização da tetralogia O anel do Nibelungo, transmitida na RTP2, e da participação em iniciativas da própria RTP, como o Prémio Pedro de Freitas Branco para Jovens Chefes de Orquestra, o Prémio Jovens Músicos-RDP e a Tribuna Internacional de Jovens Intérpretes. No âmbito das temporadas líricas e sinfónicas, a OSP tem-se apresentado sob a direção de notáveis maestros, como Rafael Frühbeck de Burgos, Alain Lombard, Nello Santi, Alberto Zedda, Harry Christophers, George Pehlivanian, Michel Plasson, Krzysztof Penderecki, Djansug Kakhidze, Milán Horvat, Jeff rey Tate e Iuri Ahronovitch, entre outros. A discografia da OSP conta com dois CD para a etiqueta Marco Polo, com as Sinfonias n.os 1, 3, 5e 6 de Joly Braga Santos, que gravou sob a direção do seu primeiro maestro titular, Álvaro Cassuto, e Crossing borders (obras de Wagner, Gershwin e Mendelssohn), sob a direção de Julia Jones, numa gravação ao vivo pela Antena 2. Recentemente, em maio de 2022, foi lançado o CD editado pela Naxos com obras de Fernando Lopes-Graça, sob a direção de Bruno Borralhinho. No cargo de maestro titular, seguiram-se José Ramón Encinar (1999-2001), Zoltán Peskó (2001-2004) e Julia Jones (2008-2011); Donato Renzetti desempenhou funções de primeiro maestro convidado entre 2005 e 2007. Joana Carneiro foi maestrina titular de 2014 a 2021. Atualmente, a direção musical está a cargo de Antonio Pirolli, seu maestro titular. 

© David Rodrigues

É, desde janeiro de 2021, maestro titular do Coro do Teatro Nacional de São Carlos. Estudou trombone, composição, música coral e direção coral no Conservatório de Música Giuseppe Verdi, em Milão. De 2016 a janeiro de 2021, foi maestro do Coro da Devlet Opera Ve Balesi de Ancara e, de 2018 a janeiro de 2021, desempenhou as funções de orientador vocal do Coro da Rádio e Televisão da Turquia. Simultaneamente à sua carreira como barítono solista, prosseguiu a atividade como maestro de coro, a partir de 1993, quando criou o Schola Cantorum «Cantate Domino» de Carbonate (Itália). Em 1996, fundou o Coro «Euphonia», em Carbonate, do qual foi diretor artístico e orientador vocal. O Coro «Euphonia» foi levado à descoberta do mundo da ópera, tendo interpretado, ao longo dos anos, os mais importantes títulos do repertório melodramático. De janeiro de 2002 a 2016, dirigiu o Coro Lirico dell’Associazione Musicale Calauce de Calolziocorte (Itália). De 2006 a 2016, dirigiu o coro lírico «Corale Arnatese» e, de setembro de 2012 a 2015, foi o maestro do Coro Operístico de Mendrisio (Suíça). Em 2015, fundou o Coro Sinfónico Ticino. Durante vários anos, lecionou técnica, pedagogia e didatismo de canto para maestros de coro, em cursos organizados pela Unione Società Corali Italiane, da qual foi membro do Comité Artístico. Como freelancer, é regularmente convidado, por ensembles e coros, a orientar masterclasses e cursos de canto, tanto em Itália como no resto do mundo. 

© Bruno Frango

É, desde janeiro de 2021, maestro titular do Coro do Teatro Nacional de São Carlos. Estudou trombone, composição, música coral e direção coral no Conservatório de Música Giuseppe Verdi, em Milão. De 2016 a janeiro de 2021, foi maestro do Coro da Devlet Opera Ve Balesi de Ancara e, de 2018 a janeiro de 2021, desempenhou as funções de orientador vocal do Coro da Rádio e Televisão da Turquia. Simultaneamente à sua carreira como barítono solista, prosseguiu a atividade como maestro de coro, a partir de 1993, quando criou o Schola Cantorum «Cantate Domino» de Carbonate (Itália). Em 1996, fundou o Coro «Euphonia», em Carbonate, do qual foi diretor artístico e orientador vocal. O Coro «Euphonia» foi levado à descoberta do mundo da ópera, tendo interpretado, ao longo dos anos, os mais importantes títulos do repertório melodramático. De janeiro de 2002 a 2016, dirigiu o Coro Lirico dell’Associazione Musicale Calauce de Calolziocorte (Itália). De 2006 a 2016, dirigiu o coro lírico «Corale Arnatese» e, de setembro de 2012 a 2015, foi o maestro do Coro Operístico de Mendrisio (Suíça). Em 2015, fundou o Coro Sinfónico Ticino. Durante vários anos, lecionou técnica, pedagogia e didatismo de canto para maestros de coro, em cursos organizados pela Unione Società Corali Italiane, da qual foi membro do Comité Artístico. Como freelancer, é regularmente convidado, por ensembles e coros, a orientar masterclasses e cursos de canto, tanto em Itália como no resto do mundo. 

© Bruno Frango

O Coro do Teatro Nacional de São Carlos, criado em 1943 sob a titularidade de Mario Pellegrini, tem atuado sob a direção de importantes maestros (Pedro de Freitas Branco, Votto, Serafin, Gui, Giulini, Klemperer, Zedda, Solti, Santi, Rescigno, Navarro, Rennert, Burgos, Conlon, Christophers, Plasson e Minkowski, entre outros) e colaborado com marcantes encenadores (Pountney, Carsen, Vick). Entre 1962 e 1975, o Coro colaborou nas temporadas da Companhia Portuguesa de Ópera (Teatro da Trindade), tendo-se deslocado com a mesma à Madeira, aos Açores, a Angola e a Oviedo. O conjunto tem regularmente abordado o repertório de compositores nacionais (Alfredo Keil, Augusto Machado) e tem participado em estreias mundiais de óperas de Fernando Lopes-Graça, António Victorino d’Almeida, António Chagas Rosa, Nuno Côrte-Real. Em 1980, formou-se um primeiro núcleo coral a tempo inteiro e, três anos depois, assumiu-se a profissionalização plena, sob a direção de Antonio Brainovitch. A partir de 1985, a afirmação artística do conjunto foi creditada a Gianni Beltrami e o titular seguinte foi João Paulo Santos. Sob a responsabilidade destes dois maestros, o Coro registou marcantes êxitos internacionais: Grande messe des morts de Berlioz (1989–Turim); Requiem de Verdi (1991–Bruxelas); Concerto Henze/Corghi (1997–Festival de Granada). Giovanni Andreoli assumiu o cargo em 2004. Sob a sua direção, o Coro averbou êxitos num vasto e variado repertório. Em 2005, o Coro foi convidado pela Ópera de Génova para participar em récitas da ópera Billy Budd de Britten, convite que se repetiu em 2015. Giampaolo Vessella é o maestro titular desde janeiro de 2021.   

O Coro do Teatro Nacional de São Carlos, criado em 1943 sob a titularidade de Mario Pellegrini, tem atuado sob a direção de importantes maestros (Pedro de Freitas Branco, Votto, Serafin, Gui, Giulini, Klemperer, Zedda, Solti, Santi, Rescigno, Navarro, Rennert, Burgos, Conlon, Christophers, Plasson e Minkowski, entre outros) e colaborado com marcantes encenadores (Pountney, Carsen, Vick). Entre 1962 e 1975, o Coro colaborou nas temporadas da Companhia Portuguesa de Ópera (Teatro da Trindade), tendo-se deslocado com a mesma à Madeira, aos Açores, a Angola e a Oviedo. O conjunto tem regularmente abordado o repertório de compositores nacionais (Alfredo Keil, Augusto Machado) e tem participado em estreias mundiais de óperas de Fernando Lopes-Graça, António Victorino d’Almeida, António Chagas Rosa, Nuno Côrte-Real. Em 1980, formou-se um primeiro núcleo coral a tempo inteiro e, três anos depois, assumiu-se a profissionalização plena, sob a direção de Antonio Brainovitch. A partir de 1985, a afirmação artística do conjunto foi creditada a Gianni Beltrami e o titular seguinte foi João Paulo Santos. Sob a responsabilidade destes dois maestros, o Coro registou marcantes êxitos internacionais: Grande messe des morts de Berlioz (1989–Turim); Requiem de Verdi (1991–Bruxelas); Concerto Henze/Corghi (1997–Festival de Granada). Giovanni Andreoli assumiu o cargo em 2004. Sob a sua direção, o Coro averbou êxitos num vasto e variado repertório. Em 2005, o Coro foi convidado pela Ópera de Génova para participar em récitas da ópera Billy Budd de Britten, convite que se repetiu em 2015. Giampaolo Vessella é o maestro titular desde janeiro de 2021.   

Bin Chao nasceu no seio de uma família de músicos e começou a tocar violino aos seis anos de idade. Estudou no Conservatório Central de Música de Pequim, onde se diplomou com distinção, e concluiu um Mestrado em Música no Mannes College of Music de Nova Iorque, onde estudou com o violinista David Nadien.

O violinista e crítico musical Henry Roth elogiou a musicalidade e a técnica sólida de Bin Chao no seu livro Grandes Violinistas, livro este que faz uma análise sobre os 100 maiores violinistas do século XX, de acordo com a perspetiva do seu autor.

Em 1984 foi 2.º classificado no Concurso Nacional de Violino da China. Como solista, recitalista e músico de câmara, atuou por toda a Europa e na América do Norte. Mudou-se para Lisboa em 1991, tendo participado nos principais festivais de música em Portugal e ainda no Festival de Aspen e no Festival Schumann de Nova Iorque.

Em 2001 foi solista convidado no prestigiado Annual English Handbell Festival, em Nova Iorque. Entre 1999 e 2001, ensinou violino em Nova Iorque, integrado na iniciativa da Fundação Midori de levar a música às escolas públicas. Foi professor na Universidade de Évora e desde 2007 ensina violino, viola e música de câmara no Instituto Piaget. Desde 2010, colabora com o Conservatório de Música da Universidade de Lawrence, em Appleton, Wisconsin, nos Estados Unidos da América. Bin Chao toca num violino Carlo Giuseppe Testore de 1715, tendo também instrumentos dos luthiers Antonio Capela e Judith Bauer, entre outros. Desde 2014, é professor de violino na Escola Superior de Música de Lisboa.

Natural de Roma, licenciou-se em piano, composição, música coral e direção de orquestra na Academia de Santa Cecília. Aperfeiçoou-se com Zoltán Peskó, Vladimir Delman e Rudolf Barshai, tendo alcançado o 3.º prémio no Concurso Arturo Toscanini de Parma. De 1995 a 2001, foi diretor musical no Teatro de Ópera de Ancara, ocupando, de 2001 a 2005, o mesmo cargo na Ópera Estatal de Istambul. Dos compromissos passados e mais recentes, destacam-se: Lucia di Lammermoor em Buenos Aires e Bari; La Gioconda em Santander; Andrea Chénier em Berlim e na Catânia; Macbeth em Lisboa; Aida em Copenhaga e Caracalla; Il trovatore, Anna Bolena e Ernani na Catânia; Tosca em Florença e Bari; Turandot em Copenhaga, Verona e Catânia; Aroldo em Bilbau; Il barbiere di Siviglia em Tóquio, Valência e Verona; Carmen em Copenhaga e Avenches; Faust em Tóquio e Santander; Un ballo in maschera em Salerno e Lisboa; Madama Butterflyem Ancona; Medea no circuito As.Li.Co.; Norma em Trapani e Spalato; Attila em Lecce e Roma; Otello em Lisboa; Manon Lescaut em Torre del Lago; Nabucco em Caracalla e Lisboa; Rigoletto em Tóquio, Falstaff em Xangai; e La forza del destino em Lisboa. É, atualmente, maestro titular da Orquestra Sinfónica Portuguesa. 

© Bruno Simão

Diogo Costa é, atualmente, um dos jovens maestros mais ativos do país. Entre os seus projetos recentes e futuros incluem-se os convites para a Orquestra Gulbenkian, a Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música, a Orquestra Metropolitana de Lisboa, bem como para várias orquestras regionais do país. Em Inglaterra, dirigiu a Hallé Orchestra e a Filarmónica da BBC, em Manchester, a Orquestra Nacional de Gales da BBC, e a West European Studio Orchestra, com a qual tem vindo a gravar em diversos estúdios, entre eles o lendário Abbey Road, em Londres.  

Nutrindo um interesse especial pela ópera, trabalhou como maestro assistente de Lorenzo Viotti na produção da ópera Roméo et Juliette de Gounod, com a Orquestra e Coro Gulbenkian, e também enquanto maestro assistente de David Azagra na produção da ópera L’elisir d’amore de Donizetti, em Espanha. Em 2021, estreou-se enquanto maestro principal na produção da ópera The Medium de Menotti, no Operafest Lisboa, que recebeu as melhores críticas internacionais.   

Presença constante em diversos concursos internacionais, foi recentemente laureado no Prémio Jovens Músicos em direção de orquestra. Em 2020, foi finalista no Mackerras Fellowship da Ópera Nacional de Inglaterra e semi-finalista na Siemens Hallé International Conducting Competition.   

Jermaine Maurice Spivey é um coreógrafo norte-americano em clara ascensão, que, a par de uma brilhante carreira enquanto intérprete, convoca ativamente a ideia de uma prática colaborativa nos seus processos de criação. De 2002 a 2017, viveu e trabalhou predominantemente na Europa, tendo sido membro do Ballet Gulbenkian e do Cullberg Ballet. Trabalhou como artista convidado para a Hofesh Shechter Company, Robyn Live 2016, The LID, Arias Company e The Forsythe Company de 2013 a 2015, entre outras colaborações. É membro da companhia Kidd Pivot desde 2008. Como coreógrafo, já lhe foram comissionados trabalhos pela companhia Salt Contemporary Dance (EUA), Rambert 2 (RU), LA Dance Project (EUA), The Broad Museum (EUA), Christina Aguilera Live at The Hollywood Bowl com Gustavo Dudamel e a LA Phil, e, mais recentemente, Hubbard Street Dance Chicago (EUA), NDT 2 (Países Baixos) e Ballet Flanders (Bélgica). Em colaboração com o seu companheiro e parceiro artístico Spenser Theberge, Spivey criou as obras Rather This Then e Position 3. Spivey orienta ainda práticas de dança por toda a América do Norte e Europa. 

© Jermaine Spivey

Alexandre Andrade, Gonçalo Brandão, Manuel Dias e Pedro Simões, naturais dos distritos de Aveiro, Viseu e Porto, formam o Ketuk Quartet. O projeto surgiu a partir do trabalho realizado no grupo de percussão da Escola Profissional de Música de Espinho com o objetivo de concorrer ao Prémios Jovens Músicos, objetivo que foi realizado com a obtenção do primeiro prémio no PJM 2023 na categoria de música de câmara - nível médio. Destaca-se ainda a atuação no grande auditório da Fundação Calouste Gulbenkian no âmbito do Festival Jovens Músicos. Atualmente, o quarteto procura contribuir para a relevância da percussão na música de câmara.

Compositor e maestro, Pedro Amaral (Lisboa, 1972) é um dos músicos mais ativos da sua geração. Iniciou os seus estudos com Fernando Lopes-Graça, em 1986. Graduou-se na Escola Superior de Música de Lisboa (1994) e no Conservatório de Paris (CNSM), onde obteve o Primeiro Prémio em Composição por unanimidade do júri (1998). Estudou direção de orquestra com Emilio Pomàrico e com Peter Eötvös, de quem foi assistente.

Prosseguiu estudos universitários na École des Hautes Études en Sciences Sociales, obtendo um Mestrado em Musicologia Contemporânea (1998) e um Doutoramento (2003) com uma tese sobre Momente, de K. Stockhausen.

Trabalhou no IRCAM, em Paris, como compositeur en recherche, compondo e estreando diversas obras para meios instrumentais e eletrónica em tempo real, tornando-se presença assídua em muitos dos mais importantes festivais internacionais. Em 2006 gravou o seu primeiro disco monográfico, com a London Sinfonietta, sob a sua direção. As suas óperas O Sonho e Beaumarchais foram estreadas em Londres (2010) e Lisboa (Teatro Nacional Dona Maria II, 2017), respetivamente.

Foi compositor residente na Herrenhaus Edenkoben (Alemanha, 2001), na Villa Medici (antigo Prix de Rome, 2004/05) e no Palácio Lenzi (Florença, 2006). Professor da Universidade de Évora desde 2007, é membro da Academia de Belas Artes desde 2017.

Em cada temporada, Pedro Amaral dirige numerosos concertos em Portugal e no estrangeiro, com um repertório que se estende do Classicismo vienense à contemporaneidade, empenhando-se em projetos de amplo significado como o que dirigiu em Milão, no Teatro alla Scala, com a Orquestra Sinfónica Nacional da RAI de Turim e o violinista Vadim Repin, em maio de 2022, 11 semanas após a invasão da Ucrânia, com um apelo à Paz em tempos de guerra.

Com uma ampla experiência na programação de concertos, temporadas e festivais, desempenhou as funções de Maestro Titular da Orquestra do Conservatório Nacional (2007/08), do Sond’Arte Electric Ensemble (2007/10) e da Orquestra Metropolitana de Lisboa, funções que acumulou com as de Diretor Artístico (2013/20).

Iniciou os seus estudos de ballet em 1961 no Grupo Verde Gaio e, em 1968 ingressou no Ballet Gulbenkian. Em 1975 formou-se em Dança Moderna na Escola de Dança Contemporânea de Martha Graham, em Nova Iorque. Durante mais de duas décadas desempenhou funções de coreógrafo residente no Ballet Gulbenkian, onde criou dezenas de obras que marcaram o estilo da companhia. Além disso, foi regularmente convidado a coreografar em diversas companhias estrangeiras, nomeado professor de Dança Moderna na Escola de Dança do Conservatório Nacional e professor coordenador na Escola Superior de Dança. Também atuou como diretor artístico do Festival de Sintra na área da dança e do Teatro Camões, além de ser diretor artístico da CNB. 

Em 1997 fundou, juntamente com Graça Barroso, a Companhia Portuguesa de Bailado Contemporâneo (CPBC), que estreou em abril de 1998, no Brasil. Recebeu várias distinções ao longo da sua carreira, sendo condecorado como Comendador da Ordem do Infante D. Henrique pelo então Presidente da República, Dr. Mário Soares, em 10 de junho de 1994. 

Atualmente, ocupa o cargo de Presidente da Direção e coreógrafo principal na CPBC. Em 2021 confiou a direção artística a Cláudia Sampaio, uma das bailarinas fundadoras da companhia. 

Em janeiro de 2024 foi agraciado com a Medalha de Mérito Cultural da Câmara Municipal de Lisboa. 

© Kinema

«Uma notável artista, uma cantora inata (...) com uma voz bonita e redonda, uma presença excecional em palco, com uma messa di voiceque após a Caballé é muito difícil de encontrar» (diretor do Festival Oper im Berg). Estreou-se em Salzburgo (Festival Oper im Berg) com o papel titular em Lucia di Lammermoor, em prestação muito aclamada pela crítica e pelo público.

Interpretou os papéis Musetta no TNSC onde recebeu os melhores elogios da critica pública - «The highlight was Bárbara Barradas as Musetta. A scene-stealing actress, she really brought out the heartfelt generosity of her character and has this wonderfully poised, silvery soprano with an easy top» - by OperaTraveller. Na sua carreira, já interpretou Lucia, Gilda, Corinna, Valencienne, Le Feu e Le Rossignol, Susanna, Barbarina, La Fèe, Frasquita, Donna Anna, Zerlina, Königin der Nacht, Ines di Castro, entre outros. Estreou no Teatro da Trindade, o papel de Bruna da ópera Canção do Bandido de Nuno Côrte-Real, com encenação de Ricardo Neves-Neves. Na Culturgest, também em estreia absoluta, foi a solista de Tremor de Nuno Côrte-Real, obra que gravou em Berlim. Canta regularmente com as mais prestigiadas orquestras nacionais e internacionais. Foi bolseira da Fundação Gulbenkian, formou-se em Londres com distinção (BMus e MMus) na Guildhall School of Music and Drama. Fez também pós-graduações na International Opera Academy e na WIAV. Ganhou vários prémios e bolsas de estudo em inúmeras competições nacionais e internacionais.

É fundadora e mentora do «Empodera-te na Voz» e da marca «EmpoderARTE», é também co-fundadora da ArtAllurement.

Dedicado à performance do batuku, as Batucadeiras das Olaias surgem com o objetivo de partilhar, divulgar, reivindicar e exaltar a história, a memória e a cultura cabo-verdiana. A celebração é uma representação central da cultura de Cabo Verde e das comunidades cabo-verdianas na diáspora. Não se prendem apenas à música, ritmo e arte, mas sobretudo ao sentido de amizade, familiaridade, vizinhança e sociabilidade.  
A partir das próprias músicas autorais, o grupo partilha as suas memórias, conhecimentos e histórias de vida, gerando uma evasão da vida quotidiana e uma marcação identitária no contexto migratório. Além disso, promovem o fortalecimento dos laços comunitários e a preservação das tradições culturais. As performances das Batucadeiras das Olaias são momentos de união e celebração, onde a música e a dança se tornam uma linguagem comum que transcende fronteiras. Elas representam não apenas um resgate cultural, mas também uma forma de resistência e afirmação da identidade cabo-verdiana no mundo.  

Estudou na Guildhall School of Music and Drama, em Londres, onde obteve a licenciatura em canto e mestrado (curso de ópera) como bolseira da

Fundação Calouste Gulbenkian. O seu repertório de ópera inclui, entre outros: Preziosilla em La forza del destino; Dorabella em Così fan tutte; Jocasta

em Oedipus rex; Ježibaba em Rusalka; Suzuki em Madama Butterfly; Maddalena em Rigoletto; Eboli em Don Carlo; Madame de Croissy em Dialogues

des carmélites; papel titular em Carmen; Santuzza em Cavalleria rusticana; Condessa di Coigny e Madelon em Andrea Chénier; Siebel em Faust e Azucena em Il trovatore. Em concerto, interpretou como solista: Messa da Requiem de Verdi; Requiem

de Mozart; Stabat Mater de Pergolesi; Oratória de Natal e Oratória de Páscoa e Paixão segundo São João de J. S. Bach; Petite messe solennelle de Rossini; Elijah

de Mendelssohn; Messiah de Händel; L’enfance du Christ de Berlioz; e 9.ª Sinfonia de Beethoven.

João Sanchez, 26 anos, nascido em Lisboa, maturado em Arruda dos Vinhos. Licenciado em Cinema pela Escola Superior de Teatro e Cinema, Freelancer na área audiovisual. Aos 17 anos estreia o seu primeiro filme, Pecado, na Cinemateca Portuguesa. Aos 18 cria o Colectivo Pagárrenda e estreia Nós os Arroianos, a sua primeira longa-metragem, na mesma sala. Desde então, realiza A maneira certa de encontrar casa, filme mais visto e artigo mais lido do Público em 2018. Realiza, edita e desenvolve vários projetos em colaboração com grandes empresas, músicos e ativações de marca. Em 2021 integra o júri do Festival de Cinema de Avanca e  cria a marca de roupa Bon Vivant. Em 2021 cria e interpreta juntamente com Maria Abrantes a performance Uma Água Por Favor e em 2023 o vídeo-dança Finimondo juntamente com Sofia Kafol.  

Ohad Naharin é coreógrafo residente da Batsheva Dance Company, coreógrafo convidado de inúmeras companhias e criador da linguagem de movimento Gaga. 

Nascido em 1952 em Mizra, Israel, entrou para a Batsheva Dance Company em 1974, apesar de ter pouca formação. Durante o seu primeiro ano, a coreógrafa convidada Martha Graham desafiou-o a juntar-se à sua própria companhia em Nova Iorque, onde Naharin fez a sua estreia coreográfica no estúdio de Kazuko Hirabayshi em 1980. Durante a década seguinte, apresentou trabalhos em Nova Iorque e no estrangeiro, incluindo peças para a Batsheva Dance Company, a Kibbutz Contemporary Dance Company e o Nederlands Dans Theater. Naharin trabalhou em estreita colaboração com a sua primeira mulher, Mari Kajiwara, até esta falecer de cancro em 2001. 

Em 1990 Naharin foi nomeado Diretor Artístico da Batsheva Dance Company e, no mesmo ano, criou a divisão júnior da companhia, Batsheva - the Young Ensemble. Desde então, criou mais de trinta obras para ambas as companhias e peças de cenário para muitas outras. Colaborou também com músicos como The Trator’s Revenge, Avi Balleli e Dan Makov, Ivri Lider e Grischa Lichtenberger. 

Sob o pseudónimo Maxim Waratt, compôs, editou e misturou muitas das suas próprias bandas sonoras. O trabalho de Naharin foi apresentado em vários filmes, incluindo Out of Focus (2007) de Tomer Heymann e Mr. Gaga (2015) dos irmãos Heymann. 

Para além do seu trabalho em palco, Naharin também desenvolveu Gaga, a inovadora pesquisa de movimentos e o treino diário dos bailarinos de Batsheva, que se espalhou internacionalmente entre bailarinos e não bailarinos. 

Cidadão de Israel e dos Estados Unidos, Naharin vive atualmente em Israel com a sua mulher, a bailarina e figurinista Eri Nakamura, e a sua filha, Noga. 

©Ilya Melnikov

Em 1962 a Fundação Calouste Gulbenkian decidiu estabelecer um agrupamento orquestral permanente. No início constituído apenas por doze elementos, foi originalmente designado por Orquestra de Câmara Gulbenkian. Ao longo de sessenta anos de atividade, a Orquestra Gulbenkian (denominação adotada desde 1971) foi sendo progressivamente alargada, contando hoje com um efetivo de cerca de sessenta instrumentistas que pode ser pontualmente expandido de acordo com as exigências de cada programa de concerto.  

Esta constituição permite à Orquestra Gulbenkian interpretar um amplo repertório que se estende do Barroco até à música contemporânea. Obras pertencentes ao repertório corrente das grandes formações sinfónicas tradicionais, nomeadamente a produção orquestral de Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Mendelssohn ou Schumann, podem ser dadas pela Orquestra Gulbenkian em versões mais próximas dos efetivos orquestrais para que foram originalmente concebidas, no que respeita ao equilíbrio da respetiva arquitetura sonora. 

Em cada temporada, a Orquestra Gulbenkian realiza uma série regular de concertos no Grande Auditório Gulbenkian, em Lisboa, em cujo âmbito tem tido ocasião de colaborar com alguns dos maiores nomes do mundo da música, nomeadamente maestros e solistas. Atua também com regularidade noutros palcos em diversas localidades do país, cumprindo desta forma uma significativa função descentralizadora. No plano internacional, por sua vez, a Orquestra Gulbenkian foi ampliando gradualmente a sua atividade, tendo até agora efetuado digressões na Europa, na Ásia, em África e nas Américas. 

No plano discográfico, o nome da Orquestra Gulbenkian encontra-se associado às editoras Philips, Deutsche Grammophon, Hyperion, Teldec, Erato, Adès, Nimbus, Lyrinx, Naïve e Pentatone, entre outras, tendo esta sua atividade sido distinguida, desde muito cedo, com diversos prémios internacionais de grande prestígio. A partir de setembro de 2023, O finlandês Hannu Lintu é o Maestro Titular da Orquestra Gulbenkian, sucedendo a Lorenzo Viotti. 

© FCGulbenkian

Akram Khan é um artista essencial e mundialmente reconhecido no campo da dança na atualidade. Ao longo dos últimos 23 anos, as suas obras têm contribuído significativamente para as artes no Reino Unido e no estrangeiro. Tem colaborado com artistas de outras culturas e disciplinas, tais como o Ballet Nacional da China, Juliette Binoche, Sylvie Guillem, Kylie Minogue, Florence + The Machine, Anish Kapoor, Antony Gormley, Tim Yip, Hanif Kureishi, Steve Reich, Nitin Sawhney, Jocelyn Pook ou Ben Frost. A obra de Khan é considerada profundamente comovente, chegando mesmo a poder ser lida como ritual, dada a influência que a dança clássica Kathak tem nela. Ao transportar elementos desta dança para as suas criações, Khan contribui para uma redefinição da nossa ideia do que é dançar. Ao longo da sua carreira, tem sido galardoado com inúmeras distinções.  

© Camilla Greenwell

Nascido em Tarouquela, Carlos Cardoso estudou na escola da Beira Interior com o maestro Ferreira. Foi o vencedor do 1º Prémio no Concurso Luísa Todi, do 3º Prémio no Concurso Magda Olivero, e do 1º Prémio no Concurso do Rotary Club, em Lisboa. Foi membro do Estúdio de Ópera do Teatro S. Carlos em Lisboa e da “Accademia del Teatro alla Scala” em Milão, no âmbito da qual participou de concertos e produções de ópera. Entre outras estreias, contam-se apresentações na Ópera Nacional Holandesa de Amesterdão, Teatro Verdi di Busseto para o Festival Parma Verdi, Teatro São Carlos em Lisboa, Stadttheater Klagenfurt, Ópera Vilnius e a Fundação Calouste Gulbenkian. Entre 2017 e 2023 foi membro do ensemble do Aalto Theater Essen. Como convidado, atuou também nas Óperas de Magdeburgo, Wiesbaden, Koblenz, Dortmund, Gelsenkirchen, Gärtnerplatz München, Ópera Nacional de Praga e Tirana, em Parma e Trieste, e no Musikverein de Viena. O seu repertório inclui, entre outros, os papéis de Duca/Rigoletto, Alfredo/La Traviata, Rodolfo/Luisa Miller, Renato/Un ballo in Maschera, Gabriele Adorno/Simone Boccanegra, Ismaele/Nabucco, Edgardo/Lucia di Lammermoor, Pollione/Norma, Rodolfo/La Bohème, Pinkerton/Madama Butterfly, Narraboth/Salomé. Em concerto, apresentou-se na Glagolitische Messe de Janacek, na Messa di Gloria de Puccini, na Petite Messe Solennelle e no Stabat Mater de Rossini, e ainda no Requiem de Dvorak. 

A CNB é o organismo de produção artística que tem como missão assegurar a prestação de um serviço público no domínio da dança, no âmbito de um projeto cultural centrado na promoção do acesso dos cidadãos à fruição desta atividade artística e no reforço dos padrões de qualidade da criação e produção profissionais da dança em Portugal e no estrangeiro. Ao longo de mais de quatro décadas de existência tem apresentado obras de referência do reportório internacional, quer as incontornáveis do dito clássico, quer as de coreógrafos como George Balanchine, Kurt Jooss, José Limón, Anne Teresa De Keersmaeker, William Forsythe, Hans van Manen, Jiří Kylián, Akram Khan, Sasha Waltz, Sidi Larbi Cherkaoui, Alexander Ekman, entre outros. Paralelamente tem apostado em encomendas geradoras de uma identidade própria, com especial destaque nos convites a autores portugueses Armando Jorge, Olga Roriz, Rui Lopes Graça, Vasco Wellenkam, Rui Horta, Fernando Duarte, Tiago Rodrigues, Victor Hugo Pontes, Tânia Carvalho, Clara Andermatt, Sónia Baptista, Filipe Portugal e Marco da Silva Ferreira, entre outros. 

A interligação com distintas áreas da criação artística tem sido, também, uma preocupação de muitas dessas encomendas envolvendo importantes nomes da música, teatro, cinema ou artes plásticas e aproveitando a versatilidade de um elenco, atualmente dirigido artisticamente por Carlos Prado. 

Leonel Pinheiro é licenciado pela Universidade de Aveiro e pós-graduado pela Royal Scottish Academy of Music & Drama, Opera School (Mestrado), Guildhall School of Music & Drama. Trabalha regularmente com o Wexford Festival Opera, cantou Kozak Maria/Showman A Village Romeo and Juliet, Achille di Rosalba/Felice Il cappello di paglia di Firenze. Destacam-se dos papéis interpretados: Don Jose/ Carmen (Mid Wales Opera) encenação Sir Jonathan Miller, Macduff /Macbeth (Scottish Opera), Alfredo La traviata (Bermuda Festival, European Chamber Opera, Bangkok Grand Opera) com récitas na Tailândia, Bermudas, Índia, Paquistão, Coreia do Sul e Bahrain. Luigi/Il tabarro, Samson/Samson et Dalila (Grimeborn Opera Festival), Cavaradossi /Tosca (Musique Cordiale Festival, Wimbledon International Music Festival). Turiddu/Cavalleria rusticana (Coliseu Micaelense).  

Em concerto/oratória, destaca-se a estreia no Royal Festival Hall em Requiem de Mozart com a English Chamber Orchestra/Philharmonia Chorus e Das Lied von Der Erde de Mahler com a Orquestra Metropolitana de Lisboa, no Centro Cultural de Belém.   

© Viúva

O vasto repertório do barítono espanhol inclui mais de 50 papéis em alguns dos mais importantes palcos do mundo. 

Como cantor verdiano, destacam-se as suas interpretações de Conte di Luna, Giorgio Germont, Paolo, Jago, Nabucco, Macbeth, Attila, Rigoletto, Amonasro, Falstaff e Ford. O seu repertório verista inclui Sharpless, Scarpia, Marcello, Guglielmo em Le villi, Lescaut, Michele ou Alfio e Tonio, papéis que interpretou em alguns dos mais conceituados palcos e cidades internacionais, como Théâtre des Champs-Elysées, Metropolitan Opera, Berlin Staatsoper, Teatro Real de Madrid, Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Concertgebow Amsterdam, Hamburg, Lausanne, Maggio Musical Fiorentino, Teatro La Maestranza, Palau de les Arts, Ópera de Tenerife, Teatro Bellini (Palermo), Helsínquia, Ópera de Las Palmas de Gran Canaria, Arena di Verona, Deutsche Oper Berlin, Teatro Nacional de São Carlos, Tetaro di San Carlo de Nápoles, Opéra de Nice, Chorégie d’Orange, Toulouse e Palma de Maiorca. 

No âmbito do bel canto, já se apresentou em importantes papéis de barítono como Don Pasquale.  O seu repertório francês abrange o seu notável Escamillo, além de Albert, Mercutio, Athanael e Grand Prête. É também um ilustre interpréte de Zarzuela. 

A sua discografia inclui Pagliacci, Il viaggio a Reims, Katiuska e La vida breve de Falla, para a etiqueta Deutsche Grammophon. 

Primeira harpista a ganhar o prémio nacional Jovem Músico do Ano, a «virtuosa harpista» (Prémio Jovens Músicos) Beatriz Cortesão tem vindo a cativar público a nível global com a sua «energia contagiosa» complementada por uma «técnica impressionante» (Harp Column). Entre os prémios internacionais conquistados, destaca-se o Prémio Mário Falcão no 21.º Concurso Internacional de Harpa, em Israel.

Enquanto solista, apresentou-se com a Orquestra Sinfónica de Jerusalém, Orquestra Gulbenkian, Real Filarmonia da Galiza e com a Orquestra Clássica do Centro. Estreou a obra  Hybris para harpa solo e orquestra de Alejandro Civilotti no Noia Harp Fest (2023), e tem vindo a apresentar-se como solista em Israel, Itália, Portugal, Rússia, Eslovénia, Espanha e Suiça. É primeira harpa da Accademia Teatro Alla Scala, em Milão, e foi harpista da Orquestra de Jovens da União Europeia (2020). Colabora regularmente com o Ensemble D’Arcos, e é cofundadora do duo AnimArpa, com Carolina Coimbra. Beatriz Cortesão estudou harpa desde jovem com Eleonor Picas, Beatrix Schmidt, Rita Campos e Erica Versace. A academia HarpMasters desempenhou um papel vital no desenvolvimento das suas capacidades pessoais e artísticas, desde 2012. Detém a licenciatura e o mestrado em performance da música, com a mais alta distinção, da Civica Scuola di Musica Claudio Abbado, na classe de Irina Zingg. 

© Lorenzo Gorini

Os Estúdios Victor Córdon são uma plataforma criativa pertencente ao OPART, cuja missão é o apoio à comunidade artística independente. A sua programação pretende dar voz às necessidades de criadores(as) e intérpretes, nomeadamente no registo e transmissão dos seus discursos, pensamento em torno da criação artística e impacto na realidade social. Promovendo diferentes visões, os Estúdios olham as rotas da língua portuguesa como lugares de encontro, e refletem sobre o papel da criação artística no processo de aproximação de culturas, através do diálogo com as comunidades migrantes residentes em Portugal, em especial com as comunidades afrodescendentes, destacando a importância da sua presença nas instituições culturais e na sociedade em geral. Os EVC dão apoio à criação a artistas, festivais e instituições de ensino, com especial dedicação no suporte dado a jovens intérpretes e criadores(as) em início de carreira.  

©Guilherme Gouveia

João Freitas Sousa nasceu em 2007, em Fafe, distrito de Braga. Iniciou em 2013 os seus estudos na Academia de Música José Atalaya, em Fafe, na classe de clarinete de José Ricardo Freitas, tendo concluído até à data o 6.º grau. Participou e foi laureado em dezanove concursos de clarinete (nacionais e internacionais), tendo obtido o 1.º prémio em dezasseis deles, dos quais se destacam o Prémio Jovens Músicos 2023, categoria A – solista, clarinete (nível médio) e o Grande Prémio da Música Lions 2024.  

Integra, ainda, a Banda de Música de Cabeceiras, participando, também:  na Orquestra de Clarinetes Jaime Carriço, da Academia de Clarinete Marcos Romão dos Reis Jr.; na orquestra de clarinetes Invicta All Stars; na Orchestra Club, assim como na Orquestra Sinfónica Ensemble como 1.º clarinete. Participou em diversas masterclasses com clarinetistas e pedagogos de referência, tais como António Saiote, Piero Di Vicenti, Nuno Silva, Gabor Varga, Esther Georgie, Nuno Pinto, Cologero Palermo, Arek Adamski, Arno Piters, Josep Fuster, Joan Lluna, Keith Lipson, Florent Héau, Jérôme Voisin, Philippe Cuper, Philippe Berrod, Patrick Messina, Luís Carvalho, David Medina, Mariano Rey, Iva Barbosa, Manuel Jerónimo, Luís Gomes, Esteban Valverde, Jorge Camacho, Giovanni Punzi, Victor Pereira, entre outros.

Vesselina Kasarova nasceu em Stara Zagora (Bulgária) e começou a tocar piano ainda em tenra idade. Após obter o diploma de pianista de concerto, estudou canto com Ressa Koleva na Academia de Música de Sófia. Posteriormente, foi contratada pela Ópera de Zurique, onde rapidamente se impôs como uma das cantoras mais queridas  do público, tendo sido aclamada pela imprensa internacional como uma grande revelação. Nesse mesmo ano, ganhou igualmente o 1º Prémio no concurso de canto alemão “Neue Stimmen” em Gütersloh. Dois anos mais tarde, Vesselina Kasarova estreou-se no Festival de Salzburgo e na Ópera Estatal de Viena. Desde então, tem interpretado um vasto repertório nas principais casas de óperas e de concerto da Europa, dos EUA e do Japão, incluindo a Royal Opera House Covent Garden, o Gran Teatre del Liceu de Barcelona, a Ópera Estatal da Baviera, a Ópera Nacional de Paris, o Teatro alla Scala de Milão, a Lyric Opera de Chicago, a Metropolitan Opera, a Ópera de São Francisco, o Teatro Nacional de São Carlos, o Teatro Real de Madrid, o Maggio Musicale Fiorentino e o Rossini Opera Festival em Pesaro. Gravou numerosos recitais e óperas completas como artista exclusiva da RCA e para outras companhias e foi galardoada com o prémio “Bayerische Kammersängerin” e “Österreichische Kammersängerin”.

A soprano Ana Sofia Ventura concluiu a sua licenciatura na Escola Superior de Música de Lisboa e posteriormente integrou a International Opera Academy em Gante, na Bélgica. 

Estreou, no Teatro Nacional de São Carlos, a ópera O Rouxinol de Sérgio Azevedo, com os papéis de Rouxinol e Rouxinol Mecânico. Estreou recentemente a ópera portuguesa Madrugada: razões de um movimento, co-produção MPMP e Orquestra do Algarve. Dos seus papéis operáticos destacam-se os papéis mozarteanos Königin der Nacht, Susanna e Zerlina. Interpretou também Sra. T em Manifesto NaDa, de A. Sousa Dias, Cathleen em Riders to the Sea, de V. Williams, Belinda em Dido and Aeneas, de H. Purcell, Cephisa em Orpheus, de G. P. Telemann, Civene em Le Cinesi, de C. W. Gluck. 

Participou na estreia moderna de La Ninfa del Tago de A. Scarlatti, no papel de Tirsi, com a OML sob a direção de Enrico Onofri, e participou também na 4ª Sinfonia de Mahler, sob a direção de Miguel Romea. 

No contexto de oratória, interpretou The Messiah de G. F. Händel, Messe in h-Moll de J. S. Bach, Lauda per la Navità del Signore de O. Respighi como Anjo, Wie der Hirsch Schreit de F. Mendelssohn. 

Natural de Roma, licenciou-se em piano, composição, música coral e direção de orquestra na Academia de Santa Cecília. Aperfeiçoou-se com Zoltán Peskó, Vladimir Delman e Rudolf Barshai, tendo alcançado o 3.º prémio no Concurso Arturo Toscanini de Parma. De 1995 a 2001, foi diretor musical no Teatro de Ópera de Ancara, ocupando, de 2001 a 2005, o mesmo cargo na Ópera Estatal de Istambul. Dos compromissos passados e mais recentes, destacam-se: Lucia di Lammermoor em Buenos Aires e Bari; La Gioconda em Santander; Andrea Chénier em Berlim e na Catânia; Macbeth em Lisboa; Aida em Copenhaga e Caracalla; Il trovatore, Anna Bolena e Ernani na Catânia; Tosca em Florença e Bari; Turandot em Copenhaga, Verona e Catânia; Aroldo em Bilbau; Il barbiere di Siviglia em Tóquio, Valência e Verona; Carmen em Copenhaga e Avenches; Faust em Tóquio e Santander; Un ballo in maschera em Salerno e Lisboa; Madama Butterflyem Ancona; Medea no circuito As.Li.Co.; Norma em Trapani e Spalato; Attila em Lecce e Roma; Otello em Lisboa; Manon Lescaut em Torre del Lago; Nabucco em Caracalla e Lisboa; Rigoletto em Tóquio, Falstaff em Xangai; e La forza del destino em Lisboa. É, atualmente, maestro titular da Orquestra Sinfónica Portuguesa. 

© Bruno Simão

Henrique Pimentel tem colaborado em 2024 com o Teatro Nacional de São Carlos em vários projectos. Foi responsável pela reposição de Madama Butterfly, encenada por Jacopo Spirei, e depois assistente do mesmo encenador na sua recente produção de Falstaff. Assina agora a encenação de dois concertos no âmbito do Festival ao Largo 2024. Anteriormente, realizou estágios com os encenadores Vincent Huguet em Così Fan Tutte (Staatsoper de Berlim, 2021) e Christophe Gayral em La Bohème (69º Festival Puccini em Torre del Lago, 2023). 

É licenciado e mestre em Arquitectura pela Universidade de Coimbra, tendo iniciado a sua actividade profissional e multidisciplinar no atelier de Luísa Bebiano. A partir de 2022 dedicou-se exclusivamente a projetos nas áreas da cenografia, direção de arte para cinema e encenação, colaborando com outros nomes importantes como Luis F. Carvalho, Artur Pinheiro, Augusto Mayer e Nuno Carinhas. 

Criada em 1993, a Orquestra Sinfónica Portuguesa (OSP) é um dos corpos artísticos do Teatro Nacional de São Carlos e tem vindo a desenvolver uma atividade sinfónica própria, incluindo uma programação regular de concertos, participações em festivais de música nacionais e internacionais. Colabora regularmente com a Rádio e Televisão de Portugal através da transmissão dos seus concertos e óperas pela Antena 2, designadamente a realização da tetralogia O anel do Nibelungo, transmitida na RTP2, e da participação em iniciativas da própria RTP, como o Prémio Pedro de Freitas Branco para Jovens Chefes de Orquestra, o Prémio Jovens Músicos-RDP e a Tribuna Internacional de Jovens Intérpretes. No âmbito das temporadas líricas e sinfónicas, a OSP tem-se apresentado sob a direção de notáveis maestros, como Rafael Frühbeck de Burgos, Alain Lombard, Nello Santi, Alberto Zedda, Harry Christophers, George Pehlivanian, Michel Plasson, Krzysztof Penderecki, Djansug Kakhidze, Milán Horvat, Jeff rey Tate e Iuri Ahronovitch, entre outros. A discografia da OSP conta com dois CD para a etiqueta Marco Polo, com as Sinfonias n.os 1, 3, 5e 6 de Joly Braga Santos, que gravou sob a direção do seu primeiro maestro titular, Álvaro Cassuto, e Crossing borders (obras de Wagner, Gershwin e Mendelssohn), sob a direção de Julia Jones, numa gravação ao vivo pela Antena 2. Recentemente, em maio de 2022, foi lançado o CD editado pela Naxos com obras de Fernando Lopes-Graça, sob a direção de Bruno Borralhinho. No cargo de maestro titular, seguiram-se José Ramón Encinar (1999-2001), Zoltán Peskó (2001-2004) e Julia Jones (2008-2011); Donato Renzetti desempenhou funções de primeiro maestro convidado entre 2005 e 2007. Joana Carneiro foi maestrina titular de 2014 a 2021. Atualmente, a direção musical está a cargo de Antonio Pirolli, seu maestro titular. 

© David Rodrigues

Criada em 1993, a Orquestra Sinfónica Portuguesa (OSP) é um dos corpos artísticos do Teatro Nacional de São Carlos e tem vindo a desenvolver uma atividade sinfónica própria, incluindo uma programação regular de concertos, participações em festivais de música nacionais e internacionais. Colabora regularmente com a Rádio e Televisão de Portugal através da transmissão dos seus concertos e óperas pela Antena 2, designadamente a realização da tetralogia O anel do Nibelungo, transmitida na RTP2, e da participação em iniciativas da própria RTP, como o Prémio Pedro de Freitas Branco para Jovens Chefes de Orquestra, o Prémio Jovens Músicos-RDP e a Tribuna Internacional de Jovens Intérpretes. No âmbito das temporadas líricas e sinfónicas, a OSP tem-se apresentado sob a direção de notáveis maestros, como Rafael Frühbeck de Burgos, Alain Lombard, Nello Santi, Alberto Zedda, Harry Christophers, George Pehlivanian, Michel Plasson, Krzysztof Penderecki, Djansug Kakhidze, Milán Horvat, Jeff rey Tate e Iuri Ahronovitch, entre outros. A discografia da OSP conta com dois CD para a etiqueta Marco Polo, com as Sinfonias n.os 1, 3, 5e 6 de Joly Braga Santos, que gravou sob a direção do seu primeiro maestro titular, Álvaro Cassuto, e Crossing borders (obras de Wagner, Gershwin e Mendelssohn), sob a direção de Julia Jones, numa gravação ao vivo pela Antena 2. Recentemente, em maio de 2022, foi lançado o CD editado pela Naxos com obras de Fernando Lopes-Graça, sob a direção de Bruno Borralhinho. No cargo de maestro titular, seguiram-se José Ramón Encinar (1999-2001), Zoltán Peskó (2001-2004) e Julia Jones (2008-2011); Donato Renzetti desempenhou funções de primeiro maestro convidado entre 2005 e 2007. Joana Carneiro foi maestrina titular de 2014 a 2021. Atualmente, a direção musical está a cargo de Antonio Pirolli, seu maestro titular. 

© David Rodrigues

É, desde janeiro de 2021, maestro titular do Coro do Teatro Nacional de São Carlos. Estudou trombone, composição, música coral e direção coral no Conservatório de Música Giuseppe Verdi, em Milão. De 2016 a janeiro de 2021, foi maestro do Coro da Devlet Opera Ve Balesi de Ancara e, de 2018 a janeiro de 2021, desempenhou as funções de orientador vocal do Coro da Rádio e Televisão da Turquia. Simultaneamente à sua carreira como barítono solista, prosseguiu a atividade como maestro de coro, a partir de 1993, quando criou o Schola Cantorum «Cantate Domino» de Carbonate (Itália). Em 1996, fundou o Coro «Euphonia», em Carbonate, do qual foi diretor artístico e orientador vocal. O Coro «Euphonia» foi levado à descoberta do mundo da ópera, tendo interpretado, ao longo dos anos, os mais importantes títulos do repertório melodramático. De janeiro de 2002 a 2016, dirigiu o Coro Lirico dell’Associazione Musicale Calauce de Calolziocorte (Itália). De 2006 a 2016, dirigiu o coro lírico «Corale Arnatese» e, de setembro de 2012 a 2015, foi o maestro do Coro Operístico de Mendrisio (Suíça). Em 2015, fundou o Coro Sinfónico Ticino. Durante vários anos, lecionou técnica, pedagogia e didatismo de canto para maestros de coro, em cursos organizados pela Unione Società Corali Italiane, da qual foi membro do Comité Artístico. Como freelancer, é regularmente convidado, por ensembles e coros, a orientar masterclasses e cursos de canto, tanto em Itália como no resto do mundo. 

© Bruno Frango

É, desde janeiro de 2021, maestro titular do Coro do Teatro Nacional de São Carlos. Estudou trombone, composição, música coral e direção coral no Conservatório de Música Giuseppe Verdi, em Milão. De 2016 a janeiro de 2021, foi maestro do Coro da Devlet Opera Ve Balesi de Ancara e, de 2018 a janeiro de 2021, desempenhou as funções de orientador vocal do Coro da Rádio e Televisão da Turquia. Simultaneamente à sua carreira como barítono solista, prosseguiu a atividade como maestro de coro, a partir de 1993, quando criou o Schola Cantorum «Cantate Domino» de Carbonate (Itália). Em 1996, fundou o Coro «Euphonia», em Carbonate, do qual foi diretor artístico e orientador vocal. O Coro «Euphonia» foi levado à descoberta do mundo da ópera, tendo interpretado, ao longo dos anos, os mais importantes títulos do repertório melodramático. De janeiro de 2002 a 2016, dirigiu o Coro Lirico dell’Associazione Musicale Calauce de Calolziocorte (Itália). De 2006 a 2016, dirigiu o coro lírico «Corale Arnatese» e, de setembro de 2012 a 2015, foi o maestro do Coro Operístico de Mendrisio (Suíça). Em 2015, fundou o Coro Sinfónico Ticino. Durante vários anos, lecionou técnica, pedagogia e didatismo de canto para maestros de coro, em cursos organizados pela Unione Società Corali Italiane, da qual foi membro do Comité Artístico. Como freelancer, é regularmente convidado, por ensembles e coros, a orientar masterclasses e cursos de canto, tanto em Itália como no resto do mundo. 

© Bruno Frango

O Coro do Teatro Nacional de São Carlos, criado em 1943 sob a titularidade de Mario Pellegrini, tem atuado sob a direção de importantes maestros (Pedro de Freitas Branco, Votto, Serafin, Gui, Giulini, Klemperer, Zedda, Solti, Santi, Rescigno, Navarro, Rennert, Burgos, Conlon, Christophers, Plasson e Minkowski, entre outros) e colaborado com marcantes encenadores (Pountney, Carsen, Vick). Entre 1962 e 1975, o Coro colaborou nas temporadas da Companhia Portuguesa de Ópera (Teatro da Trindade), tendo-se deslocado com a mesma à Madeira, aos Açores, a Angola e a Oviedo. O conjunto tem regularmente abordado o repertório de compositores nacionais (Alfredo Keil, Augusto Machado) e tem participado em estreias mundiais de óperas de Fernando Lopes-Graça, António Victorino d’Almeida, António Chagas Rosa, Nuno Côrte-Real. Em 1980, formou-se um primeiro núcleo coral a tempo inteiro e, três anos depois, assumiu-se a profissionalização plena, sob a direção de Antonio Brainovitch. A partir de 1985, a afirmação artística do conjunto foi creditada a Gianni Beltrami e o titular seguinte foi João Paulo Santos. Sob a responsabilidade destes dois maestros, o Coro registou marcantes êxitos internacionais: Grande messe des morts de Berlioz (1989–Turim); Requiem de Verdi (1991–Bruxelas); Concerto Henze/Corghi (1997–Festival de Granada). Giovanni Andreoli assumiu o cargo em 2004. Sob a sua direção, o Coro averbou êxitos num vasto e variado repertório. Em 2005, o Coro foi convidado pela Ópera de Génova para participar em récitas da ópera Billy Budd de Britten, convite que se repetiu em 2015. Giampaolo Vessella é o maestro titular desde janeiro de 2021.   

O Coro do Teatro Nacional de São Carlos, criado em 1943 sob a titularidade de Mario Pellegrini, tem atuado sob a direção de importantes maestros (Pedro de Freitas Branco, Votto, Serafin, Gui, Giulini, Klemperer, Zedda, Solti, Santi, Rescigno, Navarro, Rennert, Burgos, Conlon, Christophers, Plasson e Minkowski, entre outros) e colaborado com marcantes encenadores (Pountney, Carsen, Vick). Entre 1962 e 1975, o Coro colaborou nas temporadas da Companhia Portuguesa de Ópera (Teatro da Trindade), tendo-se deslocado com a mesma à Madeira, aos Açores, a Angola e a Oviedo. O conjunto tem regularmente abordado o repertório de compositores nacionais (Alfredo Keil, Augusto Machado) e tem participado em estreias mundiais de óperas de Fernando Lopes-Graça, António Victorino d’Almeida, António Chagas Rosa, Nuno Côrte-Real. Em 1980, formou-se um primeiro núcleo coral a tempo inteiro e, três anos depois, assumiu-se a profissionalização plena, sob a direção de Antonio Brainovitch. A partir de 1985, a afirmação artística do conjunto foi creditada a Gianni Beltrami e o titular seguinte foi João Paulo Santos. Sob a responsabilidade destes dois maestros, o Coro registou marcantes êxitos internacionais: Grande messe des morts de Berlioz (1989–Turim); Requiem de Verdi (1991–Bruxelas); Concerto Henze/Corghi (1997–Festival de Granada). Giovanni Andreoli assumiu o cargo em 2004. Sob a sua direção, o Coro averbou êxitos num vasto e variado repertório. Em 2005, o Coro foi convidado pela Ópera de Génova para participar em récitas da ópera Billy Budd de Britten, convite que se repetiu em 2015. Giampaolo Vessella é o maestro titular desde janeiro de 2021.   

Bin Chao nasceu no seio de uma família de músicos e começou a tocar violino aos seis anos de idade. Estudou no Conservatório Central de Música de Pequim, onde se diplomou com distinção, e concluiu um Mestrado em Música no Mannes College of Music de Nova Iorque, onde estudou com o violinista David Nadien.

O violinista e crítico musical Henry Roth elogiou a musicalidade e a técnica sólida de Bin Chao no seu livro Grandes Violinistas, livro este que faz uma análise sobre os 100 maiores violinistas do século XX, de acordo com a perspetiva do seu autor.

Em 1984 foi 2.º classificado no Concurso Nacional de Violino da China. Como solista, recitalista e músico de câmara, atuou por toda a Europa e na América do Norte. Mudou-se para Lisboa em 1991, tendo participado nos principais festivais de música em Portugal e ainda no Festival de Aspen e no Festival Schumann de Nova Iorque.

Em 2001 foi solista convidado no prestigiado Annual English Handbell Festival, em Nova Iorque. Entre 1999 e 2001, ensinou violino em Nova Iorque, integrado na iniciativa da Fundação Midori de levar a música às escolas públicas. Foi professor na Universidade de Évora e desde 2007 ensina violino, viola e música de câmara no Instituto Piaget. Desde 2010, colabora com o Conservatório de Música da Universidade de Lawrence, em Appleton, Wisconsin, nos Estados Unidos da América. Bin Chao toca num violino Carlo Giuseppe Testore de 1715, tendo também instrumentos dos luthiers Antonio Capela e Judith Bauer, entre outros. Desde 2014, é professor de violino na Escola Superior de Música de Lisboa.

Natural de Roma, licenciou-se em piano, composição, música coral e direção de orquestra na Academia de Santa Cecília. Aperfeiçoou-se com Zoltán Peskó, Vladimir Delman e Rudolf Barshai, tendo alcançado o 3.º prémio no Concurso Arturo Toscanini de Parma. De 1995 a 2001, foi diretor musical no Teatro de Ópera de Ancara, ocupando, de 2001 a 2005, o mesmo cargo na Ópera Estatal de Istambul. Dos compromissos passados e mais recentes, destacam-se: Lucia di Lammermoor em Buenos Aires e Bari; La Gioconda em Santander; Andrea Chénier em Berlim e na Catânia; Macbeth em Lisboa; Aida em Copenhaga e Caracalla; Il trovatore, Anna Bolena e Ernani na Catânia; Tosca em Florença e Bari; Turandot em Copenhaga, Verona e Catânia; Aroldo em Bilbau; Il barbiere di Siviglia em Tóquio, Valência e Verona; Carmen em Copenhaga e Avenches; Faust em Tóquio e Santander; Un ballo in maschera em Salerno e Lisboa; Madama Butterflyem Ancona; Medea no circuito As.Li.Co.; Norma em Trapani e Spalato; Attila em Lecce e Roma; Otello em Lisboa; Manon Lescaut em Torre del Lago; Nabucco em Caracalla e Lisboa; Rigoletto em Tóquio, Falstaff em Xangai; e La forza del destino em Lisboa. É, atualmente, maestro titular da Orquestra Sinfónica Portuguesa. 

© Bruno Simão

Diogo Costa é, atualmente, um dos jovens maestros mais ativos do país. Entre os seus projetos recentes e futuros incluem-se os convites para a Orquestra Gulbenkian, a Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música, a Orquestra Metropolitana de Lisboa, bem como para várias orquestras regionais do país. Em Inglaterra, dirigiu a Hallé Orchestra e a Filarmónica da BBC, em Manchester, a Orquestra Nacional de Gales da BBC, e a West European Studio Orchestra, com a qual tem vindo a gravar em diversos estúdios, entre eles o lendário Abbey Road, em Londres.  

Nutrindo um interesse especial pela ópera, trabalhou como maestro assistente de Lorenzo Viotti na produção da ópera Roméo et Juliette de Gounod, com a Orquestra e Coro Gulbenkian, e também enquanto maestro assistente de David Azagra na produção da ópera L’elisir d’amore de Donizetti, em Espanha. Em 2021, estreou-se enquanto maestro principal na produção da ópera The Medium de Menotti, no Operafest Lisboa, que recebeu as melhores críticas internacionais.   

Presença constante em diversos concursos internacionais, foi recentemente laureado no Prémio Jovens Músicos em direção de orquestra. Em 2020, foi finalista no Mackerras Fellowship da Ópera Nacional de Inglaterra e semi-finalista na Siemens Hallé International Conducting Competition.   

Jermaine Maurice Spivey é um coreógrafo norte-americano em clara ascensão, que, a par de uma brilhante carreira enquanto intérprete, convoca ativamente a ideia de uma prática colaborativa nos seus processos de criação. De 2002 a 2017, viveu e trabalhou predominantemente na Europa, tendo sido membro do Ballet Gulbenkian e do Cullberg Ballet. Trabalhou como artista convidado para a Hofesh Shechter Company, Robyn Live 2016, The LID, Arias Company e The Forsythe Company de 2013 a 2015, entre outras colaborações. É membro da companhia Kidd Pivot desde 2008. Como coreógrafo, já lhe foram comissionados trabalhos pela companhia Salt Contemporary Dance (EUA), Rambert 2 (RU), LA Dance Project (EUA), The Broad Museum (EUA), Christina Aguilera Live at The Hollywood Bowl com Gustavo Dudamel e a LA Phil, e, mais recentemente, Hubbard Street Dance Chicago (EUA), NDT 2 (Países Baixos) e Ballet Flanders (Bélgica). Em colaboração com o seu companheiro e parceiro artístico Spenser Theberge, Spivey criou as obras Rather This Then e Position 3. Spivey orienta ainda práticas de dança por toda a América do Norte e Europa. 

© Jermaine Spivey

Alexandre Andrade, Gonçalo Brandão, Manuel Dias e Pedro Simões, naturais dos distritos de Aveiro, Viseu e Porto, formam o Ketuk Quartet. O projeto surgiu a partir do trabalho realizado no grupo de percussão da Escola Profissional de Música de Espinho com o objetivo de concorrer ao Prémios Jovens Músicos, objetivo que foi realizado com a obtenção do primeiro prémio no PJM 2023 na categoria de música de câmara - nível médio. Destaca-se ainda a atuação no grande auditório da Fundação Calouste Gulbenkian no âmbito do Festival Jovens Músicos. Atualmente, o quarteto procura contribuir para a relevância da percussão na música de câmara.

Compositor e maestro, Pedro Amaral (Lisboa, 1972) é um dos músicos mais ativos da sua geração. Iniciou os seus estudos com Fernando Lopes-Graça, em 1986. Graduou-se na Escola Superior de Música de Lisboa (1994) e no Conservatório de Paris (CNSM), onde obteve o Primeiro Prémio em Composição por unanimidade do júri (1998). Estudou direção de orquestra com Emilio Pomàrico e com Peter Eötvös, de quem foi assistente.

Prosseguiu estudos universitários na École des Hautes Études en Sciences Sociales, obtendo um Mestrado em Musicologia Contemporânea (1998) e um Doutoramento (2003) com uma tese sobre Momente, de K. Stockhausen.

Trabalhou no IRCAM, em Paris, como compositeur en recherche, compondo e estreando diversas obras para meios instrumentais e eletrónica em tempo real, tornando-se presença assídua em muitos dos mais importantes festivais internacionais. Em 2006 gravou o seu primeiro disco monográfico, com a London Sinfonietta, sob a sua direção. As suas óperas O Sonho e Beaumarchais foram estreadas em Londres (2010) e Lisboa (Teatro Nacional Dona Maria II, 2017), respetivamente.

Foi compositor residente na Herrenhaus Edenkoben (Alemanha, 2001), na Villa Medici (antigo Prix de Rome, 2004/05) e no Palácio Lenzi (Florença, 2006). Professor da Universidade de Évora desde 2007, é membro da Academia de Belas Artes desde 2017.

Em cada temporada, Pedro Amaral dirige numerosos concertos em Portugal e no estrangeiro, com um repertório que se estende do Classicismo vienense à contemporaneidade, empenhando-se em projetos de amplo significado como o que dirigiu em Milão, no Teatro alla Scala, com a Orquestra Sinfónica Nacional da RAI de Turim e o violinista Vadim Repin, em maio de 2022, 11 semanas após a invasão da Ucrânia, com um apelo à Paz em tempos de guerra.

Com uma ampla experiência na programação de concertos, temporadas e festivais, desempenhou as funções de Maestro Titular da Orquestra do Conservatório Nacional (2007/08), do Sond’Arte Electric Ensemble (2007/10) e da Orquestra Metropolitana de Lisboa, funções que acumulou com as de Diretor Artístico (2013/20).

Iniciou os seus estudos de ballet em 1961 no Grupo Verde Gaio e, em 1968 ingressou no Ballet Gulbenkian. Em 1975 formou-se em Dança Moderna na Escola de Dança Contemporânea de Martha Graham, em Nova Iorque. Durante mais de duas décadas desempenhou funções de coreógrafo residente no Ballet Gulbenkian, onde criou dezenas de obras que marcaram o estilo da companhia. Além disso, foi regularmente convidado a coreografar em diversas companhias estrangeiras, nomeado professor de Dança Moderna na Escola de Dança do Conservatório Nacional e professor coordenador na Escola Superior de Dança. Também atuou como diretor artístico do Festival de Sintra na área da dança e do Teatro Camões, além de ser diretor artístico da CNB. 

Em 1997 fundou, juntamente com Graça Barroso, a Companhia Portuguesa de Bailado Contemporâneo (CPBC), que estreou em abril de 1998, no Brasil. Recebeu várias distinções ao longo da sua carreira, sendo condecorado como Comendador da Ordem do Infante D. Henrique pelo então Presidente da República, Dr. Mário Soares, em 10 de junho de 1994. 

Atualmente, ocupa o cargo de Presidente da Direção e coreógrafo principal na CPBC. Em 2021 confiou a direção artística a Cláudia Sampaio, uma das bailarinas fundadoras da companhia. 

Em janeiro de 2024 foi agraciado com a Medalha de Mérito Cultural da Câmara Municipal de Lisboa. 

© Kinema

«Uma notável artista, uma cantora inata (...) com uma voz bonita e redonda, uma presença excecional em palco, com uma messa di voiceque após a Caballé é muito difícil de encontrar» (diretor do Festival Oper im Berg). Estreou-se em Salzburgo (Festival Oper im Berg) com o papel titular em Lucia di Lammermoor, em prestação muito aclamada pela crítica e pelo público.

Interpretou os papéis Musetta no TNSC onde recebeu os melhores elogios da critica pública - «The highlight was Bárbara Barradas as Musetta. A scene-stealing actress, she really brought out the heartfelt generosity of her character and has this wonderfully poised, silvery soprano with an easy top» - by OperaTraveller. Na sua carreira, já interpretou Lucia, Gilda, Corinna, Valencienne, Le Feu e Le Rossignol, Susanna, Barbarina, La Fèe, Frasquita, Donna Anna, Zerlina, Königin der Nacht, Ines di Castro, entre outros. Estreou no Teatro da Trindade, o papel de Bruna da ópera Canção do Bandido de Nuno Côrte-Real, com encenação de Ricardo Neves-Neves. Na Culturgest, também em estreia absoluta, foi a solista de Tremor de Nuno Côrte-Real, obra que gravou em Berlim. Canta regularmente com as mais prestigiadas orquestras nacionais e internacionais. Foi bolseira da Fundação Gulbenkian, formou-se em Londres com distinção (BMus e MMus) na Guildhall School of Music and Drama. Fez também pós-graduações na International Opera Academy e na WIAV. Ganhou vários prémios e bolsas de estudo em inúmeras competições nacionais e internacionais.

É fundadora e mentora do «Empodera-te na Voz» e da marca «EmpoderARTE», é também co-fundadora da ArtAllurement.

Dedicado à performance do batuku, as Batucadeiras das Olaias surgem com o objetivo de partilhar, divulgar, reivindicar e exaltar a história, a memória e a cultura cabo-verdiana. A celebração é uma representação central da cultura de Cabo Verde e das comunidades cabo-verdianas na diáspora. Não se prendem apenas à música, ritmo e arte, mas sobretudo ao sentido de amizade, familiaridade, vizinhança e sociabilidade.  
A partir das próprias músicas autorais, o grupo partilha as suas memórias, conhecimentos e histórias de vida, gerando uma evasão da vida quotidiana e uma marcação identitária no contexto migratório. Além disso, promovem o fortalecimento dos laços comunitários e a preservação das tradições culturais. As performances das Batucadeiras das Olaias são momentos de união e celebração, onde a música e a dança se tornam uma linguagem comum que transcende fronteiras. Elas representam não apenas um resgate cultural, mas também uma forma de resistência e afirmação da identidade cabo-verdiana no mundo.  

Estudou na Guildhall School of Music and Drama, em Londres, onde obteve a licenciatura em canto e mestrado (curso de ópera) como bolseira da

Fundação Calouste Gulbenkian. O seu repertório de ópera inclui, entre outros: Preziosilla em La forza del destino; Dorabella em Così fan tutte; Jocasta

em Oedipus rex; Ježibaba em Rusalka; Suzuki em Madama Butterfly; Maddalena em Rigoletto; Eboli em Don Carlo; Madame de Croissy em Dialogues

des carmélites; papel titular em Carmen; Santuzza em Cavalleria rusticana; Condessa di Coigny e Madelon em Andrea Chénier; Siebel em Faust e Azucena em Il trovatore. Em concerto, interpretou como solista: Messa da Requiem de Verdi; Requiem

de Mozart; Stabat Mater de Pergolesi; Oratória de Natal e Oratória de Páscoa e Paixão segundo São João de J. S. Bach; Petite messe solennelle de Rossini; Elijah

de Mendelssohn; Messiah de Händel; L’enfance du Christ de Berlioz; e 9.ª Sinfonia de Beethoven.

João Sanchez, 26 anos, nascido em Lisboa, maturado em Arruda dos Vinhos. Licenciado em Cinema pela Escola Superior de Teatro e Cinema, Freelancer na área audiovisual. Aos 17 anos estreia o seu primeiro filme, Pecado, na Cinemateca Portuguesa. Aos 18 cria o Colectivo Pagárrenda e estreia Nós os Arroianos, a sua primeira longa-metragem, na mesma sala. Desde então, realiza A maneira certa de encontrar casa, filme mais visto e artigo mais lido do Público em 2018. Realiza, edita e desenvolve vários projetos em colaboração com grandes empresas, músicos e ativações de marca. Em 2021 integra o júri do Festival de Cinema de Avanca e  cria a marca de roupa Bon Vivant. Em 2021 cria e interpreta juntamente com Maria Abrantes a performance Uma Água Por Favor e em 2023 o vídeo-dança Finimondo juntamente com Sofia Kafol.  

Ohad Naharin é coreógrafo residente da Batsheva Dance Company, coreógrafo convidado de inúmeras companhias e criador da linguagem de movimento Gaga. 

Nascido em 1952 em Mizra, Israel, entrou para a Batsheva Dance Company em 1974, apesar de ter pouca formação. Durante o seu primeiro ano, a coreógrafa convidada Martha Graham desafiou-o a juntar-se à sua própria companhia em Nova Iorque, onde Naharin fez a sua estreia coreográfica no estúdio de Kazuko Hirabayshi em 1980. Durante a década seguinte, apresentou trabalhos em Nova Iorque e no estrangeiro, incluindo peças para a Batsheva Dance Company, a Kibbutz Contemporary Dance Company e o Nederlands Dans Theater. Naharin trabalhou em estreita colaboração com a sua primeira mulher, Mari Kajiwara, até esta falecer de cancro em 2001. 

Em 1990 Naharin foi nomeado Diretor Artístico da Batsheva Dance Company e, no mesmo ano, criou a divisão júnior da companhia, Batsheva - the Young Ensemble. Desde então, criou mais de trinta obras para ambas as companhias e peças de cenário para muitas outras. Colaborou também com músicos como The Trator’s Revenge, Avi Balleli e Dan Makov, Ivri Lider e Grischa Lichtenberger. 

Sob o pseudónimo Maxim Waratt, compôs, editou e misturou muitas das suas próprias bandas sonoras. O trabalho de Naharin foi apresentado em vários filmes, incluindo Out of Focus (2007) de Tomer Heymann e Mr. Gaga (2015) dos irmãos Heymann. 

Para além do seu trabalho em palco, Naharin também desenvolveu Gaga, a inovadora pesquisa de movimentos e o treino diário dos bailarinos de Batsheva, que se espalhou internacionalmente entre bailarinos e não bailarinos. 

Cidadão de Israel e dos Estados Unidos, Naharin vive atualmente em Israel com a sua mulher, a bailarina e figurinista Eri Nakamura, e a sua filha, Noga. 

©Ilya Melnikov

Em 1962 a Fundação Calouste Gulbenkian decidiu estabelecer um agrupamento orquestral permanente. No início constituído apenas por doze elementos, foi originalmente designado por Orquestra de Câmara Gulbenkian. Ao longo de sessenta anos de atividade, a Orquestra Gulbenkian (denominação adotada desde 1971) foi sendo progressivamente alargada, contando hoje com um efetivo de cerca de sessenta instrumentistas que pode ser pontualmente expandido de acordo com as exigências de cada programa de concerto.  

Esta constituição permite à Orquestra Gulbenkian interpretar um amplo repertório que se estende do Barroco até à música contemporânea. Obras pertencentes ao repertório corrente das grandes formações sinfónicas tradicionais, nomeadamente a produção orquestral de Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Mendelssohn ou Schumann, podem ser dadas pela Orquestra Gulbenkian em versões mais próximas dos efetivos orquestrais para que foram originalmente concebidas, no que respeita ao equilíbrio da respetiva arquitetura sonora. 

Em cada temporada, a Orquestra Gulbenkian realiza uma série regular de concertos no Grande Auditório Gulbenkian, em Lisboa, em cujo âmbito tem tido ocasião de colaborar com alguns dos maiores nomes do mundo da música, nomeadamente maestros e solistas. Atua também com regularidade noutros palcos em diversas localidades do país, cumprindo desta forma uma significativa função descentralizadora. No plano internacional, por sua vez, a Orquestra Gulbenkian foi ampliando gradualmente a sua atividade, tendo até agora efetuado digressões na Europa, na Ásia, em África e nas Américas. 

No plano discográfico, o nome da Orquestra Gulbenkian encontra-se associado às editoras Philips, Deutsche Grammophon, Hyperion, Teldec, Erato, Adès, Nimbus, Lyrinx, Naïve e Pentatone, entre outras, tendo esta sua atividade sido distinguida, desde muito cedo, com diversos prémios internacionais de grande prestígio. A partir de setembro de 2023, O finlandês Hannu Lintu é o Maestro Titular da Orquestra Gulbenkian, sucedendo a Lorenzo Viotti. 

© FCGulbenkian

Akram Khan é um artista essencial e mundialmente reconhecido no campo da dança na atualidade. Ao longo dos últimos 23 anos, as suas obras têm contribuído significativamente para as artes no Reino Unido e no estrangeiro. Tem colaborado com artistas de outras culturas e disciplinas, tais como o Ballet Nacional da China, Juliette Binoche, Sylvie Guillem, Kylie Minogue, Florence + The Machine, Anish Kapoor, Antony Gormley, Tim Yip, Hanif Kureishi, Steve Reich, Nitin Sawhney, Jocelyn Pook ou Ben Frost. A obra de Khan é considerada profundamente comovente, chegando mesmo a poder ser lida como ritual, dada a influência que a dança clássica Kathak tem nela. Ao transportar elementos desta dança para as suas criações, Khan contribui para uma redefinição da nossa ideia do que é dançar. Ao longo da sua carreira, tem sido galardoado com inúmeras distinções.  

© Camilla Greenwell

Nascido em Tarouquela, Carlos Cardoso estudou na escola da Beira Interior com o maestro Ferreira. Foi o vencedor do 1º Prémio no Concurso Luísa Todi, do 3º Prémio no Concurso Magda Olivero, e do 1º Prémio no Concurso do Rotary Club, em Lisboa. Foi membro do Estúdio de Ópera do Teatro S. Carlos em Lisboa e da “Accademia del Teatro alla Scala” em Milão, no âmbito da qual participou de concertos e produções de ópera. Entre outras estreias, contam-se apresentações na Ópera Nacional Holandesa de Amesterdão, Teatro Verdi di Busseto para o Festival Parma Verdi, Teatro São Carlos em Lisboa, Stadttheater Klagenfurt, Ópera Vilnius e a Fundação Calouste Gulbenkian. Entre 2017 e 2023 foi membro do ensemble do Aalto Theater Essen. Como convidado, atuou também nas Óperas de Magdeburgo, Wiesbaden, Koblenz, Dortmund, Gelsenkirchen, Gärtnerplatz München, Ópera Nacional de Praga e Tirana, em Parma e Trieste, e no Musikverein de Viena. O seu repertório inclui, entre outros, os papéis de Duca/Rigoletto, Alfredo/La Traviata, Rodolfo/Luisa Miller, Renato/Un ballo in Maschera, Gabriele Adorno/Simone Boccanegra, Ismaele/Nabucco, Edgardo/Lucia di Lammermoor, Pollione/Norma, Rodolfo/La Bohème, Pinkerton/Madama Butterfly, Narraboth/Salomé. Em concerto, apresentou-se na Glagolitische Messe de Janacek, na Messa di Gloria de Puccini, na Petite Messe Solennelle e no Stabat Mater de Rossini, e ainda no Requiem de Dvorak. 

A CNB é o organismo de produção artística que tem como missão assegurar a prestação de um serviço público no domínio da dança, no âmbito de um projeto cultural centrado na promoção do acesso dos cidadãos à fruição desta atividade artística e no reforço dos padrões de qualidade da criação e produção profissionais da dança em Portugal e no estrangeiro. Ao longo de mais de quatro décadas de existência tem apresentado obras de referência do reportório internacional, quer as incontornáveis do dito clássico, quer as de coreógrafos como George Balanchine, Kurt Jooss, José Limón, Anne Teresa De Keersmaeker, William Forsythe, Hans van Manen, Jiří Kylián, Akram Khan, Sasha Waltz, Sidi Larbi Cherkaoui, Alexander Ekman, entre outros. Paralelamente tem apostado em encomendas geradoras de uma identidade própria, com especial destaque nos convites a autores portugueses Armando Jorge, Olga Roriz, Rui Lopes Graça, Vasco Wellenkam, Rui Horta, Fernando Duarte, Tiago Rodrigues, Victor Hugo Pontes, Tânia Carvalho, Clara Andermatt, Sónia Baptista, Filipe Portugal e Marco da Silva Ferreira, entre outros. 

A interligação com distintas áreas da criação artística tem sido, também, uma preocupação de muitas dessas encomendas envolvendo importantes nomes da música, teatro, cinema ou artes plásticas e aproveitando a versatilidade de um elenco, atualmente dirigido artisticamente por Carlos Prado. 

Leonel Pinheiro é licenciado pela Universidade de Aveiro e pós-graduado pela Royal Scottish Academy of Music & Drama, Opera School (Mestrado), Guildhall School of Music & Drama. Trabalha regularmente com o Wexford Festival Opera, cantou Kozak Maria/Showman A Village Romeo and Juliet, Achille di Rosalba/Felice Il cappello di paglia di Firenze. Destacam-se dos papéis interpretados: Don Jose/ Carmen (Mid Wales Opera) encenação Sir Jonathan Miller, Macduff /Macbeth (Scottish Opera), Alfredo La traviata (Bermuda Festival, European Chamber Opera, Bangkok Grand Opera) com récitas na Tailândia, Bermudas, Índia, Paquistão, Coreia do Sul e Bahrain. Luigi/Il tabarro, Samson/Samson et Dalila (Grimeborn Opera Festival), Cavaradossi /Tosca (Musique Cordiale Festival, Wimbledon International Music Festival). Turiddu/Cavalleria rusticana (Coliseu Micaelense).  

Em concerto/oratória, destaca-se a estreia no Royal Festival Hall em Requiem de Mozart com a English Chamber Orchestra/Philharmonia Chorus e Das Lied von Der Erde de Mahler com a Orquestra Metropolitana de Lisboa, no Centro Cultural de Belém.   

© Viúva

O vasto repertório do barítono espanhol inclui mais de 50 papéis em alguns dos mais importantes palcos do mundo. 

Como cantor verdiano, destacam-se as suas interpretações de Conte di Luna, Giorgio Germont, Paolo, Jago, Nabucco, Macbeth, Attila, Rigoletto, Amonasro, Falstaff e Ford. O seu repertório verista inclui Sharpless, Scarpia, Marcello, Guglielmo em Le villi, Lescaut, Michele ou Alfio e Tonio, papéis que interpretou em alguns dos mais conceituados palcos e cidades internacionais, como Théâtre des Champs-Elysées, Metropolitan Opera, Berlin Staatsoper, Teatro Real de Madrid, Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Concertgebow Amsterdam, Hamburg, Lausanne, Maggio Musical Fiorentino, Teatro La Maestranza, Palau de les Arts, Ópera de Tenerife, Teatro Bellini (Palermo), Helsínquia, Ópera de Las Palmas de Gran Canaria, Arena di Verona, Deutsche Oper Berlin, Teatro Nacional de São Carlos, Tetaro di San Carlo de Nápoles, Opéra de Nice, Chorégie d’Orange, Toulouse e Palma de Maiorca. 

No âmbito do bel canto, já se apresentou em importantes papéis de barítono como Don Pasquale.  O seu repertório francês abrange o seu notável Escamillo, além de Albert, Mercutio, Athanael e Grand Prête. É também um ilustre interpréte de Zarzuela. 

A sua discografia inclui Pagliacci, Il viaggio a Reims, Katiuska e La vida breve de Falla, para a etiqueta Deutsche Grammophon. 

Primeira harpista a ganhar o prémio nacional Jovem Músico do Ano, a «virtuosa harpista» (Prémio Jovens Músicos) Beatriz Cortesão tem vindo a cativar público a nível global com a sua «energia contagiosa» complementada por uma «técnica impressionante» (Harp Column). Entre os prémios internacionais conquistados, destaca-se o Prémio Mário Falcão no 21.º Concurso Internacional de Harpa, em Israel.

Enquanto solista, apresentou-se com a Orquestra Sinfónica de Jerusalém, Orquestra Gulbenkian, Real Filarmonia da Galiza e com a Orquestra Clássica do Centro. Estreou a obra  Hybris para harpa solo e orquestra de Alejandro Civilotti no Noia Harp Fest (2023), e tem vindo a apresentar-se como solista em Israel, Itália, Portugal, Rússia, Eslovénia, Espanha e Suiça. É primeira harpa da Accademia Teatro Alla Scala, em Milão, e foi harpista da Orquestra de Jovens da União Europeia (2020). Colabora regularmente com o Ensemble D’Arcos, e é cofundadora do duo AnimArpa, com Carolina Coimbra. Beatriz Cortesão estudou harpa desde jovem com Eleonor Picas, Beatrix Schmidt, Rita Campos e Erica Versace. A academia HarpMasters desempenhou um papel vital no desenvolvimento das suas capacidades pessoais e artísticas, desde 2012. Detém a licenciatura e o mestrado em performance da música, com a mais alta distinção, da Civica Scuola di Musica Claudio Abbado, na classe de Irina Zingg. 

© Lorenzo Gorini

Os Estúdios Victor Córdon são uma plataforma criativa pertencente ao OPART, cuja missão é o apoio à comunidade artística independente. A sua programação pretende dar voz às necessidades de criadores(as) e intérpretes, nomeadamente no registo e transmissão dos seus discursos, pensamento em torno da criação artística e impacto na realidade social. Promovendo diferentes visões, os Estúdios olham as rotas da língua portuguesa como lugares de encontro, e refletem sobre o papel da criação artística no processo de aproximação de culturas, através do diálogo com as comunidades migrantes residentes em Portugal, em especial com as comunidades afrodescendentes, destacando a importância da sua presença nas instituições culturais e na sociedade em geral. Os EVC dão apoio à criação a artistas, festivais e instituições de ensino, com especial dedicação no suporte dado a jovens intérpretes e criadores(as) em início de carreira.  

©Guilherme Gouveia

João Freitas Sousa nasceu em 2007, em Fafe, distrito de Braga. Iniciou em 2013 os seus estudos na Academia de Música José Atalaya, em Fafe, na classe de clarinete de José Ricardo Freitas, tendo concluído até à data o 6.º grau. Participou e foi laureado em dezanove concursos de clarinete (nacionais e internacionais), tendo obtido o 1.º prémio em dezasseis deles, dos quais se destacam o Prémio Jovens Músicos 2023, categoria A – solista, clarinete (nível médio) e o Grande Prémio da Música Lions 2024.  

Integra, ainda, a Banda de Música de Cabeceiras, participando, também:  na Orquestra de Clarinetes Jaime Carriço, da Academia de Clarinete Marcos Romão dos Reis Jr.; na orquestra de clarinetes Invicta All Stars; na Orchestra Club, assim como na Orquestra Sinfónica Ensemble como 1.º clarinete. Participou em diversas masterclasses com clarinetistas e pedagogos de referência, tais como António Saiote, Piero Di Vicenti, Nuno Silva, Gabor Varga, Esther Georgie, Nuno Pinto, Cologero Palermo, Arek Adamski, Arno Piters, Josep Fuster, Joan Lluna, Keith Lipson, Florent Héau, Jérôme Voisin, Philippe Cuper, Philippe Berrod, Patrick Messina, Luís Carvalho, David Medina, Mariano Rey, Iva Barbosa, Manuel Jerónimo, Luís Gomes, Esteban Valverde, Jorge Camacho, Giovanni Punzi, Victor Pereira, entre outros.

Vesselina Kasarova nasceu em Stara Zagora (Bulgária) e começou a tocar piano ainda em tenra idade. Após obter o diploma de pianista de concerto, estudou canto com Ressa Koleva na Academia de Música de Sófia. Posteriormente, foi contratada pela Ópera de Zurique, onde rapidamente se impôs como uma das cantoras mais queridas  do público, tendo sido aclamada pela imprensa internacional como uma grande revelação. Nesse mesmo ano, ganhou igualmente o 1º Prémio no concurso de canto alemão “Neue Stimmen” em Gütersloh. Dois anos mais tarde, Vesselina Kasarova estreou-se no Festival de Salzburgo e na Ópera Estatal de Viena. Desde então, tem interpretado um vasto repertório nas principais casas de óperas e de concerto da Europa, dos EUA e do Japão, incluindo a Royal Opera House Covent Garden, o Gran Teatre del Liceu de Barcelona, a Ópera Estatal da Baviera, a Ópera Nacional de Paris, o Teatro alla Scala de Milão, a Lyric Opera de Chicago, a Metropolitan Opera, a Ópera de São Francisco, o Teatro Nacional de São Carlos, o Teatro Real de Madrid, o Maggio Musicale Fiorentino e o Rossini Opera Festival em Pesaro. Gravou numerosos recitais e óperas completas como artista exclusiva da RCA e para outras companhias e foi galardoada com o prémio “Bayerische Kammersängerin” e “Österreichische Kammersängerin”.

A soprano Ana Sofia Ventura concluiu a sua licenciatura na Escola Superior de Música de Lisboa e posteriormente integrou a International Opera Academy em Gante, na Bélgica. 

Estreou, no Teatro Nacional de São Carlos, a ópera O Rouxinol de Sérgio Azevedo, com os papéis de Rouxinol e Rouxinol Mecânico. Estreou recentemente a ópera portuguesa Madrugada: razões de um movimento, co-produção MPMP e Orquestra do Algarve. Dos seus papéis operáticos destacam-se os papéis mozarteanos Königin der Nacht, Susanna e Zerlina. Interpretou também Sra. T em Manifesto NaDa, de A. Sousa Dias, Cathleen em Riders to the Sea, de V. Williams, Belinda em Dido and Aeneas, de H. Purcell, Cephisa em Orpheus, de G. P. Telemann, Civene em Le Cinesi, de C. W. Gluck. 

Participou na estreia moderna de La Ninfa del Tago de A. Scarlatti, no papel de Tirsi, com a OML sob a direção de Enrico Onofri, e participou também na 4ª Sinfonia de Mahler, sob a direção de Miguel Romea. 

No contexto de oratória, interpretou The Messiah de G. F. Händel, Messe in h-Moll de J. S. Bach, Lauda per la Navità del Signore de O. Respighi como Anjo, Wie der Hirsch Schreit de F. Mendelssohn. 

Natural de Roma, licenciou-se em piano, composição, música coral e direção de orquestra na Academia de Santa Cecília. Aperfeiçoou-se com Zoltán Peskó, Vladimir Delman e Rudolf Barshai, tendo alcançado o 3.º prémio no Concurso Arturo Toscanini de Parma. De 1995 a 2001, foi diretor musical no Teatro de Ópera de Ancara, ocupando, de 2001 a 2005, o mesmo cargo na Ópera Estatal de Istambul. Dos compromissos passados e mais recentes, destacam-se: Lucia di Lammermoor em Buenos Aires e Bari; La Gioconda em Santander; Andrea Chénier em Berlim e na Catânia; Macbeth em Lisboa; Aida em Copenhaga e Caracalla; Il trovatore, Anna Bolena e Ernani na Catânia; Tosca em Florença e Bari; Turandot em Copenhaga, Verona e Catânia; Aroldo em Bilbau; Il barbiere di Siviglia em Tóquio, Valência e Verona; Carmen em Copenhaga e Avenches; Faust em Tóquio e Santander; Un ballo in maschera em Salerno e Lisboa; Madama Butterflyem Ancona; Medea no circuito As.Li.Co.; Norma em Trapani e Spalato; Attila em Lecce e Roma; Otello em Lisboa; Manon Lescaut em Torre del Lago; Nabucco em Caracalla e Lisboa; Rigoletto em Tóquio, Falstaff em Xangai; e La forza del destino em Lisboa. É, atualmente, maestro titular da Orquestra Sinfónica Portuguesa. 

© Bruno Simão

Henrique Pimentel tem colaborado em 2024 com o Teatro Nacional de São Carlos em vários projectos. Foi responsável pela reposição de Madama Butterfly, encenada por Jacopo Spirei, e depois assistente do mesmo encenador na sua recente produção de Falstaff. Assina agora a encenação de dois concertos no âmbito do Festival ao Largo 2024. Anteriormente, realizou estágios com os encenadores Vincent Huguet em Così Fan Tutte (Staatsoper de Berlim, 2021) e Christophe Gayral em La Bohème (69º Festival Puccini em Torre del Lago, 2023). 

É licenciado e mestre em Arquitectura pela Universidade de Coimbra, tendo iniciado a sua actividade profissional e multidisciplinar no atelier de Luísa Bebiano. A partir de 2022 dedicou-se exclusivamente a projetos nas áreas da cenografia, direção de arte para cinema e encenação, colaborando com outros nomes importantes como Luis F. Carvalho, Artur Pinheiro, Augusto Mayer e Nuno Carinhas. 

Criada em 1993, a Orquestra Sinfónica Portuguesa (OSP) é um dos corpos artísticos do Teatro Nacional de São Carlos e tem vindo a desenvolver uma atividade sinfónica própria, incluindo uma programação regular de concertos, participações em festivais de música nacionais e internacionais. Colabora regularmente com a Rádio e Televisão de Portugal através da transmissão dos seus concertos e óperas pela Antena 2, designadamente a realização da tetralogia O anel do Nibelungo, transmitida na RTP2, e da participação em iniciativas da própria RTP, como o Prémio Pedro de Freitas Branco para Jovens Chefes de Orquestra, o Prémio Jovens Músicos-RDP e a Tribuna Internacional de Jovens Intérpretes. No âmbito das temporadas líricas e sinfónicas, a OSP tem-se apresentado sob a direção de notáveis maestros, como Rafael Frühbeck de Burgos, Alain Lombard, Nello Santi, Alberto Zedda, Harry Christophers, George Pehlivanian, Michel Plasson, Krzysztof Penderecki, Djansug Kakhidze, Milán Horvat, Jeff rey Tate e Iuri Ahronovitch, entre outros. A discografia da OSP conta com dois CD para a etiqueta Marco Polo, com as Sinfonias n.os 1, 3, 5e 6 de Joly Braga Santos, que gravou sob a direção do seu primeiro maestro titular, Álvaro Cassuto, e Crossing borders (obras de Wagner, Gershwin e Mendelssohn), sob a direção de Julia Jones, numa gravação ao vivo pela Antena 2. Recentemente, em maio de 2022, foi lançado o CD editado pela Naxos com obras de Fernando Lopes-Graça, sob a direção de Bruno Borralhinho. No cargo de maestro titular, seguiram-se José Ramón Encinar (1999-2001), Zoltán Peskó (2001-2004) e Julia Jones (2008-2011); Donato Renzetti desempenhou funções de primeiro maestro convidado entre 2005 e 2007. Joana Carneiro foi maestrina titular de 2014 a 2021. Atualmente, a direção musical está a cargo de Antonio Pirolli, seu maestro titular. 

© David Rodrigues

Criada em 1993, a Orquestra Sinfónica Portuguesa (OSP) é um dos corpos artísticos do Teatro Nacional de São Carlos e tem vindo a desenvolver uma atividade sinfónica própria, incluindo uma programação regular de concertos, participações em festivais de música nacionais e internacionais. Colabora regularmente com a Rádio e Televisão de Portugal através da transmissão dos seus concertos e óperas pela Antena 2, designadamente a realização da tetralogia O anel do Nibelungo, transmitida na RTP2, e da participação em iniciativas da própria RTP, como o Prémio Pedro de Freitas Branco para Jovens Chefes de Orquestra, o Prémio Jovens Músicos-RDP e a Tribuna Internacional de Jovens Intérpretes. No âmbito das temporadas líricas e sinfónicas, a OSP tem-se apresentado sob a direção de notáveis maestros, como Rafael Frühbeck de Burgos, Alain Lombard, Nello Santi, Alberto Zedda, Harry Christophers, George Pehlivanian, Michel Plasson, Krzysztof Penderecki, Djansug Kakhidze, Milán Horvat, Jeff rey Tate e Iuri Ahronovitch, entre outros. A discografia da OSP conta com dois CD para a etiqueta Marco Polo, com as Sinfonias n.os 1, 3, 5e 6 de Joly Braga Santos, que gravou sob a direção do seu primeiro maestro titular, Álvaro Cassuto, e Crossing borders (obras de Wagner, Gershwin e Mendelssohn), sob a direção de Julia Jones, numa gravação ao vivo pela Antena 2. Recentemente, em maio de 2022, foi lançado o CD editado pela Naxos com obras de Fernando Lopes-Graça, sob a direção de Bruno Borralhinho. No cargo de maestro titular, seguiram-se José Ramón Encinar (1999-2001), Zoltán Peskó (2001-2004) e Julia Jones (2008-2011); Donato Renzetti desempenhou funções de primeiro maestro convidado entre 2005 e 2007. Joana Carneiro foi maestrina titular de 2014 a 2021. Atualmente, a direção musical está a cargo de Antonio Pirolli, seu maestro titular. 

© David Rodrigues

É, desde janeiro de 2021, maestro titular do Coro do Teatro Nacional de São Carlos. Estudou trombone, composição, música coral e direção coral no Conservatório de Música Giuseppe Verdi, em Milão. De 2016 a janeiro de 2021, foi maestro do Coro da Devlet Opera Ve Balesi de Ancara e, de 2018 a janeiro de 2021, desempenhou as funções de orientador vocal do Coro da Rádio e Televisão da Turquia. Simultaneamente à sua carreira como barítono solista, prosseguiu a atividade como maestro de coro, a partir de 1993, quando criou o Schola Cantorum «Cantate Domino» de Carbonate (Itália). Em 1996, fundou o Coro «Euphonia», em Carbonate, do qual foi diretor artístico e orientador vocal. O Coro «Euphonia» foi levado à descoberta do mundo da ópera, tendo interpretado, ao longo dos anos, os mais importantes títulos do repertório melodramático. De janeiro de 2002 a 2016, dirigiu o Coro Lirico dell’Associazione Musicale Calauce de Calolziocorte (Itália). De 2006 a 2016, dirigiu o coro lírico «Corale Arnatese» e, de setembro de 2012 a 2015, foi o maestro do Coro Operístico de Mendrisio (Suíça). Em 2015, fundou o Coro Sinfónico Ticino. Durante vários anos, lecionou técnica, pedagogia e didatismo de canto para maestros de coro, em cursos organizados pela Unione Società Corali Italiane, da qual foi membro do Comité Artístico. Como freelancer, é regularmente convidado, por ensembles e coros, a orientar masterclasses e cursos de canto, tanto em Itália como no resto do mundo. 

© Bruno Frango

É, desde janeiro de 2021, maestro titular do Coro do Teatro Nacional de São Carlos. Estudou trombone, composição, música coral e direção coral no Conservatório de Música Giuseppe Verdi, em Milão. De 2016 a janeiro de 2021, foi maestro do Coro da Devlet Opera Ve Balesi de Ancara e, de 2018 a janeiro de 2021, desempenhou as funções de orientador vocal do Coro da Rádio e Televisão da Turquia. Simultaneamente à sua carreira como barítono solista, prosseguiu a atividade como maestro de coro, a partir de 1993, quando criou o Schola Cantorum «Cantate Domino» de Carbonate (Itália). Em 1996, fundou o Coro «Euphonia», em Carbonate, do qual foi diretor artístico e orientador vocal. O Coro «Euphonia» foi levado à descoberta do mundo da ópera, tendo interpretado, ao longo dos anos, os mais importantes títulos do repertório melodramático. De janeiro de 2002 a 2016, dirigiu o Coro Lirico dell’Associazione Musicale Calauce de Calolziocorte (Itália). De 2006 a 2016, dirigiu o coro lírico «Corale Arnatese» e, de setembro de 2012 a 2015, foi o maestro do Coro Operístico de Mendrisio (Suíça). Em 2015, fundou o Coro Sinfónico Ticino. Durante vários anos, lecionou técnica, pedagogia e didatismo de canto para maestros de coro, em cursos organizados pela Unione Società Corali Italiane, da qual foi membro do Comité Artístico. Como freelancer, é regularmente convidado, por ensembles e coros, a orientar masterclasses e cursos de canto, tanto em Itália como no resto do mundo. 

© Bruno Frango

O Coro do Teatro Nacional de São Carlos, criado em 1943 sob a titularidade de Mario Pellegrini, tem atuado sob a direção de importantes maestros (Pedro de Freitas Branco, Votto, Serafin, Gui, Giulini, Klemperer, Zedda, Solti, Santi, Rescigno, Navarro, Rennert, Burgos, Conlon, Christophers, Plasson e Minkowski, entre outros) e colaborado com marcantes encenadores (Pountney, Carsen, Vick). Entre 1962 e 1975, o Coro colaborou nas temporadas da Companhia Portuguesa de Ópera (Teatro da Trindade), tendo-se deslocado com a mesma à Madeira, aos Açores, a Angola e a Oviedo. O conjunto tem regularmente abordado o repertório de compositores nacionais (Alfredo Keil, Augusto Machado) e tem participado em estreias mundiais de óperas de Fernando Lopes-Graça, António Victorino d’Almeida, António Chagas Rosa, Nuno Côrte-Real. Em 1980, formou-se um primeiro núcleo coral a tempo inteiro e, três anos depois, assumiu-se a profissionalização plena, sob a direção de Antonio Brainovitch. A partir de 1985, a afirmação artística do conjunto foi creditada a Gianni Beltrami e o titular seguinte foi João Paulo Santos. Sob a responsabilidade destes dois maestros, o Coro registou marcantes êxitos internacionais: Grande messe des morts de Berlioz (1989–Turim); Requiem de Verdi (1991–Bruxelas); Concerto Henze/Corghi (1997–Festival de Granada). Giovanni Andreoli assumiu o cargo em 2004. Sob a sua direção, o Coro averbou êxitos num vasto e variado repertório. Em 2005, o Coro foi convidado pela Ópera de Génova para participar em récitas da ópera Billy Budd de Britten, convite que se repetiu em 2015. Giampaolo Vessella é o maestro titular desde janeiro de 2021.   

O Coro do Teatro Nacional de São Carlos, criado em 1943 sob a titularidade de Mario Pellegrini, tem atuado sob a direção de importantes maestros (Pedro de Freitas Branco, Votto, Serafin, Gui, Giulini, Klemperer, Zedda, Solti, Santi, Rescigno, Navarro, Rennert, Burgos, Conlon, Christophers, Plasson e Minkowski, entre outros) e colaborado com marcantes encenadores (Pountney, Carsen, Vick). Entre 1962 e 1975, o Coro colaborou nas temporadas da Companhia Portuguesa de Ópera (Teatro da Trindade), tendo-se deslocado com a mesma à Madeira, aos Açores, a Angola e a Oviedo. O conjunto tem regularmente abordado o repertório de compositores nacionais (Alfredo Keil, Augusto Machado) e tem participado em estreias mundiais de óperas de Fernando Lopes-Graça, António Victorino d’Almeida, António Chagas Rosa, Nuno Côrte-Real. Em 1980, formou-se um primeiro núcleo coral a tempo inteiro e, três anos depois, assumiu-se a profissionalização plena, sob a direção de Antonio Brainovitch. A partir de 1985, a afirmação artística do conjunto foi creditada a Gianni Beltrami e o titular seguinte foi João Paulo Santos. Sob a responsabilidade destes dois maestros, o Coro registou marcantes êxitos internacionais: Grande messe des morts de Berlioz (1989–Turim); Requiem de Verdi (1991–Bruxelas); Concerto Henze/Corghi (1997–Festival de Granada). Giovanni Andreoli assumiu o cargo em 2004. Sob a sua direção, o Coro averbou êxitos num vasto e variado repertório. Em 2005, o Coro foi convidado pela Ópera de Génova para participar em récitas da ópera Billy Budd de Britten, convite que se repetiu em 2015. Giampaolo Vessella é o maestro titular desde janeiro de 2021.   

Bin Chao nasceu no seio de uma família de músicos e começou a tocar violino aos seis anos de idade. Estudou no Conservatório Central de Música de Pequim, onde se diplomou com distinção, e concluiu um Mestrado em Música no Mannes College of Music de Nova Iorque, onde estudou com o violinista David Nadien.

O violinista e crítico musical Henry Roth elogiou a musicalidade e a técnica sólida de Bin Chao no seu livro Grandes Violinistas, livro este que faz uma análise sobre os 100 maiores violinistas do século XX, de acordo com a perspetiva do seu autor.

Em 1984 foi 2.º classificado no Concurso Nacional de Violino da China. Como solista, recitalista e músico de câmara, atuou por toda a Europa e na América do Norte. Mudou-se para Lisboa em 1991, tendo participado nos principais festivais de música em Portugal e ainda no Festival de Aspen e no Festival Schumann de Nova Iorque.

Em 2001 foi solista convidado no prestigiado Annual English Handbell Festival, em Nova Iorque. Entre 1999 e 2001, ensinou violino em Nova Iorque, integrado na iniciativa da Fundação Midori de levar a música às escolas públicas. Foi professor na Universidade de Évora e desde 2007 ensina violino, viola e música de câmara no Instituto Piaget. Desde 2010, colabora com o Conservatório de Música da Universidade de Lawrence, em Appleton, Wisconsin, nos Estados Unidos da América. Bin Chao toca num violino Carlo Giuseppe Testore de 1715, tendo também instrumentos dos luthiers Antonio Capela e Judith Bauer, entre outros. Desde 2014, é professor de violino na Escola Superior de Música de Lisboa.